viernes 25 de abril de 2008

The Cure : Disintegration


La primera banda antecesora de The Cure se llamó The Obelisk, banda formada en 1973, en el Notre Dame Middle School en Crawley, Sussex, y compuesta por Robert Smith (piano), Michael Dempsey (guitarra), Lol Tolhurst (batería), Marc Ceccagno (guitarra solista) y Alan Hill (bajo). Tres años más tarde, en enero de 1976, Marc Ceccagno formaba una nueva banda, Malice junto a Robert Smith (ya a la guitarra) y Michael Dempsey (cambiando al bajo) y otros dos estudiantes del St. Wilfrid's Catholic Comprehensive School. Ceccagno dejó pronto el grupo, para formar una banda de fusión Jazz-Rock llamada Amulet. Los miembros restantes de Malice, Smith y Dempsey cambiaron su nombre por Easy Cure en enero de 1977. En este momento, la influencia del omnipresente punk rock se comenzaba a hacer patente en el estilo musical del grupo. La entrada de Lol Tolhurst como baterista, y el fichaje de Porl Thompson a la guitarra solista terminaron de configurar el primer plantel de Easy Cure. La banda probó durante estos meses a distintos vocalistas sin tener mucho éxito, hasta que Smith asumió finalmente el papel de vocalista y de líder del grupo en septiembre de 1977.

Ese mismo año de 1977, Easy Cure ganaba una competición de talentos con el sello alemán Hansa Records, recibiendo como premio un contrato de grabación. El resultado de esta colaboración fueron algunas canciones de Easy Cure que nunca han sido editadas. En marzo de 1978, tras desencuentros con el sello acerca de la dirección que el grupo debía tomar, Easy Cure decidía romper su contrato con Hansa. Según Smith, el sello quería convertirlos en una banda para adolescentes, realizando versiones de otros grupos, lo que iba en contra del espíritu de la banda.


Inicios de The Cure [editar]En mayo de ese mismo año, Thompson dejaba la banda. El trio restante, (Smith/Tolhurst/Dempsey) era rebautizado por Smith en ese momento, para asumir ya su nombre definitivo, The Cure. A finales de mayo, la banda realizaba sus primeras sesiones de estudio en los estudios Chestnut de Sussex. La maqueta resultante de estas sesiones sería enviada a una docena de sellos importantes. Chris Parry, por entonces buscador de talento de Polydor, se puso en contacto con la banda tras escucharla. Se despidió de Polydor, formando el sello Fiction, y contratando a The Cure en septiembre de 1978. Entre septiembre y diciembre de ese mismo año, Parry negoció con Polydor un acuerdo de distribución para Fiction, acuerdo que se materializaba el 22 de diciembre con la edición del sencillo de debut de la banda Killing an Arab, inspirada en El extranjero, de Albert Camus. Tras las acusaciones de racismo recibidas por el sencillo desde algunos medios poco informados, motivadas por el título del mismo, la banda ponía una pegatina en la reedición de 1979 del sencillo negando connotación racista alguna. Días antes de la edición del sencillo, la banda recibía una de sus primeras críticas. NME escribía que "The Cure son como una bocanada de aire fresco suburbano en el circuito contaminado de pubs y clubs de la capital [...] Con una sesión de John Peel y la continuación de su gira por Londres en su agenda más inmediata, falta por ver si The Cure puede mantener su refrescante joie de vivre."[4]


De Seventeen Seconds a Pornography [editar]En los comienzos de su carrera musical alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra con sus singles "A Forest", perteneciente a su segundo trabajo Seventeen Seconds de 1980 y en EE. UU. con "Boys Don't Cry", perteneciente a su primer LP (edición americana) Boys Don't Cry (1980). El nihilismo musical que caracteriza sus primeros discos y una estética rupturista ideada por su líder, Robert Smith, impulsó a la banda al éxito, primero en el Reino Unido y luego en otros muchos países.


Robert SmithTras el suicidio de Ian Curtis en 1980 (vocalista de Joy Division) el movimiento musical y cultural conocido en Inglaterra como "siniestro" convirtió a The Cure en su abanderado.

En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post punk, siendo considerados un grupo del culto en la primera mitad de los años 80. Su punto álgido en la consecución de un sonido oscuro fue su álbum Pornography de 1982. Después de la publicación de este disco, y la consecuente gira promocional Fourteen Explicit Moments el grupo quedó inactivo por un periodo, por problemas internos, que llevaron a Robert Smith a plantearse seriamente la separación. La salida de Simon Gallup de la formación tras los incidentes que protagonizó junto a Smith durante la gira de Pornography había dejado al grupo como un dúo, compuesto solamente por el propio Smith y Lol Tolhurst.


De Japanese Whispers a The Head on the Door [editar]El punto de inflexión de esta tendencia destructiva llegaría a finales de ese mismo año 1982, con la publicación del sencillo Let's go to bed, una canción de carácter jovial y cierto aroma electrónico, que rompería con el carácter musical de la banda en sus primeros trabajos. A Let's go to bed le seguirían, en 1983 dos sencillos de carácter electrónico más acusado que el anterior, The walk y The lovecats, tema jazzístico basado en la película Los aristogatos, que se convertirían en los primeros éxitos comerciales de importancia (#12 y #7 en el Reino Unido, respectivamente), y que relanzarían la carrera del grupo. Todos los sencillos y las caras-b de este período se compilarían en el álbum de 1983, Japanese Whispers.

Tras varios festivales con la nueva banda (que incluía al productor de Pornography Phil Thornalley, y al percusionista Andy Anderson), y la posterior incorporación del viejo componente de la misma Porl Thompson, el grupo volvió a grabar en estudio nuevo material compuesto por Robert Smith, en este caso se trató del LP The Top (1984), disco difícil en su elaboración al asumir Smith casi todas las tareas relativas al mismo (músico, compositor, productor) y además compatir su tiempo con el grupo Siouxsie and the Banshees, con quienes se había reunido en 1983, como un medio de huir de la atmósfera opresiva de los Cure de 1982. Durante la gira mundial de The Top, el grupo vuelve a sufrir cambio en la formación - sale Andy Anderson y entra Boris Williams - y al finalizar la misma, el bajista Phil Thornalley deja el grupo y vuelve Simon Gallup. En estos momentos, ya eran reconocidos por la crítica musical y al publicar su álbum The Head On The Door en 1985 volvieron a recuperar el reconocimiento de sus adeptos con singles como "A Night Like This", "In Between Days" o "Close To Me", tema éste último que les proporcionó su primer #1 en el Reino Unido.

En 1986, coincidiendo con el décimo aniversario de la formación de la banda, se publica Standing on a Beach: the Singles 1978-1986, también titulado Staring at the Sea en su versión de Vinilo. En este recopilatorio se recogen todos los Singles de la banda entre 1978 y 1986.


Éxito Internacional: de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me a Wish [editar]Un año más tarde, en 1987, The Cure lanza el doble álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me. Gracias a la ascendente popularidad del grupo en ese momento, el trabajo alcanza el número 6 en las listas del Reino Unido, entra entre los 5 más vendidos en muchos otros países europeos y asciende hasta el puesto 35 en Estados Unidos, donde recibiría el Disco de platino. El primer sencillo del disco es Why Can't I Be You? (Top 30 en el Reino Unido, España, Francia, Alemania, Italia y otros países). El tercer sencillo, Just Like Heaven se convirtió en el de mayor éxito hasta ese momento, el primero en entrar en el Billboard Top 40. Tras el lanzamiento del álbum, la banda se embarca en el Kiss Tour, que se convierte en un rotundo éxito de público. No obstante, durante la gira, Lol Tolhurst encuentra problemas para tocar por su excesivo consumo de alcohol. Para solventar el problema, la banda acude con frecuencia a Roger O'Donnell, teclista de los Psychedelic Furs para sustituirle.

Terminada la gira en 1988 el grupo se toma un paréntesis de un año. Tras este paréntesis, en 1989, the Cure lanza Disintegration, en el que se retoma la estética oscura de trabajos anteriores. Se convierte inmediatamente en su mayor éxito hasta ese momento, entrando en las listas británicas en el tercer puesto. Tres de los sencillos del disco, Lullaby, Lovesong y Pictures of you entran entre los treinta más vendidos en varios países, incluyendo el Reino Unido. Disintegration alcanza el puesto número 12 en las listas de Estados Unidos. Fascination Street, el primer sencillo en ser editado en este país, alcanza el primer puesto en la "American Modern Rock Chart". El tercero, Lovesong, alcanza el segundo puesto en las listas absolutas. Tan sólo 3 años después de su edición, en 1992, Disintegration había vendido tres millones de copias en todo el mundo.

Durante las sesiones de grabación de Disintegration, la banda se enfrentó abiertamente con Lol Tolhurst. Estos hechos desembocaron en la salida de Tolhurst en febrero de 1989. Como resultado, Roger O'Donnell se convirtió en miembro permanente del grupo. Smith se quedaba de este modo como único miembro fundacional en la banda. A pesar de su salida, Tolhurst aparece en los créditos del álbum, tocando "otros instrumentos". No obstante, algunos opinan que no contribuyó en absoluto a la grabación del disco. El tour subsiguiente se denominó Prayer Tour. Su popularidad en Estados Unidos era ya de tal calibre por aquel momento que el grupo dejó de tocar en salas de conciertos para tocar en estadios en muchas ciudades de aquel país.

En mayo de 1990, Roger O'Donnell deja la banda. Le sustituye Perry Bamonte, técnico de guitarras del grupo. En noviembre, The Cure edita una colección de remixes titulada Mixed Up. De este álbum se extrae una canción nueva, Never Enough, editada posteriormente como sencillo. La compilación no alcanzaría el éxito de ventas del disco precedente, ni mucho menos del posterior.

En 1991, The Cure recibe el BRIT Award para la mejor banda británica del año. También en 1991, Lol Tolhurst demanda a Robert Smith y a Fiction por el pago de los derechos de autor. En la demanda se incluye también la aspiración de Tolhurst a compartir la propiedad del nombre "The Cure" con Smith. La demanda se resolvería en 1994 a favor de Smith.

Dos años después de editar Mixed Up, en 1992, la banda lanza Wish, su disco más vendido hasta el momento. Wish fue número uno en el Reino Unido, y número dos en los Estados Unidos. Los sencillos High y Friday I'm in love se convirtieron en éxitos internacionales. En dicho disco, el nombre de la banda se transformaría de "The Cure" a simplemente "Cure". No obstante, dicha denominación no duraría, ya que se retomaría el tradicional "The Cure" en Wild Mood Swings.

De la gira que acompañó al álbum, el Wish Tour, la banda extraería dos álbumes en directo, Show y Paris, editados en septiembre y octubre de 1993, respectivamente.


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Felt : Forever breathes the lonely word


TRACKS :
A1 Rain of Crystal Spires 3:54
A2 Down But Not Yet Out 3:35
A3 September Lady 3:43
A4 Grey Streets 3:45
B1 All the People I Like Are Those That Are Dead 5:09
B2 Gather Up Your Wings and Fly 3:53
B3 A Wave Crashed on Rocks 2:51
B4 Hours of Darkness Have Changed My Mind

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Felt : Poem of the river


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M83 : Saturday = youth


M83 es un grupo de música electrónica formado por Nicolás Fromageau y Anthony Gonzalez, ambos procedentes de las Antibes, Francia en 2001. Desde su primer álbum con título homónimo hasta el "Before the Dawn Heal Us" (publicado en 2005 y último disco sin contar con el proyecto paralelo llamado "Digital Shades" que comenzó en 2007), se descubre una evolución en su música, alejándose un poco de la electrónica y acércandose algo más al rock instrumental, cercanos al shoegazing.Este disco claramente mas influido hacia la veta mas ochenta.


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the Durruti Column : LC


The Durutti Column es el nom de guerre del grupo formado por el guitarrista de Manchester Vini Reilly (nacido en agosto de 1953), normalmente acompañado por el percusionista Bruce Mitchell. Asociado desde siempre con el sello Factory Records y su jefe, Tony Wilson (también su representante durante muchos años), su estilo integra elementos de jazz, folk, música clásica y rock, pero siempre sustentado por el sonido singular y característico de la guitarra de Vini.

El nombre del grupo, deriva del de la columna de milicianos anarquistas durante la guerra civil española, a cuyo frente se encontraba Buenaventura Durruti, llamada Columna Durruti. Parece ser que Vini Reilly vio el nombre, con falta de ortografía incluída, en el poster de un grupo político situacionista inglés, y que no conocía la relación del nombre con España hasta que actuó en este país.

Vini Reilly también fue el encargado de tocar la guitarra en el debut solista de Morrissey.


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Josef K : Entomology


En la novela Josef K. es arrestado una mañana por un crimen que no se conoce. Desde este momento, K. se adentra en una verdadera pesadilla para defenderse de un crimen que nunca se sabe cual es con argumentos aún menos concretos, tan solo para encontrar, una y otra vez, que las más altas instancias a las que pretende apelar no son sino las más humildes y limitadas, creándose así un clima de inaccesibilidad a la 'justicia' y a la 'ley'.

De la novela procede un famoso relato kafkiano, 'Ante la ley', que viene a ser la esencia de la 'pesadilla kafkiana'. En él un hombre llegado de lejos pretende cruzar la puerta de la Ley, pero un Guardián se lo impide.


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Stereolab :Cobra and phases group play voltage in the milky night



En el año 2002, Stereolab comenzó a preparar un estudio al norte de Burdeos, Francia. En octubre de ese mismo año la banda editó ABC Music: The Radio 1 Sessions, una compilación de sesiones para la BBC Radio 1.[1] En este mismo año Morgane Lhote dejó de ser parte del grupo[10] y se produjo el fin de la relación romántica entre Gane y Sadier.[35]

Sin embargo, el evento más importante del año para el grupo sucedió el 9 de diciembre,cuando Mary Hansen falleció en un accidente de tránsito. Hansen había nacido en Maryborough (al norte de Brisbane), Queensland, Australia; y se había convertido en parte importante del grupo por su trabajo vocal (en especial por su forma de armonizar con Sadier), aunque también era guitarrista y teclista. El accidente se produjo cuando Hansen, que viajaba en bicicleta, fue embestida por un camión. Esta tragedia hizo que el grupo no estuviese activo por un tiempo, pero la banda decidió continuar, y una canción de su siguiente álbum, Margerine Eclipse, titulada "Feel and Triple", tiene letras dedicadas a Hansen. Algunas notas sobre las presentaciones en vivo del grupo mencionan el impacto que la ausencia de Hansen tuvo en el sonido del grupo.


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REM: Accelerate


R.E.M. es una influyente banda estadounidense surgida en 1980 en el Estado de Georgia, EE. UU., pionera del denominado rock alternativo e inspiración de bandas de desarrollo posterior.

En la década de los 70, plena era punk, un estudiante de arte llamado Michael Stipe conoce a un coleccionista de LP´s de los años 60 llamado Peter Buck. Ambos se unen a dos músicos experimentados, Mike Mills y Bill Berry, y comienzan a tocar en pubs locales en la ciudad de Athens. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, "Chronic Town", con la discográfica I.R.S. Records. Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país.

A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcados como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo, lanzaron los álbums más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. Monster, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias medicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.. A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas criticas y exitos comeriales. En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.


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Primal Scram : Sonic flower groove


son un grupo de rock alternativo formados en Glasgow, Escocia, liderada por el que fuera batería de Jesus and Mary Chain, Bobby Gillespie. Actualmente el grupo está formado per los siguientes miembros: Andrew Innes y Robert 'Throb' Young son los guitarristas; Martin Duffy es el teclista; Gary 'Mani' Mounfield es el bajista; Darrin Mooney toca la batería; y Bobby Gillespie es el cantante y guitarrista. Otro guitarrista durante las giras es el productor Kevin Shields, que fue miembro del grupo My Bloody Valentine. La banda tuvo contrato hasta el año 2000 com Alan McGee's Creation; actualmente tienen un contrato con Sony/Columbia.

Formados en Glasgow por Bobby Gillespie y Jim Beattie, estos empezaron siendo un grupo de rock psicodélico, influenciados por la teoría de la terapia primal (en inglés primal scream therapy de la cual extrajeron el nombre para el grupo). La música que querían crear debía de ser algo instintiva y fundamental para nuestra naturaleza.

A mediados de los 80, Gillespie y Beattie reclutaron otros miembros, incluyendo a Robert Young (entró a formar parte como guitarrista) y Andrew Innes (in 1986). A estas alturas la banda tenía un sonido de lo más psicodélico, estaban influenciados por The Birds y Love y formaron parte de la escena musical llamada C86 (BMX Bandits, The Mighty Lemondrops, The Soup Dragons, The Wedding Present etc.).

Su primer trabajo fue el disco Sonic Flower Groove (1987), de este álbum las posibles mejores canciones sean Gentle Tuesday y la tarareable Imperial, aunque su mejores canciones de esta época son sin duda Crystal Crescent y la cara-B Velocity Gril.

Uno de los miembros fundadores, Jim Beattie, se marcha a otra formación, Spirea X, continuando con un sonido psicodélico, mientras el trío de Gillespie, Innes y Young introducen un nuevo batería, Phillip "Toby" Tomanov (este también tocó en The Nosebleeds, The Durutti Column and Blue Orchids) y el bajista Henry Olsen (formó parte de The Faction).

En su siguiente disco los aires del grupo tomaron un rumbo más oscuro e influenciado por grupos como The Rolling Stones, MC5, Iggy Pop and the Stooges y la escena de garage rock de Detroit, este se tituló Primal Scream y fue lanzado en (1989), siendo recibido negativamente por la crítica musical



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Japan: Tin drum


David Sylvian, llamado originalmente David Alan Batt, es un reconocido músico británico que tiene un amplio un repertorio de diversos géneros, como el glam, synthpop, new romantic, new wave, progresivo, experimental, jazz, ambient y al psicodélico similar al de los años sesenta. Él es cantante, guitarrista, tecladista y compositor. Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música.

En 1969 comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Catford (Catford Secondary School), donde conoció a Anthony Michaelides (luego Mick Karn) y Richard Barbieri. Junto al primero, compartían gustos por el glam rock, al extremo de querer aparecer en la escuela con la apariencia de alguno de sus representantes, lo cual llegó a hacer pero fue golpeado por los demás alumnos. En 1974, aún en el colegio, forma, junto con Michaelides y su hermano menor Steve, una banda que haría giras por Londres, para así también ganar dinero.

En 1976, Sylvian y los otros, ya con Barbieri incluido, firma contrato con Hansa Records. Se graban demos, hasta que a finales de 1977, el grupo graba su primer álbum.


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Talk Talk : It´s my life




tRACKS:
A1 Dum Dum Girl 3:50
A2 Such a Shame 5:43
A3 Renee 6:22
A4 It's My Life 3:53
B1 Tomorrow Started 5:57
B2 The Last Time 4:23
B3 Call in the Night Boy 3:47
B4 Does Caroline Know? 4:40
B5 It's You

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Third Eye Foundation : I Poo poo on your juju


Inicialmente comenzó con el nombre de The Third Eye Foundation, y desde 2001, coincidiendo con un cambio en su estilo, ha usado su propio nombre. Él también ha sido miembro del grupo "Movietone" y también de "Amp", a parte de colaboraciones tempranas en algunas grabaciones de Flying Saucer Attack.

Su primer álbum Semtex (con el nombre de The Third Eye Foundation) fue una mezcla de drum and bass con ritmos de samples y un sonido de guitarras procesadas electrónicamente con un estilo muy parejo al de My Bloody Valentine. Editado por el propio sello de Matt Elliott, este disco fue considerado parte del trip hop contemporáneo de Bristol, en una escena dominada por grupos como Portishead y Massive Attack, a pesar de reconocer tener más afinidad con grupos de post-rock y experimentales con los que colaboró en contadas ocasiones. En su segundo álbum, titulado Ghost , usa más los samplers y de una forma más agresiva aún, incluyendo una pista con un sample de Metal Machine Music de Lou Reed. Sus siguientes álbumes se fueron alejando del estilo áspero de Ghost siendo reemplazado por un corte más moderno y minimalista, sin dejar de usar los samples y consiguiendo el sonido misterioso y sombrío que siempre le ha caracterizado. Éxito tuvieron sus dos siguientes álbumes You Guys Kill Me (1998) y Little Lost Soul (2000), terminando con el nombre de The Third Eye Foundation en 2001 con el último álbum I Poo Poo on Your Juju en 2001.

Dos años más tarde, en 2003 nacería el primer álbum en el que Matt Elliott usaría su propio nombre, sería con "The Mess We Made" (2002). La razón, en propias palabras de Elliott, es el cambio radical en su música, apostando por un corte aún más minimalista y sin uso de la tecnología ni la programación musical y con un mayor número de instrumentos no electrónicos. Según expresó en una entrevista en el año 2003, consideraba aburrido volver a programar la clase de beats que realizaba en The Third Eye Foundation y consideraba que ya había bastantes grupos que hacían cosas con beats mejor que las que él realizaba. En 2005 asentaría el estilo que comenzó con "The Mess We Made", en un nuevo álbum titulado Drinking Songs que finaliza, a día de hoy, con su último LP: Failing Songs en el que usa un mayor número de instrumentos acústicos y un mayor uso de voces en canciones con un contenido político y social notorio.


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domingo 13 de abril de 2008

Low : Paris 99 Anthony are you around ?



Presentémosles. Mimi Parker -batería y percusiones, voz de oro también- y Alan Sparhawk -guitarrista al ralentí, garganta salida de un coro de iglesia- llevaban ya unos años casados cuando decidieron coger al toro por los cuernos y crear su grupo definitivo. Antes habían dado tumbos por la escena underground de Minnesota en grupos de muy distinto pelaje. Necesitaban a un bajista y eligieron a un viejo conocido, John Nichols. Se bautizaron como “LOW” -”intenté ser lo más descriptivo posible”, dijo Alan Sparhawk hace unos años- y en su casa de Duluth grabaron su primera maqueta, con dos canciones como “lullaby” y “cut”, que anticipaban los rasgos posteriores del grupo.


La cinta comenzó a recorrer algunas discográficas como Dischord, que la rechazaron amablemente, hasta que cayó en manos de Kramer, geniecillo en la sombra de Galaxie 500. Alan era un gran fan de ese frupo y pensó que le podía interesar. No se equivocaba. El productor –que los aficionados españoles pueden oír en el primer disco de Sr. Chinarro, en el ‘Tongues’ de Beef y en el ‘Adiós’ de Paperhouse- les invitó a grabar dos canciones y después las pasó al sello Vernon Yard. En poco tiempo, Low ya tenían productor y también la primera losa de su carrera: les costaría 3 discos alejarse definitivamente de la sombra de Galaxie 500.



La culpa la tuvo un brillante primer album, ‘I Could Live in Hope’, grabado en 1994. Kramer impuso su estilo, rellenó todos los silencios con reverbs y demás trucos tan del gusto del productor y en aquel momento aquello pareció amplificar las cualidades del grupo. Las canciones de su primera maqueta se presentaban ya relucientes, había nuevos clásicos como Lazy, y la crítica les acogió sin recelo, aunque tirando de sonidos reconocibles: les compararon con Cowboy Junkies, con Slowdive o -cómo no- con el “On Fire” de Galaxie 500. También se comenzó a ver en Low a los epítomes de la depresión. Canciones como Rope -”Vas a necesitar más / no me pidas que golpee la silla que estaba a tus pies”- ayudaban a la imagen de trovadores del desconsuelo. Sin embargo, nadie pareció darse cuenta de que la dulzura de aquellas voces entrelazadas daba para mucho más.




Antes de que se grabe el segundo disco, Low cambian de alineación. John Nichols hace honor a los tópicos del rock y, cansado de salir de gira, abandona. Ocupa su puesto Zak Sally, viejo conocido de la banda, con quien Alan había comandado un grupo que hacía versiones de “Bela Lugosi´s Dead” de Bauhaus o “Sister Ray” de la Velvet. Desde entonces, Zak Sally se convertirá en pieza fundamental del grupo y apoyo fundamental de un matrimonio rockero. “Más allá de que no tengo que abandonar a mi mujer cada vez que salgo de gira, no hay nada de especial en estar casados y tener una banda. Mucha gente cree que al estar casados, Zak sólo cubre el expediente al bajo, pero no es así en absoluto. No sólo toca sus acordes, sino que se involucra en cómo tocamos nosotros o en cómo cantamos”, contaba Alan en sus primeros años de carrera.

Con Zak al bajo, el grupo comienza a coger nombre gracias a un magnífica versión de Joy Division, “Transmission”, incluída en el tributo “A means to an end” y que da nombre a un EP de Low. Esta canción abre una larga lista de versiones realizadas por los de Duluth, que incluyen un tributo a su paisano Dylan -”Blowin´in the wind”, unos Beach Boys convertidos en cantantes de nanas -Surfer Girl”- o los Bee Gees -”I Started a Joke”-. La mayor parte de ellas están recogidas en el recopilatorio “A lifetime of temporary relief”, donde también vienen las tres más escalofriantes versiones de Low: “Last Nigt I Dream…” de los Smiths, “Lord can your hear me” de Spacemen 3 y “Fearless” de Pink Floyd, capaces de convencer por sí mismas de que Low son un grupo con magia.

A Primera división




La entrada en el estudio se hace una vez más con Kramer a los bandos. El segundo disco de Low, “Long division” (1995) pule los errores del anterior y se queda en la gema más brillante del slowcore puro. Los sonidos se espacian aún más, las notas no se dan paso en sucesiones de acordes, sino que suenan, languidecen, mueren y finalmente son sustituidas por otras. Y ahora sí, Low se creen sus papeles de propagandistas de la depresión y los trasladan a las letras. El disco se abre con la frase “Te presté mi diccionario favorito y me lo devolviste con las páginas rasgadas” y transita por lugares nocturnos y calles a media luz. Es un conjunto de canciones para escuchar por la noche y también el primer disco redondo de Low.



Para 1996, Low dan un pequeño giro a su carrera. Abandonan a Kramer y se meten en el estudio con Steve Fisk para dar formar a -otro gran título- ‘The Curtain Hits The Cast’. La primera sensación de este disco es que la formula, más allá de 3 ó 4 canciones excelentes, está casi agotada. Es un trabajo continuista en esencia, algo cojo en el resultado final y que yerra en su minimalismo. Funciona en mom says -demoledor verso final para el cuento infantil, “mamá dice que nosotros arruinamos su cuerpo”- pero aburre en coattatils, standby o laugh. El experimento post-rock de ‘Do you know how to waltz?’ no pasa de discreto y si algo salva a ‘The Curtain…’ de ser un mal disco son sus canciones más brillantes: los juegos vocales y el desarrollo final de “over the ocean”, “the plan” o, sobre todo, la emoción pura y dura de “stars gone out” que enlaza con el desencanto máximo “Same”: “estoy cansado de levantarme con las mismas ropas y los mismos agujeros en mi piel, con las mismas notas, el mismo pelo y las mismas palabras para las mismas canciones en mi cabeza”. ¿Habían entrado Low en una crisis creativa?



Nunca lo sabremos, porque en vez de quedarse quietos, Low editaron en 1997 un Ep que habría de cambiar totalmente su música: “Songs for a dead Pilot”, con el que además se mudaron de Vernon Yard a Kranky, casa de supuestos genios como Godspeed You Black Emperor!. En 6 canciones, Low se hacen diferentes, pero manteniendo la esencia. Abre la experimental y casi fantasmagórica versión de “Will the night” y “Condescend” muestra que Low ya pueden dejar entrar en sus canciones una emocionante sección de cuerda. “Born by the wires” son trece minutos excesivos que emparentan con el pasado mas soporífero pero “Be there”, con su hammond omnipresente y su pesada percusión, es el caramelo del EP y también el camino del futuro. La crítica comienza a caer definitivamente rendida a sus pies y Low se convierten en la gran esperanza comercial de un género que no se caracteriza por sus millones de seguidores.

CON ALBINI



En 1999, Low publican ‘Secret Name’. El disco se abre con ‘I remember’, cuya versión en single –“muy a lo Joy Division´, según sus propias palabras- ha sido felizmente recuperada por la recopilación de rarezas de 2004. Los cambios sustanciales que se intuían se hacen realidad en el nuevo disco: ‘últimamente, de lo que se trata es de empujarnos a nosotros mismos más allá de nuestros límites. Habíamos creado un sonido característico, pero había que seguir más allá. Creo que las cosas más interesantes son las nuevas texturas y formas de crear’, confesaba Alan Sparhawk por aquella época. Low suenan más dulces en canciones como “Starfire” o “Inmune”, amplían el número de instrumentos, canciones como “Weight of the water” parecen copiadas de una cajita de música, y en “Don´t understand” el loop inicial da paso a una pesada percusión: los Low de siempre, los que gustan a sus fans, pero con detalles mucho más trabajados. En definitiva, en Secret Name Low se muestran como un grupo más versátil de lo que la etiqueta slowcore pudiera hacer prever. Sin embargo, el disco era menos sorprendente de lo esperado, aunque ahora puede servir como la mejor entrada a su mundo.



El definitivo golpe de timón, el que les encumbra como compositores y el que supone su despegue definitivo hacia el estrellato underground, se encuentra entre las cenizas. Se alían con Steve Albini, que llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con ellos, y dan forma a ‘Things We Lost in the Fire’. Continúan aumentando su dulzura, gracias a juegos vocales que cada vez miran más fijamente a los años 60, y en especial a Simon & Garfunkel. Mantienen sus características básicas en canciones como ‘Whitetail’, aunque la producción de Albini permite contemplar los detalles de más cerca: las cuerdas que se rasgan en ese mismo tema, la pesada percusión de una grandísima ‘Dinosaur Act’ o la atmósfera minimalista y triste, pero dulce, de ‘Laser Beam’. En este disco todas las cosas están en su sitio y esta vez Low ni siquiera alargan sus canciones más de lo debido. Gracias a ello dejan cumbres como ‘Like a forest’ o ‘In Metal’, esta última coronada por una letra demoledora sobre los recién nacidos: “En parte odio verte crecer y me gustaría, como hago con tus pequeños zapatos de bebé, conservar tu cuerpo en metal”. Todo un homenaje al hijo de Alan y Mimi, el encargado de cerrar el disco con su balbuceo.



Un año después de su cumbre, Low se despiden de Albini, se encierran en una iglesia de Duluth y allí graba su siguiente disco, ‘Trust’, una obra de contrastes. El inicio es sensacional, con la plegaria ‘That´s How You Sing Amazing Grace’, apasionante crescendo en el que Alan y Mimi vuelven a demostrar su capacidad vocal para emocionar y que desemboca en la electricidad a chorro de ‘Canada’, o Low jugando a ser Yo La Tengo -o, visto desde el presente, Low anticipando su siguiente disco-. Lo más indie que hayan escrito, ‘Canada’ les pone en lo más alto de las listas de aquel año. Otras canciones, como ‘In the drugs’, ‘The last snowstorm of the year’ o ‘La la la song’, convierten a Low en un grupo de folk tradicional. En una entrevista a esta misma revista realizada por Ignacio Julià, Alan confesó que el tema del disco es “¡te quedan cinco minutos de vida, dinos lo que sabes!”. Aunque haya voces discordantes, ‘Trust’ supone otra cima en la carrera de Low y, sobre todo, constata su capacidad para alejarse de su estilo sin perder ni un ápice de encanto.



Y esa afirmación nos coloca en 2005, ante “The Great Destroyer”. Desde unos meses antes de su salida al mercado, Low habían manifestado su intención de explorar su vertiente eléctrica y aparcar los ritmos mortecinos. Con Dave Fridmann a los mandos pero sin hacerse con todo el control, Mimi, Alan y Zak entregan su disco más pop. Canciones como California o Just Stand Back podrían sonar en la cualquier radio comercial si ésta recuperase el gusto por el rock y las guitarras. Otras, como Everybody´s song, demuestran una fuerza rockera que muchos no habíamos previsto. Y todas, absolutamente todas las que componen el disco, relucen con el brillo de los discos geniales. Es el último paso de una carrera intachable y de necesario conocimiento para quienes piensan que el rock no tiene por qué desarrollarse siempre a la máxima velocidad posible.



DESPIECE:

Aparte de sus discos largos, Low también han grabado varios eps nada despreciables, porque permiten ver otras facetas de su carrera. Además de Transmisión, que les sirvió para darse a conocer en todo el mundo, y Songs for a Dead Pilot, Low grabaron en 1999 ‘Christmas’, dedicado como es obvio a la Navidad. Versiones y canciones propias en un artefacto delicioso para recibir a los invitados en Nochebuena, que se verán sorprendidos por unos villancicos algo diferentes. Ese mismo año se encierran con The Dirty Three en un estudio holandés, invitados por el sello Konkurrent para su serie ‘In The Fishtank’, que une a diversos grupos con la idea de que improvisen un disco en dos días. Las imágenes de ese encuentro quedan resumidas en el DVD editado recientemente junto al recopilatorio ‘A lifetime…’. En media hora, las dos bandas se compenetran perfectamente y paren algunas de las canciones más hermosas de sus respectivas discografías. El último ep reseñable es ‘Bombscare’, en el que Low se unen a la banda de electrónica experimental Spring Heel Jack para crear 16 minutos de música que se hacen cortos y te obligan a preguntarte por qué no unieron para un disco entero. Cuatro canciones que suenan como extrañas y bellas nanas donde cobran especial protagonismo las voces de Mimi y Alan. Una obligación que hoy se puede conseguir gracias a Internet.


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Low : One more reasons to forget


La impecable trayectoria de LOW, que incluye espeluznantes discos de slowpop hipnótico y ceremonial (para algo son mormones: hay algo de religioso en su música), se cuenta entra las más secretas y prestigiosas joyas de la década pasada (y siguen editando discos maravillosos).

Así las cosas, "One More Reason to Forget" es la mejor introducción posible a la música del trío: una grabación en directo, realizada en la Igleisa de San Felipe Neri de Louisville, Kentucky (recuerden, la capital del slowcore). Mítico y ya descatalogado.

El excelso "One More Reason to Forget" da paso a un nuevo single editado por la impresionante banda de Duluth, en su propio sello, que contiene una maravillosa versión de THE SMITHS (la titular), y "Because You Stood Still", pieza inédita y realmente aconsejable. Ambas con cuarteto de cuerda. Y, encima, contiene una pista en CD-ROM con un vídeo en Quick Time del single de su anterior y soberbio "Things We Lost in the Fire", el gran himno anémico (Juan Manuel Freire dixit) "Dinosaur Act".

"Songs for a Dead Pilot/Christmas" son los dos eps que LOW editaron en el sello Kranky (hogar de OUT HUD, Jessica Bailiff, Dean Roberts... y donde Godspeed You! Black Emperor editaron su primer álbum,"F#a#infinity" así como el ep "Slow Riot for New Zero Kanada". Ahora reunidos para completar este álbum. "Songs for a Dead Pilot" se editó originalmente en 1997. "Christmas" es de 1999.

"Songs for a Dead Pilot/Christmas" contiene catorce canciones, entre ellas sobresalen: "Just Like Christmas", "Long Way Around the Sea" y los trece minutos de "Born By The Wives".

Esta reedición es esencial para fans del slowcore.

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Dead Can Dance : Exorcism in the Palace live in Warsaw 31.03.2005


"Nosotros estamos buscando algo para descubrir el proceso de creatividad, de traer cosas inanimadas a las vida, de manera que éstas se expresen"(Lisa Gerrard).
Escuchar Dead Can Dance - Los Muertos Pueden Bailar, es sumergirse en la edad media y en un mundo sonoro, lleno de atmósferas hipnóticas, que te transportan a un mundo lejano y desconocido, donde aquella música muerta y olvidada hace mucho tiempo, resucitan en el espíritu de ésta banda.
Se formo en Melbourne en el año 1981, año donde dominaba la presencia de los sintetizadores e instrumentos electrónicos innovadores. Estuvo formado por Lisa Gerrard y Brendan Perry, guitarrista y segunda voz. Ambos tenían algo en común: sus raíces anglo - irlandesas y la pasión por la música de sus orígenes. El uso de instrumentos del medio evo y elementos del romanticismo gótico, en un principio fue catalogado como un grupo gótico.
Al no encontrar el éxito en su país natal, decidieron trasladarse a Londres, donde en el año 1983 firmarían con el legendario sello discográfico del rock alternativo, 4AD, donde pasaron figuras de la talla de Cocteau Twins.
Gracias a su álbum "Into the Labyrinth", Dead Can Dance se volvió una banda de culto tanto en EE.UU. como en Europa.
Podrían decirme que estoy equivocada en ésta afirmación, de que a mi modo de ver y vivenciar su música, yo diría que tiene mas dark que gótico. Hay temas que me impactaron en lo profundo por lo que generaron en mi, especialmente con el tema "The Song of the Sibyl", una canción popular catalana del siglo XvI.
Para pesar nuestro por todo lo que aportaron a la música, a finales de diciembre de 1998, la banda se disuelve a raíz de un altercado entre Lisa Gerrard y sus músicos en medio de las sesiones de grabación de su último álbum "Eire".
Lisa Gerrard participó en la banda sonora de la película "Gladiator

Parte I
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`
Parte II

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Joy Division : Closer


Ian Curtis tenía 23 años cuando se suicidó en su casa de Manchester, el 18 de mayo de 1980. Su banda, Joy Division, sólo había editado un disco, Unknown Pleasures, pero su sonido oscuro y sus letras pesimistas ya les proyectaban como uno de los grupos punteros del bullicioso Manchester de finales de los 70. Entre su legado brillan joyas como Transmission, Atmosphere y, sobre todo, Love will tear us apart , una bella balada. Al parecer, la epilepsia, el fracaso de su matrimonio y la depresión fueron demasiado para el joven Curtis.


El fotógrafo holandés Anton Corbijn vivió aquellos años en Manchester y fotografíó a Curtis junto al resto de la banda (Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris) en varias ocasiones. Casi 30 años después de que el post-punk conmocionara Manchester, Corbijn, famoso por sus retratos de U2, Depeche Mode y Coldplay, entre otros, ha rodado la vida de Curtis en Control, un biopic de dos horas en blanco y negro, que se ha presentado este jueves en la 60 edición del Festival de Cine de Cannes, fuera de competición, y que ha entusiasmado a la crítica.

La mayor sorpresa de la cinta, según la prensa especializada, ha sido la interpretación del desconocido Sam Riley, de 27 años, que exhibe un sorprendente parecido con Curtis y que ha conseguido transmutarse en el enigmático líder de Joy Division. "Sam Riley ofrece una actuación soberbia como Ian Curtis, y recrea intuitivamente sus gestos en escena", señala el crítico del diario británico The Guardian Peter Bradshaw. Curtis cantaba impostando una voz profunda, con la boca pegada al micrófono y a menudo bailaba como sacudido por espasmos eléctricos. Su imagen se convirtió pronto en una de las señas de identidad de la banda.

"Riley, que también ha sido cantante en un grupo, posee el carisma intenso para ser el líder de una banda de rock. Mantiene el tipo junto a Morton, mayor y con más experiencia, especialmente cuando el papel requiere que la mayor parte del conflicto emocional sea interno", señala Stephen Dalton en Times Online.

La actriz Samantha Morton (Minority Report), la única estrella del largometraje, da vida a la mujer de Curtis, Deborah (cuyas memorias, Touching from a distance, han servido de punto de partida al film) y Alexandra Maria Lara encarna a la amante del vocalista, la periodista belga Annik Honoré.

Completan la historia, además de los compañeros de la banda, el irónico manager Rob Gretton, el productor prodigioso Martin Hannett, y el periodista Tony Wilson, impulsor del sello Factory Records y de la mítica sala The Haçienda. El propio Wilson es el protagonista del falso documental 24 Hour Party People, de Michael Winterbottom, que recrea la efervescencia musical del Manchester de los 80 y en el que se menciona la muerte de Curtis.

La biografía Torn Apart, publicada el año pasado por los periodistas Mick Middles y Lindsay Reade, sugiere que la medicación para la epilepsia, la sensación de haber fracasado como marido y como padre (acababa de tener una niña con Deborah) y la depresión pudieron empujar a Curtis al suicidio.

"Una experiencia incómoda"

"Riley ve a Curtis no como un melancólico obsesivo y autodestructivo sino como un romántico wordsworthiano frustrado que amaba a dos mujeres por igual, y que simultáneamente deseaba y temía perder el control: una vía de escape hacia la música y una vía de escape de su cuerpo", ha resumido Bradshaw.

Riley es ex miembro del grupo Ten Thousand Things y ha preparado el personaje visionando imágenes de las actuaciones de Curtis e incluso visitando la National Society for Epilepsy para estudiar los efectos de le epilepsia. "He pasado mucho tiempo ante el espejo ensayando movimientos de baile", ha revelado Riley.

Los tres compañeros de Curtis en Joy Division, que luego se reconvirtieron en New Order, una de las formaciones más influyentes de la música dance de los ochenta, asistieron a Cannes para apoyar la proyección de la cinta, entre rumores de que se van a separar definitivamente. "New Order pocas veces de ponen de acuerdo en algo, pero todos están de acuerdo en que les ha encantado el film", ha señalado el director en The Guardian.

El ex baterista de la banda, Stephen Morris, asistió a la premiere el jueves y ha reconocido a Reuters que visionar la historia del grupo ha sido una experiencia incómoda. "Al verla anoche por segunda vez, pero junto a mucha gente, era como ver tu juventud expuesta ante el público; fue como si te diseccionaran".

Morris ha explicado lo que sintió cuando se enteró de que Curtis se había ahorcado: "Supongo que fue una conmoción pero no lo recuerdo así; fue sólo ira, la ira de que [Curtis] pudiese ser tan estúpido". "Lo que sucede cuando alguien se suicida es que deja muchas preguntas sin responder a la gente que queda atrás", ha añadido.

Corbijn ha llevado a cabo el rodaje como una obsesión personal y ha financiado parte de la cinta con su propio bolsillo. Los cuatro millones de euros que ha costado los han pagado entre el propio fotógrafo, capital privado y Warner Music, según los productores. "Ha sido duro", ha explicado Corbijn a The Guardian, "pero era mi primera película y eso a veces da miedo a la gente. Pero es una historia muy inglesa, y parecía apropiado conseguir financiación de Inglaterra".

Tras la muerte de Curtis, la banda publicó Closer y, más tarde, el recopilatorio Substance. Fueron poco más de dos años de vida, pero Joy Division dejó temas duraderos, como Transmission, She's lost control, Atmosphere, These days y, sobre todo, Love will tear us apart. Su legado influyó a numerosas bandas, desde U2 a The Killers y Franz Ferdinand.


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Skinny puppy : Vivisect VI


Resulta un placer perforar los sentidos con el vigoroso circo sonoro que han montado Skinny Puppy tras más de seis años de silencio. Este par de adorables funambulistas de la electrónica transitan en su nuevo disco por una delgada línea compositiva en la que tan pronto ritmos contundentes generados por sintetizadores adornados con breves guitarrazos, cobran primer plano, como que las voces y atmósferas transitan por tenebrosos parajes.

El abismo que hay a entre Skinny Puppy y aquellos que pretendieron romper las reglas y acabaron siendo previsibles y aburridos jugando con la electrónica al aventurarse en el perfil más agresivo y negro de la misma, se cimienta en la agudeza con la que Skinny Puppy manejan diferentes prismas. Tal vez cabe recordar que la pareja Nivek Ogre y cEvin Key (Skinny Puppy) fueron coetáneos, hace más 20 años, a bandas como Cabaret Voltaire y Suicide, además de pioneros, como los mencionados, en popularizar, toda una corriente de artistas que han generado tensión y complicidad con herramientas supuestamente gélidas.

“The Greater Wrong Of The Right” no es un ejercicio de nostalgia ochentera, si bien es cierto que tampoco es un álbum excesivamente rupturista. Su mejor virtud es que innova en esencias de la electrónica agresiva al compenetrarlas perfectamente con pinceladas de instrumentación orgánica, como por ejemplo las demoledores baterías que les ha regalado Danny Carey, baterista de Tool en “Use Les” o las voces que ha puesto en esa misma composición Wayne Static, de Static-X. Predominan los medios tempos calmados sobre la rapidez y la urgencia. Ogre y Key consiguen, además, un punto de accesibilidad tecno que tal vez (de una vez por todas) atraiga público que no se ha parado nunca a escucharles.

Skinny Puppy conocen hasta donde pueden llegar (cual es su techo) y de ahí para abajo explotan al máximo sus recursos. Por eso son una de las formaciones que más vestigios de originalidad han desplegado en las últimas dos décadas y “The Greater Wrong Of The Right”, su decimotercer álbum, es prueba definitiva de ello. Recomendado activamente para seguidores del gótico, darkwave, EBM, sonidos industriales... etc. Si no te ubicas en esos territorios o estas palabras te suenan a incomprensible Esperanto tal vez deberías empezar a plantearte la riqueza sónica de discos como este, porque corres el riesgo de no poder disfrutar de otro atractivo modo de afrontar las artes musicales de este siglo.

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Bauhaus : Swing the Heartache the BBC sessions


Su último álbum hasta la fecha data de 1983 (Burning from the Inside); son, por lo tanto, 24 ó 25 años de espera, a pesar de las reuniones de 1998 y 2005. Atención, batería de preguntas: ¿Cuándo una banda ha vuelto dos veces antes, podemos considerar que ahora vuelven por la pasta? ¿las anteriores ocasiones volvieron por la pasta? No contesten todavía, aún hay más. Este álbum que verá la luz en marzo se titula Go Away White y se anuncia como definitivo, así como la disolución final de la banda. ¿Esto se hace por la pasta? No se molesten en buscar símiles, ni en comparar a músicos terminales entre ellos. Las respuestas, aunque algunas veces resulten evidentes, las conocen los protagonistas, no quienes interpretamos los hechos. Pero ahí va un apunte: quizás el ego pueda más que los enfados de grupo o el vil metal.

Retrocedamos casi 30 años. El primer single de la banda es hoy en día una joya de coleccionista: Bela Lugosi’s Dead ( Small Wonder, 1979), casi diez minutos de claustrofobia, de clara influencia del kraut germano de inicios de los 70 por la metronomía constante, aunque muy lenta, y con una progresión mínima pero con numerosos juegos estereofónicos que, junto con la letanía de Peter Murphy, convertían aquella pieza en un auténtico escalofrío. Luego llegaron cuatro fantásticos álbumes de estudio, en los que hubo tiempo para profundizar aún más en la oscuridad, para experimentar, para triunfar y para dejarse seducir por el mercado y el público masivo.

El primero de ellos In the Flat Field (4AD, 1980) ahondaba en la oscuridad con temas como Nerves, o Stigmata Martyr por citar los menos habituales, e incluyendo versiones de Marc Bolan ( Telegram Sam es el tema más luminoso del álbum) y John Cale (terrorífica versión de Rosegarden Funeral of Sores).

El segundo, Mask (4AD, 1981) es quizás su obra conjunta de mayor calidad, donde la oscuridad no era el fin, sino una vía más de experimentación. De hecho lo rítmico —y lo arrítmico—, dominan el disco sobre la densidad, aunque la suma de todo vuelva a ser la paranoia y el miedo, ahora incluso más que nunca, por el modo desconcertante de articular el total de la obra y cada tema en particular. Sin embargo podermos enunciar Kick in the Eye, In Fear of Fear y Muscle in Plastic como tres de los mejores temas del post-punk de la época, así pasándonos el forro de las etiquetas oscuras, o góticas, o bobadas similares.

Sky’s Gone Out (Beggars Banquet, 1982) es su álbum más experimental, el álbum del exquisito cadaver, y las tres partes de las tres sombras, pero todo fué eclipsado por la versión de Ziggy Stardust de David Bowie, que elevó a la banda y a Peter Murphy a la primera linea comercial.

Lógicamente, su siguiente obra Burning from the Inside (Beggars Banquet, 1983) fué su disco más popular, lo que demuestra que a corto plazo venden más las caras y los nombres que la propia música. Ojo, es un muy buen disco, Bauhaus nunca han bajado el listón, pero sí es una obra más accesible en lo musical, mientras que aumenta su carga literaria y artística homenajeando a Antonin Artaud, Picasso y más. Al fin y al cabo los componentes de Bauhaus siempre han reconocido su afán por las artes, la decisión de montar una banda fue simplemente por ser la vertiente artística con mayor salida de la época.

Bauhaus se disolvieron ese mismo año, después de graves problemas personales entre Peter Murphy y el resto. ¿Curiosidad sobre lo que ocurrió a continuación? Básicamente que Murphy inició una muy digna carrera en solitario, se fue a vivir a Ankara, desde donde habitualmente se desplazaba a grabar sus álbumes (o muchos de sus temas) a Sevilla. Jay, Ash y Haskins se fueron a los USA y formaron Love and Rockets con bastante éxito a comiezos de los 90. Tenemos por lo tanto a los cuatro individuos continuando sus carreras con algún que otro bombazo en las listas, pero sin que ninguno de ellos empleara jamás ni un solo tema de Bauhaus en sus álbumes o conciertos. Eso había sido pactado.

A finales de los años 90, sus nombres eran continuamente citados como influencias de todas aquellas bandas indies y de las que simplemente se vestían (literalmente) de indies; se multiplicaban los homenajes y discos de tributo a una banda mítica. Desde luego era el momento de aparcar las diferencias y volver. ¿Por la pasta? Por lo que sea. La operación se repite en 2005. Ninguna de las reuniones defraudaron. Incluso se les permitió pasearse por el escenario con sus capas de Bela Lugosi sin que nadie viese ridículo alguno.

Otra cuestión distinta es qué les lleva a grabar un nuevo álbum. ¿Consideran estar a la altura de hace 30 años para continuar el legado de Bauhaus? Yo os diré que si la banda hubiese seguido unida desde entonces, en 2008 no harían este disco. Si su vuelta se debiese a la pasta, no harían este disco. Y si sus egos no fueran gigantescos no harían este disco.

Go Away White (Bauhaus Music, 2008) deberá reposar todavía para que podamos valorarlo, sin embargo suena a siglo XXI, sonando a Bauhaus, desequilibrado en la fuerza desde Too Much 21st Century, International Bullet Proof Talent, Adrenalin y sobre todo Endless Summer of the Damned; a otras piezas que en 2008 quieren sonar a 1981, cuando esas experimentaciones ya las habían realizado con éxito. Lo que demuestra es que entre tanta oscuridad eterna sigue primando la rítmica, la percusión tribal, el metrónomo y el kraut, y eso es una muy buena señal.


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Bauhaus : Bela Lugosi 's dead


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Bauhaus : Burning from the inside


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Bauhaus : In Fear of fear


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Bauhaus : In the flat field


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Bauhaus : Mask


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Bauhaus : Nightime


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Bauhaus : Press the eject and give me the tape


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Bauhaus : The sky 's gone out


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miércoles 9 de abril de 2008

sIGUR rOS : hVARF-HEim


Jón Þór Birgisson (Jónsi), Georg Hólm y Ágúst Ævar Gunnarsson formaron el grupo en Reykjavík, Islandia, en agosto de 1994. El nombre del grupo fue tomado de la hermana menor de Jónsi, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día. El grupo pronto ganó un contrato con la discográfica local, Bad Taste. En 1997, lanzaron Von (Esperanza) y en 1998 la colección de remezclas Von brigði (Vonbrigði significa en islandés "decepción", pero Von brigði significa "alteración de la esperanza"). En inglés, el álbum Von brigði es conocido usualmente por su nombre alternativo, "Recycle Bin", que significa Papelera de reciclaje.)

El reconocimiento internacional llegó en 1999 con el lanzamiento de Ágætis byrjun (Un buen comienzo), para lo cual el grupo integró a Kjartan Sveinsson.

En 2002, el anticipado álbum ( ) fue lanzado. Todas sus canciones fueron publicadas sin título, siendo posteriormente publicados sus nombres en el sitio web oficial. Todas las canciones son cantadas completamente en un lenguaje fonético improvisado llamado "vonlenska" (de von, 'esperanza' e íslenska, 'islandés'), creado por Jón Þór Birgisson, que integra sonidos del idioma islandés. La razón es que el oyente debe interpretar su propio significado de las letras, las cuales puede escribir en las páginas blancas que trae el libreto del álbum.

En octubre de 2003, Sigur Rós junto con Radiohead compusieron música para la pieza de danza de Merce Cunningham, llamada Split Sides; las tres canciones de Sigur Rós fueron llamadas Ba Ba/Ti Ki/Di Do y fueron lanzadas en marzo de 2004. En octubre de 2004, el primer álbum de 1997, Von fue puesto finalmente en venta en Estados Unidos y el Reino Unido. Su último álbum, Takk... (Gracias...), fue lanzado el 3 de septiembre de 2005, con la descarga legal de su primer sencillo, Glósóli, publicado el 15 de agosto. Para los fanáticos de norteamérica, Sæglópur fue puesta a disposición para su descarga el 16 de agosto. Hoppípolla, el segundo sencillo oficial de Takk..., fue lanzado el 28 de noviembre junto con una nueva remezcla de estudio de Hafssól, una canción que fue previamente lanzada por la banda en el primer álbum de 1997, Von. a finales del 2005 lanzaron el EP de Sæglópur, el cual incluye dos cd el primero con tres temas nuevos y el segundo con tres videos. El grupo también ha escrito el libreto del video musical Sæglópur, que fue dirigido por ellos.

Recientemente han publicado el último álbum de estudio "Hvarf-Heim" (2007).

Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes alrededor del mundo.


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Pizzicato 5 : mADE IN uSA


El grupo nació en 1984 de la mano de Konishi y Keitarō Takanami, Akira Kamonomiya, Mamiko Sasaki y Shigeo Miyata. Miyata dejó el grupo rápidamente, pero los demás se quedaron y conservaron el nombre Pizzicato Five. Su primer disco "Audrey Hepburn Complex" salió en 1985 gracias a la CBS Sony. En 1987 sacaron un disco, Couples, que no tuvo mucho éxito comercial y la compañía discográfica les dijo que tenían que cambiar a la cantante. Kamonomiya y Sasaki se salieron y Takao Tajima y la nueva vocalista sacaron Belissima! en 1988. Los dos álbumes posteriores On Her Majesty's Request (1989) y Soft Landing On The Moon (1990), que no tuvieron mucho éxito.


Años 1990 [editar]En 1991, Pizzicato Five firmó con Japan Columbia/Seven Gods (ahora Triad Records). Takao Tajima se unió a su banda Original Love" y Maki Nomiya se unió como la tercera vocalista y editaron This Year's Girl que contiene dos de sus canciones más famosas: "Twiggy Twiggy" y "Baby Love Child". En 1992, hubo un huevo cambio de dirección con Sweet Pizzicato Five y la banda empezó a hacerse archiconocida porque incluían sus canciones en anuncios y series de televisión, el single "Sweet Soul Revue", fue un hit en 1993 por Kanebo Cosmetic. En junio de ese año sacaron Bossa Nova 2001 producido por Cornelius, y que llegó al número siete de ventas el single 7pm in Tokyo (東京は夜の七時, tōkyō wa yoru no shichiji?) (más tarde conocido como The Night Is Still Young fuera de Japón) se convirtió en otro hit y se usó en el programa Ugo Ugo Lhuga.

A su debut en Estados Unidos con Five By Five (Matador Records) le siguió un disco recopilatorio de sus tres últimos álbumes en Japón que llegó a vender más de 200.000 en todo el mundo.

Poco después del lanzamiento de su siguiente álbum Overdose, Keitarō Takanami dejó la banda y se quedaron sólo Konishi y Nomiya. En febrero de 1995, esta pareja realizó una gira con 14 paradas por Europa y Norteamérica. En octubre de 1995, sacaron otra recopilación, The Sound of Music.

En 1996 sacaron Romantique 96 (con singles como Baby Portable Rock) y en 1997 con una nueva discográfica Happy End of the World, ambos a la vez en Japón y el resto del mundo.

En 1998, sacaron The International Playboy & Playgirl Record en Japón, renombrado un año después en el resto del mundo "Playboy & Playgirl". En 1999, el álbum homónimo, Pizzicato Five.


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martes 8 de abril de 2008

Nearly Gods : Nearly gods


Firmado como Nearly God, su segundo disco es igual de bueno que el anterior. En él, Tricky sólo hace cantar a Martina en seis temas y, aprovechando su nuevo poder de convocatoria, invita a grabar sus temas a cantantes como Neneh Cherry, Alison Moyet (corista de Culture Club) y Björk, con quien canta y compone un par de canciones, lo que le gana el clásico romance que mantiene Björk con sus productores de turno y la ira de Goldie, por entonces pareja de la pequeña islandesa. Más oscuro, lento y tranquilo que su antecesor, Nearly God es un disco laberíntico y profundo, en el que Tricky vuelve a demostrar su destreza para utilizar al máximo las posibilidades del estudio de grabación.
01 Tattoo
02 Poems
03 Together now
04 Keep your mouth shut
05 I be the prophet
06 Make a change
07 Black coffee
08 Bubbles
09 I sing for you
10 Yoga
11 Judas
12 Children'story
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Tindersticks : Trouble Every day


El grupo nació en 1991 depués de la disolución de la banda Asphalt Ribbons, de la que formaban parte Staples, Boulter y Hinchcliffe. Al año siguiente comenzaron a grabar algunas maquetas y firmaron su primer contrato discográfico con la compañía Tippy Toe Records, donde editaron su primer single titulado Patchwork.

Sus dos primeros álbumes editados bajo los títulos de Tindersticks I (1993) y Tindersticks II (1995) eran ya una muestra de su característico sonido y ambos recibieron una espléndida acogida por parte de la crítica especializada. Durante esta época sus directos a menudo estaban apoyados por una sección de cuerda y en ocasiones por una orquesta completa, como se puede comprobar en el disco grabado en vivo The Bloomsbury Theatre 12.3.95. Con su tercer disco, Curtains (1997), no cumplieron las expectativas puestas en ellos tras sus dos primeros álbumes, la mayoría de los temas no alcanzaban la calidad anterior, siendo muy significativa su canción Ballad of Tindesticks, que exponía las presiones a las que están sometidos durante las giras.

Su cuarto álbum, llamado acertadamente Simple Pleasure (1999) fue una colección de canciones rápidas y directas inspiradas en la música soul. Los coros femeninos en muchas de las canciones del disco y la respetuosa versión del tema If You're Looking For A Way Out, del grupo de música disco Oddissey, mostraban la intención de la banda de moverse hacia terrenos más ligeros. A pesar de esta apariencia de sencillez, la información que del libreto del disco acerca del número de tomas que se necesitaron para grabar cada tema, evidenciaban que el grupo seguía siendo escrupulosamente cuidadoso en la grabación de sus canciones.

El siguiente disco Can Our Love... (2001) siguió el camino hacia el soul iniciado por su predecesor, especialmente notorio en la balada Sweet Release y en la referencia al grupo de soul Chi-Lites en el título de Chilitetime.

Para su sexto álbum, titulado Waiting For The Moon (2003) se decantaron por un sonido más desnudo e introspectivo, especialmente en Sometimes it Hurts y en 4:48 Psychosis, canción basada en la obra teatral del mismo título de la autora británica Sarah Kane. El tema Just a Dog fue el único que aligeró el tono serio y melancólico del álbum.

En 2005 Stuart A. Staples emprendió su carrera en solitario, que dio pie a rumores acerca de la disolución del grupo. Staples ha editado hasta la fecha dos álbumes, Lucky Dog Recordings 03-04 (2005), con canciones que el cantante había grabado durante los dos años anteriores, y Leaving Songs (2006). El título de este último disco, las declaraciones de Staples y las notas de su libreto indican que actualmente Tindersticks pueden estar cerca de su separación:


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This Mortal Coil : Songs to the siren EP


Hay un grupo olvidado en los trasfondos de la década (prodigiosa) de los ochenta que ha elaborado discos de una magnitud tal que no tienen nada que envidiarle a un "The Wall" de Pink Floyd, "Serpents Egg" de Dead Can Dance, "A Deeper Kind of Slumber" de Tiamat o Disintegration de The Cure en cuanto a álbumes-concepto se refiere. Ese grupo se llama This Mortal Coil (TMC) y puede ser visto como un breve pero hermoso hálito musical venido de otro mundo, de uno más puro quizás, o más oscuro, pero eso sí: ajeno al que conocemos.

Con tan sólo tres álbumes en su discografía, este nombre refiere en realidad a un dream team de la vanguardia post-punk nor-europea en lugar de un conjunto fijo de músicos. En realidad, lo que unifica a TMC es únicamente el concepto o, más aún, el aura de la estética que baña esta maravillosa aventura musical. En resumidas cuentas podemos decir que TMC es el experimento de un productor llamado Ivo Watts Russell, presidente y co-fundador de la (no tan) famosa compañía de discos 4AD. La propuesta de esta institución se caracteriza por una búsqueda de lirismo, poesía y densidad simbólica que aparecían escasos en el movimiento punk y post-punk tan en boga allá por inicios de los ochenta. Grupos como Dead Can Dance o Cocteau Twins son paradigmas de esta derivación introduciendo sonidos angelicales, exóticos y esotéricos, no ya como acompañamiento ambiental (o de transición), sino como contenido principal de la propuesta musical. TMC lleva esta experimentación al extremo y en total libertad creativa: Watts Russell se encarga de combinar a los músicos de su sello naciente para crear discos concepto con las más altas exigencias musicales y no así comerciales. Así, en 1984 aparece en las disqueras underground "It will end in tears”, en 1986 “Filigree and shadow” y en 1990 “Blood”. Decir si el primero o el segundo de los álbumes mentados es el “mejor” de TMC es a patear oxigeno, lo indudable es que “Blood”, a pesar de tener grandes momentos, es inferior a los dos anteriores. La discografía contiene participaciones de miembros de grandes grupos de la corriente como ser Cocteau Twins, Dead Can Dance, Cindytalk, English Speaking y Dif Juz (entre otros).

¿Qué es lo que tiene de especial este curioso proyecto? Quizás se puede resumir la respuesta con este oxímoron: la belleza de la melancolía o la melancolía de la belleza. Sí, estos dos elementos en apariencia opuestos están incondicionalmente ligados en las notas espectrales que infunde, no sin generar escalofríos, este grupo de músicos tocados, sin duda, por la más mágica de las varitas conocida como inspiración. TMC representa la persistencia del espíritu romántico, trascendiendo épocas y estéticas (en referencia al movimiento artístico puntual del siglo XIX conocido como romanticismo), jamás mejor encarnado que por el joven Werther, paradigmático héroe romántico goethiano. ¿En qué aspecto se puede leer en la propuesta musical de TMC vestigios de aquel gran movimiento del siglo XIX? El romanticismo es, ante todo, un manifiesto de nostalgia que había de nacer con la fría racionalización y objetivación del mundo que implica la revolución industrial y la ilustración. Sí, nostalgia es la palabra clave: nostalgia de la comunidad, de la naturaleza y la animalidad, nostalgia de la niñez, de la acción afectiva y del misterio de la muerte antes de la esclerótica visión “iluminada” del pensamiento científico. Lo interesante y desafiante de este movimiento es que prefiere sufrir la melancolía del paraíso perdido pre-moderno antes de buscar su reestablecimiento, como sospechando que ese “lugar” nunca existió en los hechos objetivos sino en un mundo ideal, estético, poseedor de una belleza impalpable en nuestra baja realidad. La manera de aproximarse a esa realidad es a través de la exaltación de los sentimientos, de la nostalgia que en los casos extremos deviene melancolía. El héroe romántico transita y explora los estados emocionales, desde la algarabía loca de vivir hasta las ganas implacables de morir, transfigurándolos en símbolos bellos, el héroe romántico figura la belleza y la inocencia perdidas para siempre ¿A caso esta tarea es posible sin entrar en un estado de profunda tristeza? El ser de un espíritu romántico está preso en un constante dilema entre la nostálgica evasión en el colorido y apaciguante mundo imaginal (al que se llega por vía de la inspiración) y la opaca existencia en un mundo de máquinas humanas y humanos maquinizados. Y si mencionamos la evasión como concepto clave del romanticismo, hay una que es mayor que todas las otras y esta es la muerte; este monstruo despiadado, temido y expulsado por la ideología moderna se transfigura ante los ojos de estos artistas y se convierte en benigno, maternal: en el romanticismo la muerte deviene una añoranza: he ahí el gusto por los paisajes lúgubres, por los edificios en ruina o los ambientes nocturnos
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The Magnetic Fields: Distorsion


The Magnetic Fields es una banda estadounidense de la ciudad de Nueva York encabezada por el compositor y cantante Stephin Merritt. Los álbumes lanzados por Merritt bajo el nombre de The Magnetic Fields se les puede definir como un Synth Pop con reminiscencias ochentenas y bonitas letras, comúnmente sobre amor, a veces irónicas, a veces tristes, otras más festivas. Mientras que en los álbumes The Wayward Bus y Distant Plastic Trees predomina la voz de Susan Anway, en el resto de los álbumes los temas son cantados principalmente por el propio Merritt.

La banda comienza como un proyecto de estudio Merritt, con Merritt tocando todos los instrumentos. Con la ayuda de su amiga Claudia Gonson, quien participo junto con Merritt en la banda The Zinnias durante la escuela, juntaron la banda en Boston que era donde Merritt y Gonson vivían para tocar las composiciones de Merritt. La primera presentación en vivo fue en el "TT the Bear’s Place" en Boston en 1991, donde tocaron para una escasa audiencia que esperaba ver a Galaxie 500. La presentación no sonó como en las grabaciones, que tenían un sonido más representativo de lo que la banda era, pero con el tiempo ambos sonidos han llegado a converger.

Su álbum más aclamado y popular hasta la fecha es el álbum triple 69 Love Songs. En él Merritt exhibe su habilidad como compositor en unos poco ortodoxos arreglos musicales (que incluye instrumentos como el ukelele, banjo, acordeón, violonchelo, mandolina, piano, flauta, xilófono, y varios instrumentos de percusión, además de los usuales sintetizadores, guitarras y efectos). El álbum también incluye a los vocalistas invitados Shirley Simms, Dudley Klute, LD Beghtol y la integrante Claudia Gonson— cada uno de estos canta en seis canciones y en los coros de otros temas— además Daniel Handler (alias Lemony Snicket) en el acordeón, y el colaborador habitual Christopher Ewen (de Future Bible Heros) como invitado en los arreglos.

El álbum i continua con el interés de Merritt por los álbumes conceptuales, con cada uno

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Slowdive: Souvlaki


Pieza fundamental de ese puzzle que fue la avanzadilla shoegazer y nombre no menos indispensable de la factoría Creation durante sus años dorados, Slowdive recuperaron las enseñanzas de Cocteau Twins y My Bloody Valentine para dotar al dream pop, al pop ambiental, de nuevos aires. Sin abrazar la oscuridad de Cranes, Slowdive dibujaron paisajes en los que crudeza, oscuridad y belleza se abrazaban con una gélida calidez casi mística (su relectura del “Golden Hair” de Syd Barrett continúa helando la sangre) y que, efectuada ya la valoración de la que antes les hablaba, merecen ser recuperados para el disfrute de las nuevas generaciones. Sus lamentos en forma de composición musical continúan encandilando hoy como ayer, lo evidencia este “Catch The Breeze” que repasa lo mejor de sus Ep´s y álbumes (con las indispensables “Alison”, “Blue Skied An´ Clear” y “Sing” –resultado de su colaboración con el mismísimo Brian Eno- entre las piezas seleccionadas), con apenas ausencias que subrayar.

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Red House Painters: Songs for a blue guitar


Con tan sólo seis canciones, 4AD puso en circulación el maduro debut de Red House Painters, Down Colourful Hill (1992). Muchos de los temas eran las maquetas que el grupo había enviado al controvertido sello británico, pero en ellas se dejaban ver claramente los rasgos de una banda minimalista, hecha a fuego lento (una canción sobrepasaba los 10 minutos, otra llegaba hasta los 9, sólo Japanese To English bajaba por poco de los 5) y emocionante, aunque sólo a ratos. Para escuchar las penurias adolescentes de Kozelek (enganchado a la droga con tan sólo 10 años), prefiero Down Colorfoul Hill (la canción) a Medicine Bottle, a pesar de que ésta se ha llevado la fama. Menos cubiertos de nostalgia y más de miserabilismo, a los primeros Red House Painters les puede su afán por epatar.

En 1993, Red House Painters acometen un proyecto salvaje: editar dos discos con 21 canciones, sin más título que el nombre del disco. La primera parte de esta aventura casi suicida es conocida como Rollercoaster y el oyente con fibra sensible no puede hacer otra cosa que arrodillarse. Durante una hora y cuarto, que comienza con la luminosa Grace Cathedral Park, Kozelek compone el puñado de canciones semiacústicas más conmovedoras de toda la década de los 90. Entregado a una nostalgia por los tiempos perdidos, por la infancia no recuperable y por las mujeres que le maltratan o a las que he maltratado (impecable esa frase que dice: “tendremos una casa en la costa que alivie mi alma, se llevará la violencia que corre por mi sangre y calmará todo el dolor que te he causado”), el norteamericano crea un hermoso fresco del modo en que nos convertimos en adultos. Las dos versiones de Mistress (¡cuánto se le parece la planetera “corrientes circulares en el tiempo” a la primera de ellas!) demuestran, ahora sí, la versatilidad de un grupo de pop en estado comatoso (Impresionante Katy Song: “¿A qué aspira mi vida sin ti?”) o casi muerto (Funhouse revive al final, gracias a una inyección de adrenalina eléctrica). En esta ocasión, las canciones largas acaban en un suspiro (y eso que Mother dura más de 13 minutos), los arreglos son parcos pero acertados (las guitarras en segundo plano de la canción titular realmente parecen una montaña rusa) y la mayoría de las frases sonpara el recuerdo. Algunas muestras:

there’s my favorite rollercoaster / next to the blue water / the one only sissies ride, / there’s the sun / going down / creating that florescent glow, / reminding me i’ll never be able / to relive this day /except in memory

it’s the forbidden moment that we live / that fires our sad escape / and holds passion / more that words can say

Frases que solas dicen poco o casi nada, pero en el contexto de pérdida sentimental tejido por Red House Painters son todo un mazazo. Eso es la música y ésta, un golpe de genio indiscutible.

El segundo disco de 1993, conocido como Bridge, soporta la comparación con su coetáneo, quizás por us mayor variedad. Más corto en duración, también un poco menos intenso, aún posee canciones de mención. Bubble reincide en el folk-pop emocionante de Grace Catehdral Park; la versión de I Am A Rock, de Simon & Garfunkel, aporta una subida de ritmo necesaria; y la toma eléctrica de New Jersey no desmerece para nada a su hermana acústica. Blindfold muestra a Red House Painters abducidos por el dolor de Slint, mientras que la reconstrucción en clave lenta del himno americano demuestra que no son sólo un grupo apesadumbrado.

Con Ocean Beach (1995), Kozelek abre definitivamente su mundo a nuevos aires. Los Beach Boys de Surf´s Up (el disco) están presentes en el instrumental de apertura, el hermoso Cabezón.;Summer Dress son casi tres minutos de dolor grunge con un sólo guitarra; San Geronimo emociona por su adecuada mezcla: es sorprendente como todo casa y la electricidad no se come al resto de instrumentos; Over My Head desemboca en un mar de free jazz… Que nadie se asuste, porque este disco es como la Real Academia de Red House Painter: limpia (Shadows es el pedazo de diamante más puro que Kozelek extaerá jamás del piano), fija (Red Carpet puede servir para definir “a qué sonaban los RHP”) y da esplendor (cierra Drop, las mejores lágrimas enamoradas de los años 90).

Los grupos minimalistas o lentos tienen el mismo problema que los grupos de hardcore: a muchos se les agotan enseguida los recursos y tienden a perpetuarse en sus propias y consabidas armas. Para RHP (ya Kozelek en solitario con acompañantes ocasionales) el peligro era repetir en su quinto disco lo ya de sobras conocido. Expulsado de malas maneras por su antiguo sello (4AD), al que no le gustó el resultado de este Songs For a Blue Guitar, el líder de la banda acabó editando este disco tradicionalista, que recorre todos los senderos que van del folk (personificado en Nick Drake) al country. Comienza además la fiebre de las versiones imposibles: McCartney, The Cars y ¡Yes! (alucinante ver a los reyes progresivos hechos apasionantes trizas).

Old Ramon (2001), como su anterior entrega, también tuvo que esperar años para ser edcitado por problemas discográficos y srivió como despedida de Kozelek del nombre que le dio la fama. Curiosamente, éste disco es el más optimista de todos los editados por el ¿cantautor? A pesar de que no llega a la altura de obras anteriores (cosas como River bordean el aburrimiento), la extensa paleta de colores le hace aún merecedor de varias escuchas. Por haber, hay hasta un par de canciones pura y alegremente poppie-grunges (Between Days, Byrd Joel). Y, para los que os gusten los gatos, nada va a describirlos mejor que “Wop a Din-Din”.

Tras este final, Kozelek se disolvió a sí mismo y formó Sun Kil Moon, grupo con el que ha sacado dos discos. Completan su discografía varias incursiones en solitario. Pero ésa es otra (parte de la misma) historia.


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domingo 6 de abril de 2008

Pixies : Live at the BBC



Biografia
Tomaron su nombre artístico al azar de entre las páginas de un diccionario y, sin duda alguna, han sido el grupo americano más influyente de los años 80, dado que su éxito sirvió para que la pericia musical pasara a mejor vida y que cualquier muchacho con ideas y atrevimiento pudiese montar su propio grupo, subirse al escenario, grabar su música y, sobre todo, triunfar. En una palabra, los Pixies son los Santos Pontífices del movimiento indie. Seguramente, sin ellos, Nirvana no hubieran existido.
El grupo fue creado en 1986 por Charles Thompson y Joey Santiago estudiantes de la Universidad de Boston. A través de anuncios reclutaron a la bajista Kim Deal que, por su parte, les recomendó a David Lovering. Charles adoptó el nombre artístico de Black Francis y Kim el de Mrs. John Murphey (que posteriormente abandonaría). Una maqueta del cuarteto, "The Purple Tape" (editada en 2002 bajo el título de "Pixies), llegó a las manos de Ivo Watts que les contrató para su sello 4AD. Su originalidad y su actitud les valieron la aclamación de los ambientes alternativos, primero europeos y posteriormente estadounidenses. Quizá no fuera un grupo de virtuosos, pero su sonido era inconfundible y sus letras resultaban tan atractivas como enigmáticas. Su música, plagada de estribillos juguetones, se convirtió poco a poco en éxito a pesar de sus dificultades para obtener el apoyo de las radios comerciales y de la MTV. En 1992, recorrieron los Estados Unidos en olor de multitudes como teloneros de U2 en su Zoo TV.
Dentro del grupo, sin embargo, las cosas no funcionaban como debían. Kim estaba frustrada porque Francis se negaba a permitirle componer para el grupo y cada vez aparecían menos canciones suyas en los discos. En varias ocasiones, los Pixies se tomaron largos períodos sabáticos y finalmente, Francis comunicó a sus compañeros a través de un fax que había disuelto el grupo. Era 1993, un año todavía llorado por los fans de grupo.
Mientras Frank Black y Kim Deal siguieron carreras en solitario (el primero bajo su propio nombre y Kim con las bandas The Breeders y The Amps), los demás componentes han estado casi totalmente apartados de la música hasta ahora.
Pasados los años y superadas las tensiones, los Pixies se han vuelto a poner en marcha, y, por lo visto, están en plena forma. La excitación causada en la escena independiente por la noticia ha sido enorme.

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oDD Nosdam : Level Live Wires


1 On 0:57
2 Kill Tone 5:10
3 We Dead 1:20
4 Freakout 3 4:04
5 Fat Hooks 5:46
6 Blast 1:49
7 The Kill Tone Two 4:54
8 Burner 5:49
9 Up in Flames 4:53
10 Slight Return 1:57
11 Off


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David Bowi : Christine F



Sinópsis:
Christine es una joven que pertenece a una familia con problemas que se ve sumergida en el mundo de la droga. Tras entrar en la marginalidad. Christine decide probar la heroína. Es entonces cuando la joven comienza a conocer el auténtico infierno.




Reparto:
Thomas Haustein
Nadja Brunkhorst
Jens Kuphal
Rainer Woelk
Jan Georg Effler
Christiane Reichelt
Daniela Jaeger
Kerstin Richter
David Bowie
Catherine Schabeck
Bernhard Janson
Uwe Diderich
Peggy Russiek
Ellen Esser
Andreas Fuhrmann
Eberhard Auriga
Lutz Hemmerling
Christiane Lechle
Lothar Chamski
Kerstin Malessa
Stanislaus Solotar


Montaje:
Justus Pankan
Juergen Juerges


Dirección:
Ulrich Edel


Guión:
Herman Weigel
Horst Rieck
Kai Hermann


Música:
Juergen Knieper






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Traingulo de Amor Bizarro: p.2007



1. ¿Quiénes sois TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO? ¿De dónde habéis salido? ¿Qué toca cada uno en el grupo? ¿Cuánto tiempo lleváis?
TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO es una banda formada en A Coruña hace tres años más o menos, unidos por unos gustos similares. Somos:
Rodrigo Caamaño: Voz, Guitarra, Sintetizadores.
Isabel Cea: Voz, Bajo, Sintetizadores.
Julián Muñoz: Batería y Percusiones.
Antón Vázquez: Guitarra y Sintetizadores.
Miguel Prado: Guitarra, Sintetizadores, Theremin y Percusiones.

2. ¿Habéis estado antes en otros grupos?
Antón, antes de estar en T.A.B había militado en otras bandas, entre ellas MUDO, un grupo dirigido hacia el post rock; y Miguel también había estado en alguna banda de garage tipo STOOGES en sus comienzos y a día de hoy continúa en TRIQUINOISE (orientados más hacia la experimentación).

3. ¿Cómo ha sido el fichaje por Mushroom Pillow?
Teníamos pensado contratar el bufete de abogados de O. J. Simpson pero no lo necesitamos, fue muy sencillo y enriquecedor para nosotros.

4. ¿Cuáles son vuestros grupos favoritos de Mushroom Pillow?
THE RAVEONETTES y THE GO-BETWEENS.

5. ¿CHUCHO o MERCROMINA?
VACACIONES.

6. ¿PARÁLISIS PERMANENTE O DERRIBOS ARIAS?
DERRIBOS ARIAS.

7. ¿Qué grupos influyen en vuestra música?
EINSTÜRZENDE NEUBATEN y ANGELO BADALAMENTI.

8. ¿Los 80 o los tiempos actuales?
1400 cuando España era un Imperio.

9. ¿Cuáles son vuestros proyectos para el 2006?
Conseguir la bipedación completa y editar un buen disco de debut con Mushroom Pillow.


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Cocteau Twins: Heaven or Las vegas


Cocteau Twins es una banda de rock, originaria de Grangemouth, Escocia, que estuvo en activo durante las dos últimas décadas del siglo XX (1982-1996). Derivada de la música punk y New Wave, se inscriben dentro de la llamada Dark Wave, más específicamente fueron los creadores y los líderes del género conocido como Dream Pop. Su sonido único (causado en parte por las innovadoras texturas del guitarrista Robin Guthrie y la voz y la técnica única sin apenas precedentes de Elizabeth Fraser) hizo que fueran una de las bandas más originales de su época.



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