Nick Cave & Bad Seeds : Kicking against the pricks

Músico, escritor y actor australiano, Nicholas Edward Cave nació el 22 de septiembre de 1957 en Warracknabeal, Australia. Su fama se debe, en mayor parte, a su banda "Nick Cave & The Bad Seeds". Con una larga andadura que comenzó a principios de los años setenta, su música se caracteriza por un tono de desolación oscuro y siniestro. A pesar de que muchos grupos musicales producen música etiquetable del mismo modo, el sonido de Nick Cave evita los recursos habituales del género, como música "fantasmagórica" afectada o distorsiones digitales. Con una importante base de guitarras eléctricas (y piano en los últimos álbumes de The Bad Seeds) y unas letras cuidadas en extremo, Nick Cave puede agruparse con grupos y cantautores como Tom Waits, PJ Harvey, Leonard Cohen, Shane MacGowan, entre otros, todos ellos seguidores de una estética bohemia y urbana, pero a la vez altamente espiritual y humana.

La alineación de la banda a través del tiempo [editar]Mayo de 1984–september de 1984: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Barry Adamson y Hugo Race.
Octubre de 1984–marzo de 1985: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld y Barry Adamson.
Junio de 1985–julio de 1986: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Barry Adamson y Thomas Wydler.
Julio de 1986–septiembre de 1986: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld y Thomas Wydler.
Septiembre de 1986–septiembre de 1989: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Kid Congo Powers, Roland Wolf y Thomas Wydler.
Octubre de 1989–mayo de 1990: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Kid Congo Powers y Thomas Wydler.
Mayo de 1992–abril de 1994: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Conway Savage, Martyn P. Casey y Thomas Wydler.
Febrero de 1996–septiembre de 2001: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Conway Savage, Warren Ellis, Martyn P. Casey, Thomas Wydler y Jim Sclavunos.
Febrero de 2003–marzo de 2003: Nick Cave, Mick Harvey, Blixa Bargeld, Warren Ellis, Martyn P. Casey, Thomas Wydler, Conway Savage y Jim Sclavunos.
Abril de 2003—: Nick Cave, Mick Harvey, Warren Ellis, Martyn P. Casey, Thomas Wydler, Conway Savage, Jim Sclavunos y James Johnston.

Nacionalidad de las "malas semillas" [editar]Nick Cave, el líder de la banda se mudó de Melbourne a Londres en 1980. Desde que formó The Bad Seeds en 1984 ha vivido en Berlín, São Paulo, Londres y Brighton, Inglaterra. Los miembros internacionales de la agrupación se encuentran para grabar y para actuar en giras. Las nacionalidades de los miembros actuales y previos de The Bad Seeds son:

Australianos: Nick Cave, Mick Harvey, Hugo Race, Martyn P. Casey, Conway Savage, y Warren Ellis
Británicos: Barry Adamson y James Johnston
Alemanes: Blixa Bargeld y Roland Wolf
Suizo: Thomas Wydler
Estadounidenses: Kid Congo Powers y Jim Sclavunos


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Nick Cave : He put a spell on you

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REM: Fables of reconstruction

R.E.M. es una influyente banda estadounidense surgida en 1980 en el Estado de Georgia, EE.UU., pionera del denominado rock alternativo e inspiración de bandas de desarrollo posterior.

En la década de los 70, plena era punk, un estudiante de arte llamado Michael Stipe conoce a un coleccionista de LP´s de los años 60 llamado Peter Buck. Ambos se unen a dos músicos experimentados, Mike Mills y Bill Berry, y comienzan a tocar en pubs locales en la ciudad de Athens. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, "Chronic Town", con la discográfica I.R.S. Records. Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país.

A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcados como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo, lanzaron los álbums más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. Monster, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias medicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.. A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas criticas y exitos comeriales. En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.



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Stones Roses : 1989

Grupo británico que representa a ese subgénero del indie denominado como Madchester, que en sí es la mezcla del rock con elementos del dance. A finales de los 80 mientras los americanos purgaban sus pecados con la estética grunge, los jóvenes ingleses bailaban. Este álbum es el debut y el clímax de los Stones Roses, ya que no pudieron volver a presentar un producto de tal calidad. El álbum es dinamita pura con quiebres rítmicos atrevidos y con una instrumentalización magnífica.
Todos los temas son grandiosos y tienden a la unidad con intros y endings que hacen que uno se olvide de que esta escuchando un solo álbum. She bangs the Drums y la dupla Waterfall - Don't Stop nos introducen al tema indie dance, luego puedes bailar solo en tu habitación (no es que lo haya hecho) mientras suenan Bye Bye Badman y Made of Stone, para luego acabar con el frenesí dancístico con Shoot You Down y This is the One.

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mc_solaar : cinqui me as fifth ace

MC (maestro de ceremonias) Solaar, de su verdadero nombre, Claude M' Barali, nació de padres chadianos en Dakar el 5 de marzo de 1969 Su familia se instala en suburbio parisiense mientras que no tiene aún un año. Después del recipiente en 1988, estudia las cartas y el derecho. En paralelo, registra, en un estudio improvisado, un casete demo de tres títulos que convence la etiqueta Polydor invertir sobre este joven rappeur. En 1990, MC Solaar sacan su primer individual "Panza de allí". El año siguiente la salida de su primer álbum "Que siiembra el Viento recoge el Tempo" lo propulsa en la cumbre ya que, contrariamente a sus colegas rappeurs más bien violentos, Claudio MC propone una escritura elaborada, sobre grooves sensuels, nunca frenéticos. Para este álbum, Solaar recibe una victoria de la música. Su segundo álbum, "Prosa Combate", sale en 1994.
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PJ Harvey : Rid of me

En la explosión de bandas de rock alternativas a principio de la década de los 90, existieron muchas figuras femeninas, cantantes y compositoras, que alcanzaron gran notoriedad. Entre ellas se encontraba PJ (Polly Jean) Harvey, con su rock crudo, directo y visceral. Con sus primeros álbumes demostró ser una de las más influyentes compositoras de canciones de la década noventera, con letras que exploran temáticas como el sexo, el amor, la religión, el humor negro y la sensibilidad en la femeneidad.

Polly Jean se crió en una granja en Yeovil, Inglaterra y a muy temprana edad aprendió a tocar el saxo y la guitarra. En la adolescencia participó en varias agrupaciones hasta 1991, año en que formó su propio grupo, P.J. Harvey, junto al bajista Steve Vaughn y el baterista Robert Ellis. Al poco tiempo, consiguieron un contrato con el sello independiente Too Pure, grabando el single ‘Dress’. El tema obtuvo una buena respuesta dentro del rock indie local y el segundo sencillo, ‘Sheela-Na-Gig’, recibió excelentes críticas de la prensa musical inglesa. Además, PJ, con su actitud agresiva a lo "femme fatale", cambió el concepto tradicional del erotismo femenino delicado y suave.

En 1992, por fin lanzaron su elepé debut, “Dry”, que fue distribuido en Estados Unidos por Island Records. Después de una larga gira, que culminó con su aparición en el Reading Festival, P.J.Harvey se movió a Londres para grabar su segundo disco con el productor Steve Albini (Pixies, Breeders). El nuevo trabajo salió en 1993 con el nombre de “Rid of Me”, con un sonido cercano al noise y al punk en las guitarras, dentro de un rock potente y escrito con mucha furia. “Rid of Me” fue el mayor suceso de críticas, convirtiendo a la banda en una de culto. En el tour ella se vestía con un largo vestido de piel, desarrollando un impactante despliegue teatral. A final de año, publicaron una colección de los demos, “4-Track Demos”, versiones originales de las canciones de la placa anterior.

Después de la gira, Ellis y Vaughn se van de la banda y ella graba su tercer álbum como artista solista, reclutando al productor Flood, al bajista Mick Harvey y los guitarristas John Parish y Joe Gore. La cantante desarrolló un sonido más bluesero con esta banda más grande, lo que resultó en el nuevo disco de 1995, “To Bring You My Love”. El elepé, que fue consignado como una pieza maestra por algunos críticos, tuvo una considerable atención de la prensa y un fuerte apoyo en MTV y en las radios rockeras, con el single, ‘Down By The Water’. El resultado global de este magnífico álbum es algo vital, se acababan los tiempos de una sexualidad tan descarnada y aunque el plano feminista seguía vigente, ahora era tratado con más madurez. A pesar de esto, el elepé fue un hit moderado, llegando al número 40 de los charts norteamericanos. Harvey pasó todo el año 95 en la gira soporte. Durante 1996, estuvo relativamente inactiva, sólo grabando un tema a dúo con Nick Cave en el disco “Murder Ballads” de este último y cantando junto a su socio John Parish en “Dance Hall at Louse Point”. En 1998, Polly Jean volvió a la carga con el álbum, “Is This Desire?”.

“Stories from the City, Stories from the Sea”(2000) fue su vuelta al ruedo musical, con una propuesta con sonidos más "limpios" que en sus inicios, y en una veta más comercial rozando varias veces con el pop, pero nunca dejando de lado la actitud "agresiva" de sus inicios. Prueba de ello son temas como "Big Exit", "This is love" o el sencillo “Good Fortune”, el cual se transformó en uno de los mejores interpretados por Polly Jean. En esta producción la cantautora se toma el gusto de hacer un dueto con el líder de Radiohead, Thom Yorke, en el tema “This Mess We´re in”.

En el 2002 colabora con el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme en las Desert Sessions volume 9&10.

En el 2004 lanza su séptimo disco, que lleva el nombre de "Uh Huh Her”, y que incluye temas bastante íntimos, intensos y apasionados. Este disco sirvió para que PJ por fin pisara tierras sudamericanas dando conciertos de gran calidad y despliegue como ha sido en general la vida artística de Polly Jean Harvey.

En mayo de 2006 aparece en el mercado un registro audiovisual titulado "On Tour - Please Leave Quietly", que muestra partes de lo que fue el último tour mundial realizado en el 2004. También trae comentarios de la misma cantante entre cada tema y una entrevista extra que aborda aspectos de su carrera y los detalles sobre su último disco. En este mismo mes volvió de nuevo a los escenarios (después de un 2005 sin concierto alguno) en un festival de Gales denominado "Electric Picnic" e hizo presagiar lo que podría ser su próximo trabajo con temas inéditos como “The Mountain”, “Bitter Little Bird” y “Ceiling”.

El 23 de octubre de 2006 se editaron las sesiones que Polly Jean grabó entre 1992 y 2004 para el espacio del dj británico John Peel. Se trata de una colección de doce temas que abarcan desde el debut de Harvey en 1992 con "Dry" hasta su séptimo lp en 2004, "Uh Huh Her". Once pertenecen a sesiones con John Peel y uno, "You Come Through", al homenaje que se le tributó en diciembre de 2004.

En noviembre de 2006 vuelve al trabajo de estudio con dos de sus más clásicos colaboradores; Flood y John Parish compartirán espacio en la sala de control. En declaraciones a un medio televisivo americano, Pj Harvey advertía de que serán instrumentos como el piano, el harpa o el autoharp los que dominen la atmósfera de las nuevas canciones. “Las puertas han sido abiertas; ya nunca más habrá limites”, ha dicho.

En julio de 2007 se da a conocer el nombre del nuevo disco; "White Chalk".


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Coil : Live¡¡

Y para continuar , un doble CD que incluye nada menos que la memorable actuación que hicieron en Barcelona en el Festival Sonar del 2000 y otra anterior del mismo año en Royal Festival Hall. Para quienes ignoraban la conexión de Coil con la psicodelia electrónica alemana de los setenta. También disponibles LIVE THREE y LIVE FOUR

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nEW oRDER : bRotherhood

En 1981 editan su primer trabajo discográfico bajo el nombre de New Order, titulado Movement. Después de muchos trabajos lanzan su canción más representativa, Blue Monday que se convierte en un gran éxito mundial. En 1989 lanzan uno de sus mejores discos, titulado Technique, donde encuentran un sonido tecno con una ligera mezcla del new wave y es considerado junto al Happiness de The Beloved el disco que marca el cambio de la música de baile enfocada al hedonismo a la música de baile enfocada a la introspección.

En 1993, New Order publica Republic, escrito y producido junto a Stephen Hague y considerado por muchos el disco más accesible de la banda. Poco después, los integrantes de New Order se separarían para perseguir proyectos en solitario: Bernard Sumner junto a Johnny Marr de The Smiths formó Electronic, que fue el grupo surgido de New Order con más éxito comercial, publicando tres discos y colaborando con Pet Shop Boys y Karl Bartos de Kraftwerk. Peter Hook formó Revenge, que se disolvió tras un disco y un par de EPs, para luego formar Monaco junto a David Potts, publicando dos discos. Los dos miembros restantes de New Order, Stephen Morris y Gillian Gilbert formarían el grupo apropiadamente llamado The Other Two (Los otros dos), publicando a su vez dos discos.

Este paréntesis terminaría cuando New Order se reunió para tocar en el Festival de Reading de 1998, volviendo al estudio poco después para grabar Get Ready en el 2001. En año 2005, lanzan su más reciente trabajo (ya sin Gillian Gilbert y con la inclusión de Phil Cunningham) titulado Waiting for the siren's call.


Discografía [editar]
Álbumes [editar]Movement, 1981.
Power, Corruption & Lies, 1983.
Low-Life, 1985.
Brotherhood, 1986.
Substance 1987, 1987.
Technique, 1989.
Republic, 1993.
Get Ready, 2001.
Waiting for the Sirens' Call, 2005.

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Bowery Electric : Beat

Este es el segundo álbum de Bowery Electric, dúo neoyorkino formado por el guitarrista Lawrence Chandler (discípulo de La Monte Young) y la vocalista y bajista Martha Schwendener. "Beat", editado en 1996, esta estructurado en base a una muy interesante alquimia de trip-hop, música electrónica y dream pop. El clima creado remite a atmósfera y a melancolía creando un deliberado efecto hipnótico. Las influencias son claras: My Bloody Valentine, Slowdive y Brian Eno, en dosis justas, a los que el dúo homenajea regalándonos un sonido personal y distintivo.

CLASICO¡¡¡¡

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Radiohead : The bends

Entre las primeras influencias de Radiohead, se encontraban bandas de rock alternativo y post-punk como The Smiths, Pixies, R.E.M., Joy Division y Magazine. Con los álbumes Kid A (2000) y Amnesiac (2001) la música de la banda tomó un rumbo menos convencional, con influencias de música electrónica (tales como Aphex Twin), el jazz, la música experimental, la música avant-garde y la música clásica. Hail to the Thief es editado en 2003. Aunque álbumes como Kid A y Amnesiac han sido materia de discusión entre los seguidores, Radiohead es considerado uno de los grupos musicales más creativos de su era,[2] atrayendo a múltiples seguidores a sus conciertos e influyendo a grupos y artistas de varios géneros. Radiohead ha tenido un sorpresivo éxito comercial, pero la banda se ha destacado por mantener independencia política y musical,[3] pese a trabajar para EMI, uno de los más grandes sellos discográficos. La banda se encuentra actualmente sin discográfica y acaba de lanzar de forma independiente y sin intermediarios su séptimo álbum de estudio, In Rainbows. Además de en formato físico (CD y vinilo), el disco estuvo disponible durante un tiempo en descarga en formato digital desde la página web de In Rainbows al precio que decidía el comprador (incluso gratuitamente).



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the Cure : Galore

en 1987, The Cure lanza el doble álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me. Gracias a la ascendente popularidad del grupo en ese momento, el trabajo alcanza el número 6 en las listas del Reino Unido, entra entre los 5 más vendidos en muchos otros países europeos y asciende hasta el puesto 35 en Estados Unidos, donde recibiría el Disco de platino. El primer sencillo del disco es Why Can't I Be You? (Top 30 en el Reino Unido, España, Francia, Alemania, Italia y otros países). El tercer sencillo, Just Like Heaven se convirtió en el de mayor éxito hasta ese momento, el primero en entrar en el Billboard Top 40. Tras el lanzamiento del álbum, la banda se embarca en el Kiss Tour, que se convierte en un rotundo éxito de público. No obstante, durante la gira, Lol Tolhurst encuentra problemas para tocar por su excesivo consumo de alcohol. Para solventar el problema, la banda acude con frecuencia a Roger O'Donnell, teclista de los Psychedelic Furs para sustituirle.

Terminada la gira en 1988 el grupo se toma un paréntesis de un año. Tras este paréntesis, en 1989, the Cure lanza Disintegration, en el que se retoma la estética oscura de trabajos anteriores. Se convierte inmediatamente en su mayor éxito hasta ese momento, entrando en las listas británicas en el tercer puesto. Tres de los sencillos del disco, Lullaby, Lovesong y Pictures of you entran entre los treinta más vendidos en varios países, incluyendo el Reino Unido. Disintegration alcanza el puesto número 12 en las listas de Estados Unidos. Fascination Street, el primer sencillo en ser editado en este país, alcanza el primer puesto en la "American Modern Rock Chart". El tercero, Lovesong, alcanza el segundo puesto en las listas absolutas. Tan sólo 3 años después de su edición, en 1992, Disintegration había vendido tres millones de copias en todo el mundo.

Durante las sesiones de grabación de Disintegration, la banda se enfrentó abiertamente con Lol Tolhurst. Estos hechos desembocaron en la salida de Tolhurst en febrero de 1989. Como resultado, Roger O'Donnell se convirtió en miembro permanente del grupo. Smith se quedaba de este modo como único miembro fundacional en la banda. A pesar de su salida, Tolhurst aparece en los créditos del álbum, tocando "otros instrumentos". No obstante, algunos opinan que no contribuyó en absoluto a la grabación del disco. El tour subsiguiente se denominó Prayer Tour. Su popularidad en Estados Unidos era ya de tal calibre por aquel momento que el grupo dejó de tocar en salas de conciertos para tocar en estadios en muchas ciudades de aquel país.

En mayo de 1990, Roger O'Donnell deja la banda. Le sustituye Perry Bamonte, técnico de guitarras del grupo. En noviembre, The Cure edita una colección de remixes titulada Mixed Up. De este álbum se extrae una canción nueva, Never Enough, editada posteriormente como sencillo. La compilación no alcanzaría el éxito de ventas del disco precedente, ni mucho menos del posterior.

En 1991, The Cure recibe el BRIT Award para la mejor banda británica del año. También en 1991, Lol Tolhurst demanda a Robert Smith y a Fiction por el pago de los derechos de autor. En la demanda se incluye también la aspiración de Tolhurst a compartir la propiedad del nombre "The Cure" con Smith. La demanda se resolvería en 1994 a favor de Smith.

Dos años después de editar Mixed Up, en 1992, la banda lanza Wish, su disco más vendido hasta el momento. Wish fue número uno en el Reino Unido, y número dos en los Estados Unidos. Los sencillos High y Friday I'm in love se convirtieron en éxitos internacionales. En dicho disco, el nombre de la banda se transformaría de "The Cure" a simplemente "Cure". No obstante, dicha denominación no duraría, ya que se retomaría el tradicional "The Cure" en Wild Mood Swings.

De la gira que acompañó al álbum, el Wish Tour, la banda extraería dos álbumes en directo, Show y Paris, editados en septiembre y octubre de 1993, respectivamente.


De Wild Mood Swings a la actualidad [editar]Posteriormente, y tras varios cambios en la formación, se edita Wild Mood Swings, en 1996, disco éste de irregular contenido y en el que se parece advertir una pérdida de sentido musical en el seno de la banda. El disco fue acogido con frialdad por la crítica, pero sobre todo por los tradicionales seguidores del grupo.

En 1997, la banda publica un recopilatorio de singles Galore, de algún modo continuador de Standing on a Beach, publicado once años después de este, y en el que se recogen los sencillos publicados entre 1987 y 1997.


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Cocteau Twins: Head over heels

Los escoceses Cocteau Twins regaron dos décadas (la de los 80 y la de los 90) de algunas de las más bellas y exquisitas músicas que se escucharon durante esos años. Su pop atmosférico y neblinoso, que recibió la ajustada etiqueta de dream pop, aún conserva la magia y el misterio de cuando abrimos por primera vez sus discos.

Tras su desaparición en 1996, poco se ha vuelto a saber de ellos. Sin embargo, sus fans no descansan, como suele pasar en todo grupo de culto que se precie.

Y así es como el otro día nos enterábamos, gracias al chivatazo del siempre atento a estas maravillas sonoras Guillermo Carvajal, de que un podcast totalmente gratuito recoge cada mes rarezas, entrevistas, remixes y tomas en directo de la banda de Elizabeth Fraser y Robin Guthrie.


La página, a la que podéis acceder desde el enlace que os dejamos al término de este post, acaba siendo una gozada para los que disfrutamos en su día de una de las bandas más innovadoras e imperecederas de los años 80.

Si tenéis algún problema con la página sabed que también podéis conectaros a Itunes y buscar en la categoría podcasts con el término ‘Cocteau Twins’. Tendréis así acceso a uno de los universos musicales más deliciosos de los últimos años.


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Airiel : Winks and KIsses Ep collection

Airiel fue formada en 1997 influenciados por Cocteau Twins, Lush, Slowdive, Ride, My Bloody Valentine, Chapterhouse y con un sonido caracterizado por guitarras envolventes y planeadoras con voces deslizándose sobre las guitarras. Luego de haber aparecido en algunas compilaciones grabaron entre el 2003 y 2004 para Clairecords una serie de 4 EPs editados cada 3 meses durante el transcurso de un año, cada EP lo cierra una pieza de corte épico de envolvente y sugerente belleza shoegaze, que fuera editado en un box set en el 2005 titulado Winks and Kisses, ese mismo año editan su autotitulado EP recibiendo las mejores criticas de la prensa y aparecen en el compilado Never Lose That Feeling versionando un tema de Swervedriver. En el 2007 la banda grabó su esperado álbum debut, The Battle of Sealand, que los tiene de gira por todo Estados Unidos y Japón y cuyo show de lanzamiento oficial es el 29 de agosto en Chicago.

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Daniel Ash : CoMING Down

Daniel Ash fue miembro fundador de Bauhaus, Love and Rockets y Tones on Tail, ha editado una buena colección de álbumes, siempre con muy buen sonido y elegancia. En esta pagina hay enlaces a todas las bandas en donde ha estado e información de sus discos en solitario. Esta canción es su primer LP en solitario llamado Coming Down editado en 1991.


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Telefon Tel Aviv : Fahrenheit fair enough

Telefon Tel Aviv, el dúo de New Orleans que con tanta destreza aunó exploración electrónica con instrumentación clásica en el conmovedor “Map of What is Effortless” (Hefty/Red, 04), estarán actuando en Barcelona y Madrid presentando un disco que ha seducido a la prensa especializada y que presenta potencial suficiente para llegar a un público más amplio.

Joshua Eustis y Charlie Cooper, procedentes de la escena industrial, hardcore y punk de New Orleans, llevan unos cinco años empeñados en sacar partido de su formación clásica (uno de ellos estudió en el conservatorio; ambos son multiinstrumentistas) sin cesar también en su intento de hacer evolucionar a una electrónica últimamente estancada. Su álbum de debut “Fahrenheit Fair Enough” (Hefty/Red, 2001), por otra parte, estaba más influenciado por la IDM melódica.

Sin perder la inquietud, “Map of What is Effortless” da un paso más incorporando las voces souly de Damon Aaron (cantante y letrista de la escena de Altadena) y de Lindsay Anderson (musa de los delicados L’Altra), así como una orquesta de cámara de 30 miembros.

Etiquetado por algunos críticos musicales como “Laptop Soul”, su sonido alberga influencias diversas: ritmos cercanos al R&B y soul de transcripción electrónica, guiños al disco-house y dosis de trip hop de nuevo milenio. En algunos casos, presentan incluso deudas con los Alpha y Zero 7 más orquestados. Sea como sea, su música ya ha seducido a gente como Nine Inch Nails, A Perfect Circle y Eminem, a los cuales han remezclado durante este año.


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Bark Psychosis: Hex

Bark Psychosis es el mitico grupo cuyo primer trabajo preciso de la creacion de una nueva etiqueta (post rock) que permitiera describirlo, lo que ocurrio en la critica que Simon Reynolds publico en The Wire. “Hex” se publico en 1994 como heredero y sintesos de los avances sonoros de Talk Talk, Durutti Column, Sonic Youth, los experimentos electronicos del ambient y el pop nocturno y espumoso de bandas como A. R. Kane o The Blue Nile. Su musica nocturna ha sido excelentemente descrita por J. L. Carrasco, de Parsley Webzine: “Bark Psychosis tienen algo de sueño catartico, magico y malsano a la vez, donde los samples son recortes abstractos, dibujando viñetas siempre incompletas”.

Como comente en un mensaje anterior enviado a LCDM, la denominacion post rock fue ampliada progresivamente a todo tipo de rock experimental relacionado basicamente con el movimiento alternativo. Tras el paso de los años, es posible en la actualidad diferenciar varias escuelas del genero, principalmente (y sin entrar a fondo) la electronica (Hood, Fridge, sello Factory), la americana derivada de Slint (Gastr del Sol, los primeros Tortoise), la ambient-contemporanea (Sigur Ros), la canadiense (sello Constellation) o la fundamentada en el trabajo de guitarras (Mogwai, Explosions in the Sky).

Diez años despues de la publicacion de “Hex”, cuya grabacion requirio un año durisimo de trabajo tras el cual la banda tardo bien poco en disolverse, el lider de Bark Psychosis aparece de nuevo en escena con el segundo album de la formacion “Codename: Dustsucker”.


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Suicide : Suicide

Suicide es un dúo punk de los años 1970 y 80, conformado por Alan Vega (vocalista) y Martin Rev (sintetizador y batería electrónica).

Suicide fue formado a principios de los 70s como un grupo convencional de rock, con guitarras, bajos y batería, pero poco a poco los miembros del grupo desertaron, hasta que solo quedaron Vega y Rev.

Los riffs de teclado de Rev—usualmente provenientes de un desgastado órgano y acompañados de una primitiva batería electrónica—eran simples e hipnóticos, y proveían un fondo ideal para la voz de Vega. Vega le debía gran parte de estilo a Elvis Presley y cantantes de rockabilly, pero su canto de alaridos y murmullos nerviosos era único.

Suicide emergió de la temprana escena punk de Nueva York con una reputación de presentaciones feroces y controversiales, que ocasionalmente llevaban a distubios y violencia.

Su primer álbum, el epónimo Suicide, es frecuentemente considerado un clásico: "'Dream Baby Dream', 'Che', 'Ghost Rider'—estos perturbadores, toscos, hirvientes himnos de punk están entre los más visionarios y melódicos experimentos que el universo del rock ha producido hasta ahora." [1]



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Teenage Fanclub : Bandawagonesque

Teenage Fanclub surgió en la escena musical de Glasgow. Su sonido tiene reminiscencias de la costa oeste norteamericana, como Beach Boys y Byrds, y sus compañeros setenteros Big Star. Primeramente una banda ruidosa y caótica, su primer álbum, A Catholic Education es muy diferente a su sonido posterior, con la posible excepción de "Everything Flows". The King fue su siguiente álbum; consiste en ruidos de guitarras y una versión muy irónica de Like a Virgin de Madonna, también hecha por Sonic Youth en Ciccone Youth. El álbum se produjo con rapidez para satisfacer un contrato con el sello norteamericano Matador Records. Su continuación, Bandwagonesque, editado por Geffen Records en los EE.UU. y por Creation Records en el Reino Unido, trajo a la banda el éxito comercial. El álbum estaba más deliberadamente compuesto, los temas enganchaban más, los riffs de guitarra estaban bajo control, y la armonía tomó forma. Su continuación, Thirteen, es de estilo más grunge. Brendan dejó la banda durante este período debido a "diferencias musicales", siendo reemplazado por Paul Quinn, miembro original de Soup Dragons. Grand Prix, quinto álbum de Teenage Fanclub, fue tanto un éxito de crítica como de ventas en el Reino Unido; fue grabado en el cúlmen del britpop. Fracasaron en la recuperación del público que habían perdido con Thirteen en los EE.UU. Los miembros de Oasis declararon entonces que se trataba de la segunda mejor banda del mundo, "después de nosotros, claro"[cita requerida]. Songs from Northern Britain siguió a Grand Prix y se construyó sobre el éxito de su predecesor. El sonido folk y acústico del álbum encontró eco en muchos oyentes, y representa su mayor subida en las listas de ventas en el Reino Unido y contiene su mayor éxito en forma de sencillo hasta la fecha: "Ain't that Enough". Su siguiente álbum, Howdy!, grabado para Columbia Records después del poco apoyo que Creation Records había prestado al disco anterior; el álbum, sin embargo, obtuvo pobres ventas y resultó ser un fracaso comercial. Francis MacDonald se unió entonces de nuevo a la banda. Su última grabación, esta vez para Sony, Four Thousand Seven Hundred and Sixty-Six Seconds -A Shortcut to Teenage Fanclub, contiene las mejores canciones de la banda. Un nuevo álbum, Man-Made, vería la luz el 2 de mayo de 2005 a través del sello de la propia banda, PeMa, siendo grabado en Chicago en 2004 y producido por John McEntire, de Tortoise.


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Throwing muses: the real Ramona

En 1990, Kristin Hersh sufrió una de sus crisis personales más graves: tuvo que luchar a la vez contra el que fuera su rpimer manager, contra el padre de su hijo Dylan (ya ex), tuvo que embarcarse en una aventura tras otra en los triubunales y tuvo que convencer a Tany Donelly de que las Breeders estaban bien, pero que había que volver al trabajo con Throwing Muses, porque Hunkpapa (1989) ya se había quedado viejo y, sobre todo, difícil.

Cuando las musas volvieron al estudio (rodeados de modelos de Playboy y de artistas de hip hop, para espanto de Tanya Donelly), seguían tratando de desembarzarse de la alargada sombra de los Pixies. Bostonianos como ellos, también en 4AD y sin poder trascender más allá de los elogios de la crítica. Guiados por una Kristin Hersh con trastorno bipolar (ella dice que “la personalidad mala era la que escribía las canciones”), Throwing Muses eran mucho más oscuros que los duendecillos.

The Real Ramona supone el definitivo salto adelante del grupo. Mantiene las coordenadas que se han ido perfilando en sus cuatro discos anteriores (Throwing Muses, The Fat Skier, House Tornado y Hunkpapa): el ritmo hipnótico, las guitarras recalcitrantes, la voz dulce pero al límite de Hersh, las letras dolorosas aunque impenetrables.

Lo que ocurre es que es en este disco cuando el engranaje funciona sin fallos. Es, y que nadie se me escandalice, el primer grupo de finales de los 80 y principios de los 90 que consigue conciliar la revolución sonora que se vive en esos momentos en el seno del underground USA con las melodías limpias y radioformulables de la new wave (Graffiti es un ejemplo perfecto de su amabilidad nuevaolera, mucho más asumible por el gran público que cualquier canción de los Pixies).

Así que en 1991, con sus presupuestos vitales como grupos asimilados, consiguieron canciones tan eternas como el single Counting Backwards (con sus características voces dobladas), la trotona Him Dancing o las dos jubilosas aportaciones de Tany Donelly (Not To Soon y Honeychain, las primeras que compuso para las musas y que anticipan lo que vendría con Belly). Junto al resto de temas hacen de The Real Ramona (nombre sacado de una postal) un disco casi perfecto.

Y después explotaron y nunca más volvieron a ser un grupo como tal.



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Worm is green: Automagic

A veces, uno está tan obsesionado por descubrir nuevas propuestas musicales y no perderse nada de lo que ocurre, que se olvida de grupos que tampoco hace mucho ocuparon un puesto importante en el ranking de preferencias de uno.

Es el caso de los islandeses Worm is Green, de los que me acabo de acordar gracias a Aurgasm. Su disco de debut (Automagic) me cautivó a la primera escucha, y me pareció uno de esos trabajos mágicos al estilo de Finally we are no one de Múm, por poner un ejemplo. Pero es que además, la versión que hacían en aquel disco de Love will tear us appart era para ponerle los pelos de punta a cualquiera.

En 2005 sacaron nuevo álbum (Push play), pero me parecieron algo menos frágiles que en su entrega anterior, aunque seguían más o menos con lo suyo... aquí tienen un clip.

Si tienen curiosidad, pueden bajarse los temas The Robot Has Got The Blues y Undercover de su primer disco (cortesía de Aurgasm), alguna remezclilla obra de Exos y juzguen por si mismos. Pero lo que no tiene perdón es perderse la versión de Joy Division.



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Felt :Crumbling the antiseptic beauty splendour of fear

No es un grupo de mayorías, tampoco es un grupo de minorías amasadas, pero siempre uno de sus discos se cuela entre los mejores a escuchar, discos raros, o recomendaciones del músico de turno. 1979 sería la fecha de inicio, donde se apuntaban las primeras maneras; el clima era el estallido del post-punk, todos querían sonar oscuros, todos querían ser más cerrados que el anterior; por el contrario Felt quiso sonar limpio en el sonido, ya que algunas letras serían indescifrables, demostrando que lo suyo no iba a seguir patrones estandarizados.

La figura clave iba a ser, una vez más, un artista maldito, posiblemente un visionario con un ego desarrollado más allá de sí mismo, y sobre todo, con una idea de canción digna de elogiar. Lawrence Hayward era el único componente de Felt como a veces declaró, su proyecto personal, nadie quería (y a la vez odiaba) más al grupo que él. Su pasión proviene de otro maestro, asombrado por Tom Verlaine y sus Television, quería imitar su sonido, esa No Wave neoyorkina que pasaría a desembocar en los ochenta en la New Wave a nivel mundial. Porque si se escucha el primer disco, Crumbling The Antiseptic Beauty (1981), no vemos casi ningún elemento de post-punk, sólo el bajo y la batería oscureciendo la escena. La voz es clara, si bien en segundo plano muchas veces. Se ve más la evolución a esa New Wave que desarrollará en los posteriores trabajos.

Anteriormente Hayward había demostrado su talento grabando en su habitación Index (1979), donde sí se ve ese sonido crudo y primitivo. Pero el grupo no era sólo suyo aunque así lo creyese, una parte esencial era aportada por Maurice Deebank, la guitarra de este recibió todos los elogios de la crítica, su forma de tocar era moderna pero de corte clásico, dicha dicotomía la hacía tan especial. Además de Deebank a la batería se sentaba Tony Race, quien será echado –según rumores– por Hayward debido a su corte de pelo siendo sustituido por Gary Ainge, y en el bajo Nick Gilbert, también sustituido después por Mick Lloyd.

Con Cherry Reds sacaron la mayoría de su catálogo, desde Birmingham consiguieron hacerse oír entre unos pocos. Dos largos más a partir del primero marcarían la etapa inicial. Quizás los tres discos seguidos mejores de la época, sin fallos. Si ya el inaugural daba vistas a lo grande que iba a ser el grupo, el segundo, The Splendour Of Fear (1984), sólo con la instrumental que abre es para detenerse y escuchar boquiabierto. Pero es que las siguientes son para seguir alucinando de lo que se oye. Es como si Lou Reed cantase acompañado de Richard Lloyd y Verlaine a la guitarra. Mientras Hayward tenía claro que quería componer piezas de treinta minutos y no se salía de esta pauta.

La influencia de la No Wave también se podría apreciar incluso en las carátulas, la segunda tomada de Chelsea Girls (Andy Warhol y Paul Morrissey) y la tercera con un parecido razonable a Talking Heads: 77. Con este tercer lanzamiento seguían la estela de grupos como New Order en ese sonido tan característico de unos pocos. Entra a la formación Martin Duffy –posteriormente pasará a Primal Scream– a los teclados viéndose más desarrollada esta parte en los posteriores trabajos.

Empieza otra etapa, el pop es más claro que anteriormente. Robin Guthrie (Cocteau Twins) se encargará de producir Ignite The Seven Cannons (1985) acercándoles a su sonido barroco. También participa en a los coros en “Primitive Painters” Luiz Fraser (la otra parte de Cocteau); aunque lo malo de este periodo será el roce dentro del grupo, Deebank no ve con buenos ojos el cambio de ritmo y decide irse para continuar en solitario.

El grupo va creciendo y el apoyo que le ha dado Guthrie les ha servido para que aumente sus seguidores concierto tras concierto, además de las ventas. En 1986 firmarán el primer trabajo para Creation Records, que estaba a punto de ser la discográfica independiente más importante del país. Let the Snakes Crinkle Their Heads to Death dará pie al sexto disco. Este trabajo será el tope, la cima que no se puede superar pese a que se quiera (no es el caso). Entre los mejores discos de la historia, Forever Breathes The Lonely Word muestra la faceta más limpia de Felt, el pop por el pop. Duffy y su Hammond sustituirá la dependencia que antes se tenía de la guitarra de Deebank, aunque sólo pensar si hubiese estado presente en esta grabación…Hayward volverá a la dinámica de los treinta minutos como tope. Elegancia en las ocho canciones que forman el conjunto, lo anterior parece haber servido como maduración a la hora de escuchar este disco.

Pero no contento con una obra de arte al año siguiente saca otra. Prolífico y perfecto, Hayward parece retar a cualquiera a que le igualase ante tal hazaña. Lo hizo al empezar con el grupo con tres trabajos nada menos y ahora lo repite mejorándose así mismo en un año con dos obras maestras. Poem of the river (1987) es el álbum que bebe de cualquier lado, desde un pop californiano a Television, son ambas escenas pasadas por su filtro, y sobre todo por el Hammond de Duffy.

Por desgracia, después de llegar arriba siempre se tiende a ver lo siguiente con guante de seda, a no dejar pasar una. Es cierto que Felt no siguió esta tendencia de seguir en el cum laude, pero no necesitaba más, ya había aportado lo necesario para pasar a la historia. Laurence Hayward después se cansó y con ello aumentó ese halo entorno a su figura. En el siguiente disco, The Pictorial Jackson Review, con el que se inicia la tercera etapa, se deriva a un ambiente instrumental. Con frases en el libreto como: “Recorded quickly”. El siguiente, Train Above the City (1988), Hayward remata añadiendo sólo los títulos a las canciones, no hizo más. Se dice que compraron un vibráfono y tenían que rentabilizar su coste, por lo que Duffy y Gary Ainge pasaron las sesiones en el estudio experimentando.

Y el genio al final tenía que cerrar como tal. No es casualidad que su última referencia volviese a ser en el sello que les dio la oportunidad de empezar –también ayudó que Creation no tenía más dinero y hasta 1990 no podía sacar el disco–, tampoco que cerrase el grupo tras diez años en activo… en Hayward nada parecía ser espontáneo. Volvió a brillar en su último aliento e incluso a querer reconciliarse con Deebank (“Free”). Porque los genios tienden a enemistarse pero al tiempo ven lo que pueden hacer si se unen y la habilidad de dos es figuras no es superada por nadie.

Felt quedó en la recámara de los grupos de culto, de los grupos que alegran un día tras escuchar sólo una canción, de los grupos que en una canción demuestran que el pop es una manera de hacer arte, de los grupos que demuestran lo valioso que es la música…


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Felt :The Strange Idols Pattern and other short stories

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Flying Saucer Attack : Flying Saucer Attack

Matt Elliot es un artista británico, concretamente de Bristol, que militó en el grupo Flying Saucer Attack y que durante varios años ha dado vida al proyecto The Third Eye Foundation.

Actualmente firma sus discos con su propio nombre y de esta forma tiene publicados 5 trabajos (Borderline Schizophrenic, 10", 2003; The Mess We Made, CD, 2003; Drinking Songs, CD, 2005 y Failing Songs, CD, 2006).



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Labradford : Labradford 1996

Labradford fue formado como duo por Carter Brown (sintetizadores) y Mark Nelson
(guitarras, cintas y voz). Su single debut "Everlast" (1992) los posiciono firmemente en la
emergente escena americana post-rock a mediados de los 90, y la influencia de la atmosfera
Krautrock, formaron parte de el redescubrimiento del futuridmo iniado con bandas como
Stereolab y Main.

El album debut de la banda, Prazision (1993), producido por Rob Christiansen de Eggs
and Grenadine, sin bateria con guitarra y loops de cintas, reflejando la fascinacion de Carter
Brown por la musica clasica y el minimalismo Arvo Part, asi como el ambiente Krautrockers
Clusters, y tambien el zumbido de Spacemen3. Los cortes fueron compuestos mas que
improvisados y fueron grabados en directo us metodologia hasta la fecha. Ellos mezclan
ambientes con canciones suaves de teclado, mezcladas con voz sugiriendo texturas mas que
narracion. "Gratitude" por ejemplo, es una de estas piezas.

La presentacion del disco conto con la participacion en apariciones en vivo con grupos
como Stereolab, Main (en Inglaterra), Spectrum, y con influencia del album de Virgin
"Isolationism" (1994) recopilado por Kevin Martine (de God/Techno Animal/Ice). Brown y
Nelson, de todos modos, sentian que el sonido de Labradford carecia de profundidad, con solo
dos personas llevando instrumentos por lo que reclutaron a Robert Done (ex-Breadwinner)
como bajo.

La primera grabacion de la nueva linea del grupo, A Stable Reference (1995), se lanzo
por la demanda del publico, especialmente en Inglaterra, donde rapidamente entro en la lista del
"Albums Of The Year". Inspirado en sonidos espaciales, entremezclando zumbidos y sonidos de
"cohetes" en "Mas", y un "tarareo" en directo "Eero". Este album, lento y gracioso, y durante
algunos cortes rapido tambien, fue realizado por Christiansen de nuevo y muy beneficiado por
las aportaciones al bajo Robert Donne, que se a¤adieron a la mezcla.

A principos de 1996, Labradford edito "Scenic Recovery", en el mismo sello que
Stereolab, Duophonic, y a¤adieron un bateria. Una exitosa gira por Europa dejo al publico
expentante de nuevos sonidos y modernos y espirituales zumbidos.



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Clinic : Clinic

Clinic surgió en Liverpool, 1997 gracias al músico Ade Blackborn. En 1999, la banda firmó con Domino Records y editó el single "The Second Line", que más tarde aparecería en anuncios publicitarios de Levi's Jeans. En el 2000, editaron su primer álbum "Internal Wrangler", que definía el sonido de la banda como una combinación de guitarras pop frías y gélidas voces. Ese mismo año, fueron de gira con Radiohead. En el 2002, editaron "Walking With Thee" con sonidos más espaciales. Su último álbum ha sido "Winchester Cathedral" en el 2004.

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Harold Budd & R.Guthrie

Música minimal, paisajista, ideal para viajar o caminar en la calle de cualquier ciudad del mundo.
Lejos de ser monotona, la parte visual de la composición permite que cada nota de Budd sea una referencia espacio temporal llena de detalles y enunciados poéticos.

En fin, Harold Budd lo pondera lo suficiente como para colaborar con él en más de un par de ocasiones.
Tengo casi toda su obra, me es muy difícil pensar en qué sería lo mejor. Igual me pasa con Brian Eno.
Muy cercano al concepto de ambiance, Budd y Eno son dos referentes clásicos del siglo XX.
No exagero.

Imprescindible un disco de Budd en la tarde lluviosa en casa, con un té o un buen café, y alguien a quien amar o con quien compar


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A Means to an end : Tribute to Joy Division

18 de Mayo de 1980. En el tocadiscos da vueltas 'The idiot' el disco de Iggy pop. Deborah Curtis llega a casa tras pasar la noche fuera al haber discutido con su marido. Al entrar en la cocina se lo encuentra ahorcado con la cuerda de tender la ropa. Ha muerto Ian Curtis. Inglés, 23 años, epiléptico y cantante del grupo Joy Division con el que estaba a punto de realizar su primera gira por Estados Unidos. Ha nacido el mito.

'Control' es el biopic dirigido por Anton Corbijn que recrea la vida de uno de los mártires de la edad de oro de la música inglesa. La época en que todo era tortuoso y todos jugábamos a sufrir, vestirnos de negro, sentirnos muy desgraciados, odiar al mundo (Curtis se paseaba con una gabardina negra a la que había escrito en grandes letras en la espalda "odio").

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Le Mans : Aqui Vivía yo

Y es que la despedida de Le Mans no podía ser otra que “Aquí Vivía Yo” (Elefant, 98). Hablando ya del pasado, con tan melancólico y sugerente título, el grupo donostiarra decía adiós dejando como último sabor de boca este bello disco, donde todo lo aprendido y lo vivido quedaba recogido, reflejado y perfeccionado, consiguiendo la obra maestra que es.

Afilando su característica ironía, las letras rozan la perfección con la acidez y la candidez justas, en un equilibrio perfecto que se mantiene sin más artificios.

El poder de la música tampoco queda atrás. La lírica y la poética, tan representados por sus continuas cuerdas, se entremezclan de tal manera que se puede percibir la constante presencia de bases y ritmos propios del trip-hop, sonidos con los que ya el grupos experimentaba en su tercer disco “Zerbina” (Elefant, 1995).

Cuánto pesa el corazón a veces. Cuánta desazón y cuán difícil es vivir y arrastrar los días. Le Mans vive el mismo mundo de todo aquel que escucha sus canciones. La rutina, la pesadez, los miedos y el desamor. Los problemas cotidianos convertidos en ritmos líricos. La nostalgia y el tedio hechos música. La banda sonora perfecta para mirar a través del cristal en las tardes de lluvia, leer a Pessoa o pensar en ese alguien en quien no se puede dejar de pensar. Una música ocular y hasta carnal que roza directamente el corazón.

“Aquí Vivía Yo” comienza con los aires urbanos y cosmopolitas tomados del mencionado “Zerbina”, pero con un corte quizá algo más clásico, con su “Todo va mal”. Un tema que va moldeándose, tornándose otro, girando sobre sí mismo, hasta regresar al mismo punto. La repetición, el bucle eterno de cuando todo va mal. Y después la mandolina y la tristeza profunda de “Buenos días corazón”. Los dos elementos protagonistas de este disco se encuentran y se funden perfectamente en esta bella canción.

Dos temas más y por fin (para quien escribe estas letras) el dulce, el pequeño tesoro: “No vino, estaba enferma o de vacaciones”. Una emotiva canción de amor, visual y física que logra transmitir el sentimiento y la ansiedad nostálgica de quien continúa amando.

Tras esto, se suceden las catorce canciones del disco. Cada una con sus detalles y toques que las hacen especiales, destacables y únicas. “Yin yang”, “No me abrumes amor”, “Mi novela autobiográfica”, “Sic transit gloria mundi” (que pone punto final al disco), una obra maestra imposible de perderse. El más bello adiós jamás pronunciado.

Canciones Núm Nombre
1 Canción de todo va mal
2 Buenos días, corazón
3 El amor
4 Aquí vivía yo
5 No vino, estaba enferma o de vacaciones
6 Balalaika
7 La princesita
8 Yin Yang
9 Papá negro
10 No me abrumes, amor
11 Una mujer expansiva
12 Mi novela autobiográfica
13 ¡Ay, que triste estoy!
14 Sic transit gloria mundi


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Stereolab : Fab Four Suture

Es nuevo, viejo, sorprendente, más de lo mismo, espacial, del siglo veintiuno, sixtie, cósmico, sideral, avanzado, burbujeante, adelantado, retro, retrasado, oldie, fashion, old-fashion, disfrutable, pegadizo, elástico, plástico, inmediato, profundo, de largo recorrido, de prolongada digestión, progresivo, avant-garde, moderno, pop, efervescente, indie, nuevo clásico, inspirado, innovador, inglés, francés, victoriano, industrial, pre, post, plagio, interpretación, reinterpretación, expirado, atemporal, inmaterial, denso, de otro tiempo, de su tiempo, joven, hipnótico, traumático, maduro, analógico, digital, estéreo, mono (bonito), monofónico, duofónico…

No es alternativo, buen rollo, étnico, mestizo, sincero, brutal, honesto, desgarrador, racial, fronterizo, marginal, heterogéneo, homogéneo, heterodoxo, ortodoxo, conciliar, preconciliar, urbano, romántico, pasional, equilibrado, sensible, híbrido, mixto, contracultural (mal que les pese), crossover, solidario, fraternal, colectivo, grupal…

Es el nuevo disco de Stereolab “Fab Four Suture” (Too Pure) donde el grupo supera la muerte por accidente de Mary Hansens y vuelve al groove y la buena forma del Dots & Loops por lo menos (todo va en gustos).

Después del fabuloso recopilatorio “Oscillons from the antisun” con tres cds de sus singles y un dvd con actuaciones que les permitió tomar aire después de la pérdida de la teclista a finales de 2002, y replantearse la situación, han vuelto por la senda que nos tenían acostumbrados. Si te gustaban, te gustará el disco, si no, no lo aguantarás. Son Stereolab.

“Visionary Road Maps” podría ser otro ”French Disco”. “Eye of the Volcano” sería su lado más sesenta . “Vodiak” y “The Refrigerator”, vuelven al sonido de sus principios, pero tampoco es que este haya variado mucho con el tiempo.

Hay quien dice que se han acercado mucho al easy-listening y hasta han pecado de snobs, pero cuando llega el final y aparece ”Widow Weirdo” sabes por qué son famosos y han llegado donde han llegado, no por casualidad.

Para algunos únicos, para otros unos copiones. La voz de Laetitia Sadier, los ritmos repetitivos, los efectos sonoros, el groove a lo krautrock, todo el universo de Stereolab está ahí. Como siempre. Tim Gane, los textos difíciles, la política, el pop de los sesenta, Duophonic, etc. ¿Qué hacer?



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The Wedding Present : George Best

David Gedge es quien dirige The Wedding Present desde mediados de los ochenta. De igual forma que otros como Robert Smith y sus The Cure, Gedge es el único miembro fundador de la banda que permanece entre sus filas y también el responsable de la mayor parte de su repertorio. Su pop musculoso es toda una referencia en el espectro indie internacional.

Surgidos en Leeds tras la disolución del efímero grupo Lost Pandas, The Wedding Present inician su andadura en 1985. Un año después, graban su primera sesión para el programa radiofónico del famoso y malogrado John Peel, mientras el tema ‘This boy can wait’ se incluye en el recopilatorio C-86, que de la mano de la publicación New Musical Express llega a generar algo parecido a una escena.

‘George Best’ (Reception, 1987) es su debut en formato largo y su intenso sonido se hace con los favores de la crítica. En 1988 aparece ‘Tommy’, una compilación de material primerizo, antes de que se editen las sesiones que grabaron con John Peel bajo el extraño título ‘Ukrainski Vistupi V Johna Peela’ (RCA, 1989). Además de dichas canciones, el artefacto incluye algunas piezas de música folklórica ucraniana, una clara influencia del guitarrista Peter Solowka -el mismo que en 1991 dejará el grupo para formar el proyecto de folk-pop The Ukrainians, especializado en hacer versiones de los Smiths al más puro estilo balcánico-. Todo es tan bizarro que no es de extrañar que así se llame su segundo álbum de estudio.

Pese a todo, ‘Bizarro’ (RCA, 1989) supone una depuración estilística de su explosivo debut y cuenta con la producción de Steve Albini en el single ‘Brassneck’. El propio Albini se encarga de producir ‘Seamonsters’ (RCA, 1991) al completo, el mejor trabajo de The Wedding Present hasta la fecha de su edición.

En 1992, Gedge y los suyos deciden editar un single al mes hasta obtener un total de 12, con sus correspondientes caras B integradas por versiones. El material se recopila en sendos volúmenes denominados ‘Hit parade’, que ven la luz en 1992 y 1993. El pirotécnico ‘Watusi’ (Island, 1994) permite comprobar que las aptitudes de The Wedding Present no se limitan al formato sencillo, aunque la trayectoria del grupo concluye con ‘Saturnalia’ (Cooking Vinyl, 1996) debido a su escasa repercusión comercial.

Un año después, la cabeza visible del proyecto forma Cinerama, cuyo debut ‘Va va voom’ (SpinArt, 1998) exhibe un sonido eminentemente acústico muy influido por el chamber-pop. Pero uno es lo que es y a partir de su segundo álbum –‘Disco volante’ (Manifesto, 2000), producido nuevamente por Steve Albini- las similitudes con su antiguo grupo empiezan a hacerse más y más evidentes. Es normal, pues las canciones las escribe la misma persona, así que mejor dejar de jugar al escondite y recuperar la banda original.



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The telescopes : Second Untitled 1994

Para los que no les conozcan decirles que la banda del vocalista Stephen Lawrie y el guitarra Joanna Doran surgieron en Gran Bretaña a finales de los 80, junto a bandas como Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine o Spacemen 3. Su disco de debut, Taste (89) fue comparado con Psychocandy por lo radical de su propuesta. Distorsiones, acoples y noise, (mucho noise), caracterizaron la primera etapa del grupo.

Cinco años más tarde con la publicación de Telescopes (94) el grupo dio un cambio radical a su sonido. Este recomendable disco, (haceros con él si podéis) dejaba a un lado el sonido de guitarras enmarañadas y se adentraba en territorios pop, delicados, en ocasiones velvetianos, muy en la línea al trabajo de bandas como Slowdive, Chapterhouse o los primeros Verve con los que se les emparentaba. A pesar de su buena acogida, al año siguiente se separaron.


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Bauhaus : Go Away White

‘Go Away White’, se denomina el nuevo trabajo de Bauhaus, una de las bandas fundamentales e impresindibles para los seguidores del genero gótico. Peter Murphy (voz), David J (bajo), Daniel Ash (guitarra) y Kevin Haskins (batería), luego de juntarse en el 2005 para realizar tour en donde los gringos disfrutaron demasiado y mas de alguno soñamos que se anunciarian en SudAmerica, a su vez el 2006 asistieron a recitales en Portugal, Alemania, Holanda, Bélgica y el Reino Unido.
Desde 1983 que Bauhaus no preparaba un disco en estudio, después de 24 años a parece ‘Go Away White’ compuesto por diez temas, que debería estar listo el 04 Marzo del 2008. Para todos los fanaticos solo nos queda esperar...

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Portishead : Third (p.2008)

Ya se conocen más detalles sobre el nuevo disco de Portishead, “Third”, que verá la luz el próximo 28 de abril. Serán once las canciones que compondrán el tercer álbum de la banda, el primero tras más de diez años de silencio discográfico Algunos de los nuevos temas se titulan “Silence”, “Hunter”, “Machine Gun”, “Mystic” y “Peaches”. En youtube.com se pueden ver vídeos no oficiales de estos temas (aunque algunos aparecen con nombres diferentes). Estas grabaciones corresponden al concierto que ofrecieron los de Bristol el pasado mes de diciembre en el festival All Tomorrow’s Parties, en Minehead, Inglaterra. Fue su primer directo en diez años. La nueva entrega de los que fueran los pioneros del trip hop junto a Massive Attack y Tricky será un disco más uptempo y bailable que sus predecesores. Parece ser que en este tiempo la banda ha ganado pulso rítmico y han dejado definitivamente los beats a cámara lenta. En su nueva entrega Portishead ha ampliado su abanico de influencias y consiguen sonar desnudos, orgánicos y armoniosos en unos temas; y expansivos, cadenciosos y electrónicos en otros. Lo que es seguro es que será uno de los álbumes de 2008 y sorprenderá tanto a sus fieles seguidores como a los que les descubran por primera vez.

Nuevo link:
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Jesus and Mary Chain: Munki

The Jesus and Mary Chain originalmente revolucionó sobre la paridad en la escritura de canciones por los dos miembros principales. Para completar la visión de la banda, los hermanos Reid reclutaron al bajista Douglas Hart y al batería Murray Dalgish. La banda grabó su sencillo de debut, "Upside down", publicado en octubre de 1984 por Creation Records. Dalglish fue reemplazado poco después por Bobby Gillespie (quién seguiría como cabeza de Primal Scream) y William Reid afirmó posteriormente que había tocado la batería en el sencillo de debut él mismo debido a la problemas de habilidad que tenía Dalglish. Aunque el sencillo recibió un aclamo universal por parte de la crítica británica, y la banda fue lanzada por el New Musical Express, fueron sus primeros conciertos los que hicieron que la gente les prestase atención.


Notoriedad [editar]Los primeros conciertos de The Jesus and Mary Chain se han convertido en legendarios en los círculos independientes. Tocando ante pequeñas audencias, el grupo se ganó su notoriedad tocando conciertos muy cortos, algunos no duraban más de 10 minutos y que consistían en una muralla constante de distorsión y ecos, también tocaban de espaldas al público y se negaban a hablarles. Muchos conciertos culminaban con los Reid destrozando su equipo, que normalmente seguía con el alboroto del público. Todo esto deslumbró al gerente y jefe de Creation Records Alan McGee, quién encontró muy fácil conseguir a la banda. Simplemente se aseguraría de que la prensa musical estuviera mientras estos hechos ocurrían, lo cuál aseguraba cobertura gratuita en los periódicos musicales.

La violencia que seguía a cada acción culminaba por la banda en un concierto es ahora una parte del folclore indie. El 15 de marzo de 1985, the Jesus and Mary Chain tocaron un concierto en la Politécnica del norte de Londres en frente a una de sus mayores asistencias hasta la fecha. La banda telonera, Meat Whiplash, había calentado la violencia antes que la banda pusiera un pie en el escenario tirando a la audiencia una botella que les habían lanzado previamente. En ese momento el grupo comenzó su corto set, la gente que estaba ya preparada para la violencia, y a causa de su tamaño (el lugar había vendido entradas de más), los disturbios fueron mucho mayores y más salvajes que cualquier otro concierto previo de la banda. Los fans destrozaron el lugar y el equipo de la banda, habiendo cuatro heridos en el hospital. Una estimación de los daños fue de 8000 libras esterlinas. La prensa musical estaba presente y por tanto el evento se denominó el "Disturbio The Jesus and Mary Chain".


Discografía [editar]

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The Fall: This Nation's saving grace

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Elastica : Elastica 1995

Grandes fans del post-punk y la new wave británica de finales de los 70, lo que se aprecia claramente en su popular disco debut, Elastica fue uno de los grupos punteros del rock inglés de la primera mitad de los años 90. Dominados por la personalidad de su vocalista y guitarra Justine Frischmann, la banda supo enriquecer su querencia por Blondie, Buzzcocks, The Clash o Wire, con composiciones escuetas, enérgicas, rítmicas, sarcásticas, de nervudo arrojo punk e inmediatez pop.
Elastica se forma en el año 1992, cuando una antigua estudiante de arquitectura llamada Justine Frischmann (nacida el 16 de septiembre de 1969) rompía su relación sentimental con Brett Anderson, el líder de Suede, formación de la cual Justine formó parte como guitarrista.

La cantante había hecho buenas migas en su etapa de Suede con un batería llamado Justin Welch (nacido el 4 de diciembre de 1972), quien había tocado con el grupo punk Spitfire. Ambos pusieron unos anuncios para intentar completar un grupo. Las elegidas para integrarse en Elastica serían la bajista Annie Holland (nacida el 26 de agosto de 1965), una guitarrista de bandas amateur que consiguió ser aceptada como bajista, y la guitarrista y vocalista Donna Matthews (nacida el 2 de diciembre de 1971), incorporada después de acudir a una audición tras ver un anuncio en el Melody Maker en el cual se requería gente amante de Wire, The Fall o Stranglers. Con anterioridad había pasado por The Darling Buds.

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Aztec Camera :High Land , Hard Rain

Aztec Camera se suele englobar dentro del movimiento post-punk aunque el término que mejor podría definirlo es indie pop. La banda se formó en 1981 en Glasgow. Su líder, Roddy Frame, tenía tan sólo 17 años. El resto de la formación eran Bernie Clarke (teclados), Campbell Owens (bajo) y Dave Mulholland (batería). En marzo de ese mismo año, publicaron su primer single, contenía las canciones "Just Like Gold" y "We Could Send Letters". Una versión acústica de las segunda canción fue publicada, también en 1981, en el álbum recopilatorio "C81" publicado por New Musical Express en formato cassette, incluyendo canciones de las principales bandas alternativas del momento. Este álbum sería de gran influencia en el mundo musical. Finalmente, también en 1981, publicaron un segundo single: "Mattress Of Wire".

En abril de 1983, Aztec Camera publicó su primer LP, High Land, Hard Rain. El mismo obtuvo cierto éxito y fue aclamado por la crítica. Los miembros fundadores de la banda Bernie Clarke, Campbell Owens y Dave Mulholland abandonaron la banda antes de la publicación del álbum, que tuvo que ser mezclado y editado por Roddy Frame en solitario (Campbell Owens volvería a integrarse en la banda de forma esporádica en el futuro). A partir de ese momento, Aztec Camera dejó de ser una banda para convertirse en una "marca" que englobaba el equipo de músicos, más o menos permanente, que acompañaba a Roddy Frame. Músicos como el guitarrista Malcom Ross (de otros grupos indie como Josef K o Orange Juice) o Mick Jones (de The Clash) colaborarían en algún momento con la banda.

Su segundo álbum, Knife, fue producido por Mark Knopfler, líder de Dire Straits, y se publicó en 1984. La crítica lo tachó de sobre-producido, con un sonido alejado del indie pop desenfadado del primer álbum. Para muchos, el sonido y el nivel musical de la banda nunca se recuperarían. Sin embargo, produjo el hit "All I Need Is Everything". Como cara B se publicó una versión lenta del clásico de Van Halen, "Jump" (en USA, esta canción se incluyó dentro de un EP titulado simplemente "Aztec Camera").

Su tercer álbum, Love, publicado en 1987, continuó en la misma línea de su predecesor y generó el éxito "Somewhere in My Heart" que llegó al puesto 3 en las listas británicas. En 1990, se publicó Stray, un álbum que volvía al sonido de los primeros años, más basado en la guitarra. En él, encontramos el dueto con Mick Jones "Good Mornig Britain". En 1993, se publicó Dreamland, en donde encontramos la colaboración con el compositor japonés Ryuichi Sakamoto. El estilo musical se basaba en canciones suaves y discretas. Su último álbum, Frestonia, publicado en 1995, seguía con la línea musical de su predecesor.

En este comento de su trayectoria, Aztec Camera se había convertido en un vehículo personal de Roddy Frame para exteriorizar sus propios proyectos personales. Frame decidió retirar el nombre de Aztec Camera y comenzar a publicar álbums con su nombre. En 1999, se publicó el recopilatorio The Best of Aztec Camera, que no incluía ninguna canción del álbum Frestonia y sin embargo, incluía una canción del álbum The North Star, de Roddy Frame en solitario. La cuarta parte del disco estaba basada en High Land, Hard Rain, su primer álbum. En 2001, vio la luz un segundo recopilatorio: Deep and Wide and Tall.
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Nick Cave & Bad Seeds : Dig Lazarus Dig

Dig, Lazarus, dig!!! certifica que, camino de los 51 años, Nick Cave vive una edad de oro artística. El jefe llamó a las Malas Semillas y estas, en la actualidad siete como los siete magníficos, y también profesionales letales como los siete magníficos, acudieron raudos a la cita en los estudios State of the Ark de Richmond, Londres. Mucho tienen que ver Mick Harvey (guitarra), Thomas Wydler (batería), Warren Ellis (guitarra y mandolina), Jim Sclavunos (percusión), Conway Savage (piano), Martyn P. Casey (bajo) y James Johnston (órgano) en la sombría autoridad y la retorcida elegancia del disco, menos aparatoso que Abattoir blues pero aun así contundente. Cave lo compara con Henry's dream (1992).
El Lazarus de la canción que da título al álbum no es otro que el Lázaro bíblico, al que Nick Cave en su papel de predicador oscuro resucita con mala idea en "Nueva York, hacia 1977", según ha declarado el artista. "Funciona Studio 54, el sida todavía no tiene nombre y es la ciudad más cool del mundo. Pero a Lázaro no le interesa". Es el primer número del elepé y el inicio de un exuberante carnaval de personajes extraños. Cave ha optado por la ficción en vez de por la confesión y le ha salido una colección de relatos enfermos. Para no dormir
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