lunes 18 de febrero de 2008

Tindersticks: The Hungry Saw 2008


El próximo 28 de abril, casi cinco años después de haber editado su último trabajo (Waiting For The Moon, 2003), Tindersticks volverán a tener un álbum en las tiendas de discos. Beggars Banquet (Everlasting en España) será de nuevo el sello encargado de publicar el trabajo de la banda que lidera Stuart A. Staples, que llevará por título The Hungry Saw y contendrá 12 nuevas composiciones, de las cuales ya se puede escuchar "The Flicker Of A Little Girl" en el MySpace del grupo.

El listado de temas de The Hungry Saw es el siguiente:

01 Introduction
02 Yesterdays Tomorrows
03 The Flicker Of A Little Girl
04 Come Feel The Sun
05 E-Type
06 The Other Side Of The World
07 The Organist Entertains
08 The Hungry Saw
09 Mother Dear
10 Boobar Come Back To Me
11 All The Love
12 The Turns We Took
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Ride : Nowhere


Ride fue un grupo de lo que se hizo llamar shoegazing, caracterizándose por ser un estilo de melodías muy sentimentales a la par que etéreas y melancólicas y guitarras muy distorsionadas con sonidos no armónicos. Ride como muchos de estos grupos (quizás fue de los menos "atmosféricos" del movimiento, llevándose la palma en este aspecto My Bloody Valentine o Curve), aparte de componer canciones de pop (claramente influenciados por The Smiths), también compuso canciones muy enérgicas, bailables y rápidas si bien manteniendo los niveles melódicos, así como otras más pacíficas y sosegadas.

Se le considera una influencia para varios grupos posteriores de mitad de los años 1990.[sin referencias]

Tras la separación de la banda, los miembros de la banda han formado otros grupos como Hurricane #1, The Animalhouse e incluso hoy en día, Andy Bell, antiguo guitarrista de Ride forma parte de la conocida banda Oasis.

Su álbum más aclamado por crítica y fans es "Nowhere" (1990).


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Ride : Going blank again


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the Jesus and Mary Chain : Barbed wire kisses


The Jesus and Mary Chain originalmente revolucionó sobre la paridad en la escritura de canciones por los dos miembros principales. Para completar la visión de la banda, los hermanos Reid reclutaron al bajista Douglas Hart y al batería Murray Dalgish. La banda grabó su sencillo de debut, "Upside down", publicado en octubre de 1984 por Creation Records. Dalglish fue reemplazado poco después por Bobby Gillespie (quién seguiría como cabeza de Primal Scream) y William Reid afirmó posteriormente que había tocado la batería en el sencillo de debut él mismo debido a la problemas de habilidad que tenía Dalglish. Aunque el sencillo recibió un aclamo universal por parte de la crítica británica, y la banda fue lanzada por el New Musical Express, fueron sus primeros conciertos los que hicieron que la gente les prestase atención.


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the Jesus and Mary Chain : Honey´s dead


The Jesus and Mary Chain fueron una banda escocesa de rock alternativo dentro del oscuro post-punk basada en las composiciones de los hermanos Jim y William Reid. Procedentes de East Kilbride en Escocia, publicaron una constante cadena de álbumes, sencillos y EPs desde su formación en 1984 hasta su desaparición en 1999. Su música se suele incluir en el género denominado Noise Pop.


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the Jesus and Mary Chain : Automatic


Los primeros conciertos de The Jesus and Mary Chain se han convertido en legendarios en los círculos independientes. Tocando ante pequeñas audencias, el grupo se ganó su notoriedad tocando conciertos muy cortos, algunos no duraban más de 10 minutos y que consistían en una muralla constante de distorsión y ecos, también tocaban de espaldas al público y se negaban a hablarles. Muchos conciertos culminaban con los Reid destrozando su equipo, que normalmente seguía con el alboroto del público. Todo esto deslumbró al gerente y jefe de Creation Records Alan McGee, quién encontró muy fácil conseguir a la banda. Simplemente se aseguraría de que la prensa musical estuviera mientras estos hechos ocurrían, lo cuál aseguraba cobertura gratuita en los periódicos musicales.

La violencia que seguía a cada acción culminaba por la banda en un concierto es ahora una parte del folclore indie. El 15 de marzo de 1985, the Jesus and Mary Chain tocaron un concierto en la Politécnica del norte de Londres en frente a una de sus mayores asistencias hasta la fecha. La banda telonera, Meat Whiplash, había calentado la violencia antes que la banda pusiera un pie en el escenario tirando a la audiencia una botella que les habían lanzado previamente. En ese momento el grupo comenzó su corto set, la gente que estaba ya preparada para la violencia, y a causa de su tamaño (el lugar había vendido entradas de más), los disturbios fueron mucho mayores y más salvajes que cualquier otro concierto previo de la banda. Los fans destrozaron el lugar y el equipo de la banda, habiendo cuatro heridos en el hospital. Una estimación de los daños fue de 8000 libras esterlinas. La prensa musical estaba presente y por tanto el evento se denominó el "Disturbio The Jesus and Mary Chain".


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The Chameleons: Script of the bridge


Una cinta de sus primeras maquetas fue enviada al legendario DJ John Peel, y poco después grabaron la primera sesión de Radio 1 Sessions. In Shreds, su single de debut fue producido por Steve Lillywhite (productor de varios discos de U2 y de The Psychedelic Furs)y se publicó en 1982 por Epic Records, aunque su álbum de debut Script of the bridge (1983) vió la luz bajo el sello Statik Records. Este álbum muestra de una manera brillante el dinamismo de la banda, desde la heroica y desesperada Don't fall hasta la preciosa belleza de View from a hill. Este debut sitúa a Mark Burgess como a un letrista de extraordinaria profundidad e imaginación.

La continuación What does anything mean? Basically... (1985) fue igualmente aclamado por la crítica como pasó con su álbum de debut. Debido al apoyo de la prensa musical y la radio, The Chameleons empezaron a mostrar su música por el resto de Europa y Estados Unidos.

En 1986 firmaron con la compañía discográfica Geffen Records y grabaron Strange times, su tercer disco, que sirvió para confirmar la buena marcha del grupo y reafirmar sus dos propuestas anteriores. En este tercer LP contaron con la producción de Dave Allen (productor de The Cure), cosa que aportó matizes y arreglos muy cuidados que dotan de este trabajo de un ambiente muy especial. Muchos medios lo destacaron como un trabajo muy influyente de cara al futuro, y empezaron una gira por Estados Unidos con el que consiguieron muy buenas críticas de la prensa musical y en periódicos tan importantes como el New York Times.

En 1987 debido a la muerte de su mánager Tony Fletcher, disputas contractuales, malentendidos e intrigas, la banda se colapsó y finalmente se disolvió con un EP de despedida dedicado al fallecido mánger, titulado Tony Fletcher Walked On Water... La La La.

A partir de aquí, Dave y Reg formaron The Reegs mientras Mark y John constituían el núcleo de The Sun and the Moon. Otros proyectos posteriores de Mark serían Mark Burgess and the Sons of God e Invincible.

A pesar de la separación de The Chameleons, su popularidad no se desvaneció, sinó al contrario parecía ir creciendo. De nuevo con el apoyo de los medios y la fama creciente de sus discos de estudio, fueron apareciendo más de una docena de discos en directo, rarezas y sesiones de radio. Casi trece años después de su separación, se filtraron noticias a finales del 99 de que la banda iba a tocar y grabar otra vez. Fans, muchos de los cuales se los habían perdido en su primera etapa, reclamaban su vuelta, reconociendo después de todos estos años la magia y la fuerza relevante de su música.

The Chameleons dieron forma a su retorno en 5 conciertos en una pequeña sala cerca de Manchester en mayo de este 2000 a los cuales asistieron fans de todo el mundo demostrando inequívocamente que la intensidad, el poder y el corazón de The Chameleons seguía estando en su sitio. A estos conciertos les siguieron dos Sold Out en el Mancheter's Academy y en el Shepherd Bush Empire de Londres. Strip, una selección de temas acústicos con dos temas nuevos sería el nuevo trabajo de estos mancunianos, el cual se empezó a distribuir en estos conciertos.

El éxito les llevó a realizar una gira europea durante el año 2000 (Escocia, Alemania, España, Francia, Holanda e Italia) y después americana, lo que les llevó de nuevo al estudio de grabación para grabar un nuevo álbum que aparecería en 2001 con el título Why Call It Anything producido por Dave Allen.

Un año después editarían dos nuevos álbumes, un doble directo del concierto en el Manchester's Academy titulado Live At the Academy y una nueva grabación de temas acústicos titula This Neverending Now, el que supondría su último álbum hasta hoy.


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Serena Maneesh :LP 2005



Serena Maneesh es una banda noruega de rock shoegazer formada en 1999. El sello barcelonese Touchme Records lanzó el primer disco Serena-Maneesh en España en Deciembre del 2005. El disco recibió muy buenas críticas de publicaciones noruegas, incluyendo el título de "Norwegian Album of the Year" de parte de la revista Dagbladet, como de independientes sitios norteamericanos como Pitchfork Media (8,6/10 parte del "Top 50 Albums of 2005") o el All Music Guide AMG (4,5/5). La influencia de The Velvet Underground, Sonic Youth o My Bloody Valentine fue notada por muchos críticos.
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Dead can Dance : Aion


Dead Can Dance es uno de los grupos más extraños, atípicos, enriquecedores y completos que existen. Musicalmente hablando es imposible anclarlos en algún estilo, aunque el gótico los define bastante bien. Comenzaron como una prometedora banda de lo que se conoce comúnmente como rock gótico (es decir, rock oscuro, tenebroso), pero evolucionaron dejando atrás los elementos roqueros, conservando los oscuros y adquiriendo cada vez más gótico auténtico (es decir, música antigua, de los siglos XII a XVI). La música que hacen es muy oscura, evocadora de paisajes siniestros y muerte, y su principal característica es la portentosa voz de sus dos miembros, así como una utilización de instrumentos poco comunes y antiguos.
El grupo está formado principalmente por Lisa Gerrard y Brendan Perry, cuya presencia eclipsa a los colaboradores que hayan podido tener. Perry nació en Londres en 1959, hijo de madre irlandesa y padre inglés. En 1973 emigraron a Nueva Zelanda. Gerrard nació en Australia en 1961. El nacimiento del grupo se produjo en 1981 en Melbourne, Australia.
Los inicios no fueron muy rápidos. Entre hallar discográfica y conseguir editar su primer disco tardaron bastante. Por ello hay una gran cantidad de temas suyos y colaboraciones de su primera época que resultan muy difíciles de encontrar, y más con calidad de sonido (aunque con el auge de los programas de intercambio de archivos en Internet los fans han tenido suerte). En 1982 se trasladaron a Londres en busca de mejores resultados. El primer tema que consiguieron editar fue The Fatal Impact en una cassette de una revista. En 1983 encontraron una discográfica con la que han hecho el resto de su carrera: 4AD. Editaron en 1984 su primer disco, llamado Dead Can Dance a secas, que reunía algunas de las canciones que habían compuesto en los años que el grupo llevaba existiendo. Le siguió un pequeño disco (llamado maxi-single por los expertillos) que recogía otras canciones, llamado Garden of the Arcane Delights. Éste se editó junto al primero más tarde. Al año siguiente salió su segundo disco, Spleen and Ideal, y ya empezaban a convertirse en un grupo de culto y cierta fama. Por ahora su estilo se centraba en una especie de rock gótico.
En 1987, tras unos años dedicados a giras, salió otra edición difícil de encontrar, un recopilatorio de 4AD de temas y videos llamado Lonely is an Eyesore que incluía dos temas de la banda. Le siguió un disco que se alejó completamente de lo que tenían de rock, pues eligieron huir de guitarras, baterías y bajos que tanto limitaban la creación artística: Within the Realm of a Diying Sun, que como cuyo sombrío título indica, es su trabajo más oscuro. En 1988 editaron su cuarto disco, The Serpernt’s Egg, que junto a su sexto trabajo es lo mejor que han realizado y, aunque Dead Can Dance está siempre en constante renovación, marca el estilo más definitorio del grupo. El tema que abría el disco, The Host of Seraphim, probablemente el mejor tema de la banda, el más impresionante y cautivador, se empleó más tarde en la película documental Baraka (1993). Por esta época colaboraron con algunos temas en una película llamada El niño de la Luna, de Agustín Villaronga, e incluso Lisa Gerrard apareció brevemente como actriz.
En 1990 llegó Aion, el disco con un estilo más antiguo, que incluye un tema tradicional catalán del sigo XVI entre otros. 1993 fue el año de Into the Labyrinth, el disco con mayor recepción, tanto comercial como artísticamente hablando.
Pero pronto salieron a la luz unas diferencias creativas, en principio irreconciliables, que separaron a Lisa y Brendan: Lisa Gerrard pretendía seguir una línea más sinfónica y antigua, mientras Brendan Perry quería experimentar con estilos más modernos. Ambos se fueron a vivir a miles de kilómetros de distancia (Perry se fue a la Iglesia Quivvy, en Irlanda, que compró en 1992 y tenía habilitada como estudio de grabación). Mientras, de una de sus giras se editó el disco y video Toward the Within (1994).
El último trabajo hasta la fecha, Spiritchaser, no llegó hasta 1998, compuesto por separado y grabado en breves encuentros. El disco se acerca más a un estilo tribal, árabe, y sus canciones prácticamente son maravillosos cuentos. Desgraciadamente, el grupo finalmente se separó tras este trabajo y una gira del mismo.
La carrera en solitario de Brendan Perry no es muy completa, tan sólo un de disco de poca calidad (Eye of the Hunter, 1999) y alguna colaboración (Elijah’s Mantle, Angels of Perversity en 1993). En cambio la de Lisa Gerrard ha sido muy variada y rica, llena de discos con otros artistas y otras colaboraciones y con predominio de trabajos para el cine. Con los temas descartados de Dead Can Dance creó un disco sinfónico, una obra maestra llamada The Mirror Pool (1995). Algunos de sus temas fueron utilizados por un gran fan, el director Michael Mann, en su película Heat. Este director luego contó con ella para realizar la Banda Sonora Original de El dilema (le valió una nominación a los Globos de Oro). Luego colaboró con Hans Zimmer (se dice que éste tuvo que suplicar para conseguirlo) en una BSO que ha conseguido muchísima fama y reconocimiento: Gladiator (2000), que tuvo nominaciones a los Globos de Oro y a los Oscar. Antes de El dilema, ella y Pieter Bourke compusieron Duality, un disco lleno de percusiones tribales y cantos propios de Lisa. En el 2004 llegó Immortal Memory con Patrick Cassidy, que de nuevo la acercaba al estilo oscuro y deprimente de los inicios de Dead Can Dance. Recientemente ha trabajado en otras Bandas Sonoras Originales, ya fueran composiciones exclusivas suyas (Whale Rider en 2003) o pequeñas aportaciones (Ali, de nuevo de Michael Mann, la televisiva Salem’s Lot…).
Y finalmente, rondando el 2004 una gran noticia salió a la luz: Dead Can Dance volvía a unirse, prometiendo una gira mundial de enormes proporciones (muchísimas ciudades y gran despliegue técnico), que realizaron en 2005 (¡y conocí su existencia tres días después de que estuvieran en Madrid!), y nuevos trabajos de los que no se conoce nada aún. Por su parte, Lisa Gerrard tiene anunciado desde hace mucho tiempo un disco que editará por su cuenta y que espero sea en la línea de The Mirror Pool: Mantras of a Lost Archetype.
La gira tuvo que ser apoteósica. Se habla de una calidad de sonido excelente y prueba de ello son las ediciones limitadas que se venden de cada concierto, preciados y caros tesoros de los que he tenido la oportunidad de escuchar el de Madrid y un recopilatorio, aunque desgraciadamente no poseo ningún original. Además, esta gira lejos de centrarse únicamente en los temas más conocidos recuperó temas de aquellos que no había grabaciones oficiales o de calidad y aportó material nuevo.
Cabría mencionar también otros proyectos de Lisa Gerrard que no llegaron a buen puerto. El más destacado es la Banda Sonora Original de The 13th Warrior (El guerrero nº 13) de Graeme Revell, donde Lisa aportaba su voz. Cuando Michael Chrichton metió mano al trabajo del director John McTiernan decidió también prescindir de la música compuesta por Revell. Sería interesantísimo ver algún día el montaje del director, con o sin la BSO de Revell. El disco se puede encontrar ya fácilmente por Internet y merece la pena escucharlo: se llama Eaters of the Dead. Otros proyectos que fueron anunciados por Lisa Gerrard pero no vieron la luz fueron: una gira de Duality, cancelada porque al parecer prefirió reservar el dinero para la gira de DCD del 2005. Un proyecto con Michael Stearns (el de la BSO de Baraka y el disco The Lost World, entre otros) que no se llevó a cabo porque no encontraron tiempo libre. Una colaboración de Lisa y Patrick Cassidy para la BSO de The Passion of the Christ de Mel Gibson; desgraciadamente el plazo de tiempo no fue cumplido y su música no se incluyó. De Lisa iba a ser la BSO de Constantine, incluso ya tenía algunos temas creados; ¿qué fue de ellos?
Mientras esperamos lo que pueda ofrecernos Dead Can Dance, Lisa Gerrard sigue trabajando para el cine y se prevén varios discos próximamente.

DISCOGRAFÍA
Si las colaboraciones no son temas pre-existentes se menciona si es composición propia o colaboración. Se indica si el disco es Banda Sonora Original: (BSO). Los discos los iré enlazando a medida que realice los artículos.
-> Dead Dan Dance:
- Dead Can Dance, 1984.
- Spleen and Ideal, 1986.
- Within the Realm of a Dying Sun, 1987.
- The Serpent’s Egg, 1988.
- Aion, 1990.
- Into the Labyrinth, 1993
- Toward the Within, 1994.
- Spiritchaser, 1996.
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Dead can Dance : A passage in tine


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Dead can dance: Espiritchaser


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Death in June : The Corn years


Douglas Pierce siempre se ha sabido rodear de grandes músicos, en cada trabajo discográfico. Tras su ruptura con David Tibet a mediados de los 90s, Albin Julius alma de la banda austriaca Der Blutharsch y propietario del sello independiente Hau RucK! records, entra a colaborar en Take care and control (98) Heilige!! (99) álbum en vivo con el percusionista John Murphy y este Operation Hummingbird (2000) recuperando ese abrumador sonido marcial de álbumes clásicos como The Wall of sacrifice o The cathedral of tears.
Dejando de lado toda la polémica ya suscitada por la banda a lo largo de los años, lo mejor es leer algunas declaraciones acerca de Death in June hechas por Douglas Pierce, el hombre detrás de la máscara. Fragmentos de un comunicado escrito por el, al gobierno alemán por la censura de la reedición del álbum Rose clouds of Holocaust (10 años después de su lanzamiento) señalado según las autoridades de este país, de promover el nazismo, especialmente por la canción que da título al disco:


"Mi padre fué un importante oficial en la fuerza aerea británica, combatió contra las tropas de Hitler durante la segunda guerra mundial, fué derribado dos veces y sobrevivió. Su primera esposa no tuvo la misma suerte Y murió en un bombardeo en Londrés"


" El nombre de Death in June surgió tras unas palabras dichas por un colega ( Patrick Leagas) palabras que entendí erroneamente como Death in June durante unas sesiones de grabación en 1981. Una interpretación común es que hace referencia al asesinato del archiduque Fernando en Sarajevo en 1914, ni esta ni otras afirmaciones tienen nada que ver con el nombre del grupo!!"


" D.I.J siempre a estado fascinado por los símbolos y sus efectos, así como el título But whats end when the symbols shatter? ( Pero en que terminará, cuando se destruyan los símbolos?) El Totenkopf 6 es una traducción visual del nombre, la calavera y el número 6 (sexto mes) Muerte en Junio. En 1984 un puño sujetando un látigo, hizo más extensiva la simbología de D.I.J, Los ingleses usamos la expresión "to hold the whiphand" que significa tener el control, así como en 1997 D.I.J realizó el álbum Take care and control . Es así como todo está conectado, todo es simbólico, todo está colocado de una manera contradictoria y eso es importante en el mundo de D.I.J

Acerca del album Rose clouds of holocaust:

"Este trabajo fué inspirado por mis visitas a Islandia en mitad de invierno y mitad de verano, donde los días durante esas epocas del año son de una atmósfera crepuscular; nunca totálmente claro, nunca totálmente oscuro. Esta experiencia fué una epifanía espiritual para mi durante los años 1989/1990. La palabra Holocausto, es griega; significa ofrenda (normalmente de un tipo religioso), e Islandia está llena de volcanes apagados como volcanes activos; es así como el paisaje volcánico es el holocausto en cuestión; simbolizando muerte y renacimiento. absolutamente nada que ver con la persecusión y exterminio de Judios, homosexuales o gitanos por los Alemanes durante los años del III Reich

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The Cure : Paris


Paris es el tercer álbum en vivo por la banda Británica de Rock Alternativo The Cure. Fue lanzado en 1993.

La grabación se produjo en la parte europea del Wish Tour, gira promocional del álbum Wish, realizada en 1992.

El álbum se lanzó al mismo tiempo que Show, álbum también grabado durante el Wish Tour, pero en conciertos americanos.

A diferencia de este último, Paris contiene un mayor número de canciones de culto del grupo y en compensación no contiene tantos singles.



Cd 1 : http://rapidshare.com/files/92901206/1996-11-06_paris.rar
Cd 2 : http://rapidshare.com/files/92901807/PARISCD2.rar

Catherine Wheel: Ferment


Catherine Wheel no es el nombre de una cantante, sino el de una banda británica masculina de Shoegazing, ese género musical caracetrizado por sus capas de distorsiones de guitarras, pero buscando la armonía y la suave melodiosidad. En este sentido, Catherine Wheel es parte de un movimiento compuesto también por bandas como Ride, My Bloody Valentine y Slowdive.


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pj harvey & john parish-1996 : dance hall at louse point


En la explosión de bandas de rock alternativas a principio de la década de los 90, existieron muchas figuras femeninas, cantantes y compositoras, que alcanzaron gran notoriedad. Entre ellas se encontraba PJ (Polly Jean) Harvey, con su rock crudo, directo y visceral. Con sus primeros álbumes demostró ser una de las más influyentes compositoras de canciones de la década noventera, con letras que exploran temáticas como el sexo, el amor, la religión, el humor negro y la sensibilidad en la femeneidad.

Polly Jean se crió en una granja en Yeovil, Inglaterra y a muy temprana edad aprendió a tocar el saxo y la guitarra. En la adolescencia participó en varias agrupaciones hasta 1991, año en que formó su propio grupo, P.J. Harvey, junto al bajista Steve Vaughn y el baterista Robert Ellis. Al poco tiempo, consiguieron un contrato con el sello independiente Too Pure, grabando el single ‘Dress’. El tema obtuvo una buena respuesta dentro del rock indie local y el segundo sencillo, ‘Sheela-Na-Gig’, recibió excelentes críticas de la prensa musical inglesa. Además, PJ, con su actitud agresiva a lo "femme fatale", cambió el concepto tradicional del erotismo femenino delicado y suave.


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Tindersticks: Waiting for the moon


El grupo nació en 1991 depués de la disolución de la banda Asphalt Ribbons, de la que formaban parte Staples, Boulter y Hinchcliffe. Al año siguiente comenzaron a grabar algunas maquetas y firmaron su primer contrato discográfico con la compañía Tippy Toe Records, donde editaron su primer single titulado Patchwork.

Sus dos primeros álbumes editados bajo los títulos de Tindersticks I (1993) y Tindersticks II (1995) eran ya una muestra de su característico sonido y ambos recibieron una espléndida acogida por parte de la crítica especializada. Durante esta época sus directos a menudo estaban apoyados por una sección de cuerda y en ocasiones por una orquesta completa, como se puede comprobar en el disco grabado en vivo The Bloomsbury Theatre 12.3.95. Con su tercer disco, Curtains (1997), no cumplieron las expectativas puestas en ellos tras sus dos primeros álbumes, la mayoría de los temas no alcanzaban la calidad anterior, siendo muy significativa su canción Ballad of Tindesticks, que exponía las presiones a las que están sometidos durante las giras.

Su cuarto álbum, llamado acertadamente Simple Pleasure (1999) fue una colección de canciones rápidas y directas inspiradas en la música soul. Los coros femeninos en muchas de las canciones del disco y la respetuosa versión del tema If You're Looking For A Way Out, del grupo de música disco Oddissey, mostraban la intención de la banda de moverse hacia terrenos más ligeros. A pesar de esta apariencia de sencillez, la información que del libreto del disco acerca del número de tomas que se necesitaron para grabar cada tema, evidenciaban que el grupo seguía siendo escrupulosamente cuidadoso en la grabación de sus canciones.

El siguiente disco Can Our Love... (2001) siguió el camino hacia el soul iniciado por su predecesor, especialmente notorio en la balada Sweet Release y en la referencia al grupo de soul Chi-Lites en el título de Chilitetime.

Para su sexto álbum, titulado Waiting For The Moon (2003) se decantaron por un sonido más desnudo e introspectivo, especialmente en Sometimes it Hurts y en 4:48 Psychosis, canción basada en la obra teatral del mismo título de la autora británica Sarah Kane. El tema Just a Dog fue el único que aligeró el tono serio y melancólico del álbum.

En 2005 Stuart A. Staples emprendió su carrera en solitario, que dio pie a rumores acerca de la disolución del grupo. Staples ha editado hasta la fecha dos álbumes, Lucky Dog Recordings 03-04 (2005), con canciones que el cantante había grabado durante los dos años anteriores, y Leaving Songs (2006). El título de este último disco, las declaraciones de Staples y las notas de su libreto indican que actualmente Tindersticks pueden estar cerca de su separación:

Estas canciones tratan sobre abandonar las cosas que he querido y dar el primer paso en una vida nueva y desconocida, tanto musical como personalmente. Siempre he sido consciente de que estas canciones eran el final de algo, una forma de cerrar un círculo que yo mismo comencé hace mucho tiempo con mi forma de escribir y que sabía que tenía que tenía que dejar atrás.

En 2006 el grupo ofreció un único concierto en el Barbican Centre de Londres, como parte de los conciertos denominados Don't Look Back, en el que un grupo interpreta completo su disco más significativo. En el caso de Tindersticks tocaron su segundo álbum con una sección de cuerda integrada por nueve músicos, y otra de viento que incluía a Terry Edwards a la trompeta, antiguo colaborador del grupo. En julio de 2007, Island Records editó una recopilación doble donde se recogían todas las sesiones grabadas por el grupo para la BBC.

Desde su último disco no ha habido ningún anuncio oficial que haga pensar en un reagrupamiento de la banda. Sin embargo, el batería del grupo de acompañamiento de Stuart A. Staples ha anunciado en su página web que en junio de 2007 han comenzado en Francia la grabación de un disco, que probablemente será publicado bajo el nombre de Tindersticks.


Discografía [editar]
Álbumes de estudio [editar]Tindersticks I (This Way Up, 1993)
Tindersticks II (This Way Up, 1995)
Curtains (This Way Up, 1997)
Simple Pleasure (Island, 1999)
Can Our Love… (Beggar's Banquet, 2001)
Waiting for the Moon (Beggar's Banquet, 2003)

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Tindersticks: Curtains


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Tindersticks: Can our love



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Blur : Blur


Blur es un grupo de Rock, Britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista / tecladista Damon Albarn, el guitarrista / vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en uno de las bandas más grandes en el Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.

Las influencias originales de Blur están en su álbum debut, Leisure, incluyendo tendencias de Rock alternativo británico contemporáneo tales como Madchester y Shoegazing. Después de un cambio de estilo a mediados de 1990, bajo la influencia de grupos de guitarra ingleses como The Kinks, The Beatles, y XTC, la banda lanzó Modern Life Is Rubbish, Parklife y The Great Escape. Como resultado, la banda ayudó a popularizar el género Britpop y logró una masiva popularidad en el Reino Unido, con la ayuda de un famoso cuadro de batalla con sus rivales Britpop Oasis.


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sábado 16 de febrero de 2008

the Depreciation Guild : In her Gentle Jaws


Sencillamente, dos tíos con talento que han escuchado TODO lo que se podía escuchar del género shoegaze y lo han asimilado, renovado y sintetizado digitalmente para generar un disco brillante.

Las guitarras mutan de la distorsión más puramente The Jesus and Mary Chain a los acordes etéreos de Cocteau Twins varias veces en cada tema, creando contrastes salvajes. La base rítmica (bajo y batería) es el chip de sonido de una videoconsola NES programado con maestría. La suma de todo es un sonido alienígena, intenso y caótico lo suficientemente familiar como para identificar cada tema tras una sola escucha, y tan original que creo que no podría confundirlos con ningún otro grupo (quizá lo que más se acerca es la primera etapa de M83).

Hay dos épocas de mi vida adolescente que recuerdo con cariño: una me la pasé enganchado a los videojuegos, temiendo por mi vida en entornos pixelados mientras los altavoces escupían chiptune y chillidos electrónicos. Otra, encerrado en casas de amigos escuchando en bucle el catálogo de 4AD. In Her Gentle Jaws es la celebración de todo eso en diez canciones de 4 minutos.
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Ecstasy of Saint Theresa : Susurrate


Jan P. Muchow (nacido en 1971 en la entonces Alemania del Este) graduado por la escuela vocacional de secundaria de ingeniería industrial, continuando en la Universidad de Economía en Praga, saliendo después de un año. Entonces jugó profesionalmente al fútbol durante diez años. En 1991 fundó una banda llamada Ecstasy of St. Theresa, habiendo publicado cuatro álbums, cuatro recopilatorios y un DVD. Ecstasy of St. Theresa busca producir su propia expresión y sonido, participando en formar y desarrollando la escena de la música alternativa en la República Checa. Como una de las pocas bandas checas, Ecstasy of St. Theresa ha hecho giras por el extranjero, incluso estando en las listas independientes británicas. En 1996, el director de cine David Ondricek pidió a Jan P. Muchow componer la música para su película Whisper y para interpretar el papel principal masculino. Jan P. Muchow ha compuesto música para otras películas de Ondricek: Loners (2000), a One Hand Can’t Clap (2003). También fue el autor de música para interpretaciones en el Teatro de Comedia (Sueño de una noche de verano, 2000). Actualmente también trabaja como disk jockey, director y productor de video-clips y aparece como invitado en álbums de otras bandas y cantantes..

Recomendado si te gusta : MBV, Ride , Slowdive, Pale Saints , etc


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The Lemonheads : It´s a shame about Ray



The Lemonheads fue originalmente formado por Evan Dando y Ben Deily, mientras estaban en la secundaria de Commonwealth en Boston, Massachusetts, E.E.U.U., cerca de 1986. Durante esta etapa jugaronn con elementos Punk, y eran conocidos con el nombre de "Whelps", hasta que un cambiaron el nombre a el actual Lemonheads, nombrado por un caramelo que probo Dando y que según el era dulce adentro y agrio por afuera.

Dando se inscribió en la universidad de Skidmore, pero no podía tener buenas calificaciones así que la dejo y siguió su carrera como músico. Habiendo firmado con "Taang! Records", The Lemonheads lanzaron "Hate Your Friends", "Creator" y "Lick". Luego, Ben Deily abandona la banda. Dando, entonces, llamo a David Ryan para que tocara la batería y firmo con una marca más conocida, "Atlantic Records", que fue la que produjo su cuarto álbum, "Lovey", en 1990; mezclando Punk, Rock, Country, y Metal. Este álbum no tuvo muchas ventas (se vendieron cerca de 30.000 copias).


Durante 1992 y 1996 [editar]Dando olvido todos sus fracasos y voló a Australia para escribir algunas canciones con NIC Dalton y Tom Morgan. Estas canciones fueron la base para el álbum " It's a Shame About Ray". El cover de la canción Mrs. Robinson (de Paul Simon) le dio a Lemonheads mucha más fama de la que tenían. Aparte este cover fue usado para formar parte de la banda sonora de la famosa película "El mundo Según Wayne 2". Durante 1992-1993, la cara de Dando ya estaba en las tapas de las más famosas revistas.

La banda se retituló oficialmente de “Lemonheads” a “ The Lemonheads” antes del lanzamiento del esperado Lp " Come on Feel the Lemonheads". Un gran salto de la banda fue cuando lanzaron el álbum "Come on Feel the Lemonheads", en 1993. El álbum fue un gran éxito, con temas como "Style", "The Jello Fund" y el gran hit "Into Your Arms".

Entrando en 1994, The Lemonhead se fue de gira; y en algunas de sus presentaciones aparecieron como artistas invitados sus amigos de Oasis. Luego, vinieron problemas para The Lemonheads, ya que en un entrevista Dando adimitió que estaba teniendo problemas con la droga.

En 1996, Dando y los reformados Lemonheads, junto con algunos viejos amigos, Juan Strohm y Murph (ex Dinosaurio Jr) producen un nuevo álbum "Car Button Cloth". Mientras graban algunos temas en guitarra como "If I Could Talk I'd Tell You", "Break Me" y "Losing Your Mind".


1998-2004 [editar]Nuevamente, a través de "Atlantic Records", lanzan el álbum The Best of the Lemonheads: The Atlantic Years que solo sirve para incrementar aun más los rumores de una posible separación. Durante 1998 y 2004, Evan Dando hizo viajes como solista, interpretando las canciones de la banda, pero nunca habló de una posible reunion. Durante este tiempo Evan lanzó un álbum grabado en vivo en el teatro de Brattle en el 2001, y un álbum a solas en el 2003, titulado "Baby I'm Bored". Después del lanzamiento del álbum él realizó sus nuevas canciones en distintas partes del mundo.


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Mephisto Waltz : Eternal Deep



Mephisto Waltz, es una banda formada por los 80’ bajo Barry Galvin, conocido como Bari-Bari quien fue guitarrista de Christian Death y Shadow Project, Johann Schuman, bajo, David Glass, batería y su vocalista Cristiana.



Con un sonido etéreo de corte Rock-Gótico, les dejo esta banda y un video para que se hagan una idea.

http://youtube.com/watch?v=X3cLUrnbqzU

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LowLife : Scanone EP


Lowlife es una de esas bandas de los 80 con una calidad fuera de toda duda pero que nunca ha tenido el reconocimiento que se merecen. Bien es cierto que sus últimos trabajos no estaban a la altura de sus discos anteriores, pero es que el material que editaron entre el 85-87 era simplemente increíble. Verdaderas obras maestras del pop oscuro y melancólico, llenas de tristeza incluso en sus momentos más “alegres”; temas en los que la belleza resultaba tan excesiva que llegaba a resultar asfixiante y dolorosa en muchas ocasiones.

Lowlife surgió de las cenizas de una formación de influencias psychobilly, Dead Neighbours. Tras un minilp, el bajista abandonó la banda, lo que provocó que Will Heggie se incorporase al grupo poco después de dejar Cocteau Twins (con los que grabó 'Garlands' y los dos siguientes eps). Posteriormente Ronnie Buchanan (guitarra) se marchó y dio paso a Stuart Everest. Fue entonces cuando vieron que su música estaba cambiando, lo que hacía necesario un nuevo nombre, y decidieron tomarlo de una canción de PIL, ‘Lowlife’. Con estos antecedentes, no es de extrañar que en la música de Lowlife se encuentren presentes guitarras llenas de distorsión y melodías de bajo incesantes. A ésto hay que unirle una de las mejores voces que jamás haya oido, y es que C.Lorengston tiene una capacidad fuera de lo común para transmitir tristeza, melancolía y belleza, que se ve reforzada por unas magníficas letras.

Este cd incluye sus dos primeros trabajos, ‘Rain’ (1985) y ‘Permanent sleep’ (1986). Aunque en el disco están colocados en orden inversos, empezaremos por ‘Rain (temas 9-14), primer ep de la banda que pese a no poseer la calidad de trabajos posteriores, resulta bastante interesante. Probablemente sea el disco más pop y menos oscuro de su primera etapa, con unas guitarras mucho menos densas que las de futuros trabajos y unos bajos menos contundentes. De todas formas contiene algunas canciones maravillosas como ‘Sometime something’ donde Craig da muestras de su prodigiosa voz desde las primeras notas, ‘Sense of fondness’ algo más contundente y con una batería llena de fuerza y ‘Again and again’ con un sonido mucho más próximo a los mejores Lowlife, gracias a un bajo realmente increíble, unas guitarras que forman auténticos frontones sonoros y una voz cargada de sufrimiento.

Aunque no había transcurrido demasiado tiempo desde que publicaron ‘Rain’, ’Permanent sleep’ (temas 1-8) nos trae a unos Lowlife con las ideas mucho más claras y un sonido mucho más personal y desolador, donde el pop cada vez va resulta más etereo. ‘Coward`s way’ deja a Craig y al bajo como protagonistas absolutos, mientras que las guitarras juegan un papel secundario pero muy importante. En ‘As it happens’, el bajo sigue resultando fundamental y las guitarras vuelven a escena desatando auténticas tormentas de sensibilidad y belleza en estado puro. Si a ésto le añadimos la voz y las letras de Lorengston, obtenemos una verdadera joya. A continuación ‘Mother tongue’, con una rítmica cercana al vals y una atmósfera algo menos recargada. ‘Wild swan’ resulta menos oscuro que los temas anteriores, debido al sonido cristalino de las guitarras y a un bajo menos contundente. ‘Permanent sleep’ presenta un desarrollo instrumental algo diferente, que le hace resultar más suave y luminoso que el resto de los temas. En ‘A year past july’ las guitarras vuelven a sonar mucho más densas, aunque sigue sonando bastante tranquilo. ‘The betting and gamming act 1964’ sorprende en su comienzo por el uso de unas distorsiones en la línea de bandas como Mephisto Walz o Faith and the Muse creando de esta forma una atmósfera bastante oscura, que contrasta con unos bellos solos de bajo. ‘Do we party’ es un tema perfecto para cerrar el disco. Es sosegado, no posee cambios bruscos y la voz resulta casi ambiental. Por último, como bonus se incluye ‘From side to side’ canción que apareció en el ‘Vain delights’ de la que poco podemos decir, sencillamente una verdadera obra de arte.

La música de Lowlife es una música muy visiual, ya que muchas imágenes nos asaltan al escuchar sus temas. Poseé elementos de los primeros Cocteau Twins, los Chameleons e incluso recuerdan vagamente a los Smiths en ciertos aspectos, pero su sonido es único. Oscuros, tristes, melancólicos, aunque siempre con una puerta abierta a la esperanza , nos muestran hasta donde se puede llegar en el pop. Su belleza hace que resulte prácticamente imposible escuchar su música y permanecer impasible.






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Sonic Youth : Murray Street


Sonic Youth se formó en 1981 con una formación que incluía a Thurston Moore en guitarra y voz, a Kim Gordon en bajo, a Anna DeMarinis en teclados y a Richard Edson en batería. Rápidamente DeMarinis dejó de formar parte de la banda y se unió Lee Ranaldo, que permanece hasta hoy en el grupo y habitualmente se cree que formaba parte de la primer formación aunque no es así. Moore, Ranaldo y Gordon habían formado parte de otras bandas de corta duración en la escena neoyorkina como los Arcadians y Plus Instruments y todos ellos habían tocado con Glenn Branca. Kim Gordon y Thurston Moore eran novios y más tarde se casaron .

Existen varias versiones sobre las razones del nombre de la banda. Una es que el nombre es una combinación de los nombres de Fred «Sonic» Smith de la banda de Detroit MC5 y del músico de reggae Big Youth. Otra versión dice que surgió como una burla a la gran cantidad de bandas con la palabra youth en sus nombres en la escena de Nueva York de principios de los Años 1980. Esta versión se vería respaldada por una versión del afiche del primer show de la banda en el que aparecían con el nombre de Fucking Youth [1].


Primeros años: 1982-1985 [editar]El primer álbum, llamado Sonic Youth (1982), es austero y reservado, con grandes deudas a Branca. En él la banda comenzó a usar una variedad de acordes alternativos y poco comunes nunca antes vista en la historia del rock. Una de las razones de estos acordes, según el escritor Michael Azerrad, fue que sólo podían pagar guitarras baratas y usando esos acordes y tocándolos con cosas como baquetas de batería colocados bajo las cuerdas, conseguían sonidos que disimulaban que las guitarras sonaban mal por ser baratas.

Después del primer disco Edson dejó a la banda para seguir una carrera como actor y fue reemplazado por Bob Bert. El primer larga duración de la banda, Confusion Is Sex, fue editado en 1983 y es un álbum agresivo que lleva el ruido en una dirección que la banda nunca volvería a explorar luego de su siguiente lanzamiento, el EP Kill Yr Idols (1983) que continúa la misma línea noise. Estos discos suelen dividir tanto a los fans como a los críticos.

Bert fue despedido luego de una gira europea y reemplazado por Jim Sclavunos, quien renunció luego de unos pocos meses. La banda le pidió a Bert que vuelva y él aceptó bajo la condición de que no lo volvieran a despedir. Sonic Youth comenzó a incorporar gradualmente elementos de música pop pero manteniendo un sonido altamente experimental. Bad Moon Rising (1984) es un disco levemente conceptual, cuyas canciones tratan en su totalidad sobre violencia y locura con un sonido lógicamente claustrofóbico. Casi no existe separación entre las canciones, las cuales están llenas de ritmos pulsante y paredes de acople. La cantante Lydia Lunch participa de un dueto con Thurston Moore en la canción Death Valley '69 inspirada por los asesinatos del clan Manson. Mientras que el disco fue ignorado incluso por la prensa de Nueva York, tildándolo de demasiado pretencioso, en el Reino Unido fue aclamado por la crítica, vendiendo 5.000 copias en seis meses.

Insatisfecho con la falta de éxito comercial de la banda, Bert renunció y fue reemplazado por Steve Shelley, ex miembro de Crucifucks. Shelley era un batería técnicamente superior a los anteriores y además representaba un vínculo entre la banda y su interés por el hardcore.


SST y Enigma: 1986-1989 [editar]Sonic Youth había tenido fascinación por el influyente sello independiente SST Records. A principios de 1986 entraron en SST, publicando ese mismo año su primer álbum con este sello, EVOL, también el primero con Steve Shelley a la batería. En este disco aparece por primera vez una canción compuesta y cantada por Lee Ranaldo (In The Kingdom #19) y varias de las canciones están más cerca del pop que en los discos anteriores. La firma con SST catapultó a la banda a la escena nacional norteamericana, cosa que no había sucedido con sus anteriores discos.


Moonlander, guitarra especial fabricada por Yuri Landman para Lee RanaldoLa banda continuó refinando esa mezcla de experimentalismo con estructuras pop en su siguiente disco, Sister (1987). Levemente conceptual, el disco está inspirado en la obra del escritor de ciencia ficción Philip K. Dick y el título («hermana» en castellano) del disco es una referencia a la melliza de Dick muerta poco después de su nacimiento. Este álbum fue aclamado por la crítica y aún es considerado como uno de los mejores de la banda. Varias de sus canciones se convirtieron en clásicos que la banda sigue tocando en sus conciertos hasta hoy en día, como Schizophrenia y White Kross El disco vendió 60.000 copias y recibió críticas muy positivas.

El grupo, sin embargo, estaba muy insatisfecha con la discrográfica SST, debido a conflictos con los pagos y otros problemas adminstrativos (problemas que tuvieron también otras bandas de SST), de forma de decidieron publicar su siguiente disco, Daydream Nation (1988), con Enigma Records, que sería distribuido por Capitol Records. Con la edición de este álbum doble, Sonic Youth finalmente fue aclamado unánimemente por la crítica. El disco se convirtió en un clásico indie instantáneo mientras canciones como Teenage Riot, Silver Rocket y Eric's Trip serían verdaderos himnos de la banda. Daydream Nation fue considerado uno de los mejores discos de la década por diversos medios como Rolling Stone, Spin Magazine y Pitchfork (esta última lo eligió como el mejor disco de los 80). Sin embargo, surgieron problemas durante la distibución de Daydream Nation, por lo que a veces era difícil de encontrar el disco en las tiendas. Esto motivo que Sonic Youth buscara un sello de mayor importancia.


Geffen, iconos alternativos: 1990-Presente [editar]Manteniendo un sentido de dignidad propia y autenticidad, Sonic Youth ha conseguido mantenerse financieramente viables además de convertirse en un grupo muy influyente en la escena de la música alternativa. Tuvieron, por ejemplo, un papel importante en el despegue del grunge, cuando en su gira de 1991 eran acompañados por un entonces relativamente desconocido grupo Nirvana, como se recoge en el vídeo 1991: The Year Punk Broke.


Thurston Moore durante un concierto de Sonic Youth en Países BajosEn 1990 editan Goo, el primer disco con la multinacional Geffen Records. En ese disco se encuentra Kool thing, colaboración entre Sonic Youth y el grupo de rap Public Enemy, dónde Chuck D pone su voz.

Dirty, su siguiente álbum, fue editado en 1992. Para el vídeo de la canción 100% del disco contaron con el después aclamado director de vídeos de skate Spike Jonze, junto con Jason Lee como skateboarder. En esta canción, junto a JC, se hace referencia al asesinato de Joe Cole, amigo de la banda que trabajaba en el equipo técnico del grupo. El disco tiene en su portada y en su interior fotografías de trabajos del artista de Los Angeles Mike Kelley.

Coco Hayley Gordon Moore, hija de Thurston y Kim, nació en 1994, el año en que se publicó Experimental Jet Set, Trash and No Star. Es, posiblemente, uno de los discos más aventureros, aunque no lo aparenta a simple vista. Muchas de las canciones de este disco nunca han sido tocadas en directo debido a que el embarazo de Kim impidió realizara una gira completa presentando el disco.

Desde lo spirmeros días de Sonic Youth, Kim Gordon había tocado ocasionalmente la guitarra. Por esta época comenzó a tocarla con más frecuencia, de forma que finalmente en el siguiente disco del grupo, Washing Machine (1995), la formación era de batería y tres guitarras. El álbum supuso un gran cambio en el sonido de la banda, que se alejaba de sus raíces más punk y se acercaba a composiciones de mayor duración y menos contundencia, auqnue no por ello más fáciles, como atestiguan el propio tema que da nombre al disco, Wasing Machine, y el cierre del disco, The Diamond Sea, una aparente balada que se convierte en un mar de distorsión de casi 20 minutos de duración. Destaca la participación de la bajista de Pixies, Kim Deal en los coros de la canción Little Trouble Girl. Por aquella época también murió el cantante de Nirvana, Kurt Cobain, quien tenía una estrecha relación con la banda. El tema Junkie's promise, de Lee Ranaldo, hace referencia a un personaje en parte inspirado por Cobain [sin referencias].

Posteriormente apareció A Thousand Leaves en (1998), un disco con sonidos más vanguardistas y marcado por pasajes instrumentales que aún así siguen una línea pop, claro ejemplo de esto es el single Sunday que estuvo acompañado de un video clip en el que aparece Macaulay Culkin. Es de resaltar la producción del sonido del disco y especialmente de las voces, claramente diferente a todos los discos anteriores.

El 4 de Julio de 1999, durante una gira en Orange, California, su camioneta fue robada por la noche con todas sus guitarras, amplificadores y demás aparatos[1] . Obligados a comenzar de nuevo, grabaron su siguente disco, NYC Ghosts & Flowers (2000).

En el verano de 2002 publican Murray Street; la crítica habló de «el retorno de Sonic Youth», en parte revitalizados por la unión de Jim O'Rourke al grupo como miembro permanente. Le sigue Sonic Nurse (2004), y Rather Ripped (2006). Comparado con el resto de discos de Sonic Youth, este último presenta canciones más cortas, más melódicas y de estructura más convencional; si bien la vertiente más experimental del grupo queda ampliamente cubierta con la serie de EP experimentales SYR.

En Julio de 2007 se publica una noticia que sorprende a fans y aficionados al grupo: se publicará en los meses posteriores un disco con el gigante Starbucks[2] [3] . La noticia provoca grandes discusiones de sus fans de los foros y comentarios de traición de un grupo tradicionalmente asociado a actitudes antisistema.


Miembros [editar]
Miembros actuales [editar]Thurston Moore - voz, guitarra
Lee Ranaldo - voz, guitarra
Kim Gordon - voz, bajo, guitarra
Steve Shelley - batería

Otros miembros [editar]Anna DeMarinis - voz, teclado
Bob Bert - batería
Richard Edson - batería
Jim Sclavunos - batería
Jim O'Rourke - bajo, guitarra, sintetizador

Discografía [editar]
Álbumes [editar]Sonic Youth (Neutral, 1983)
Confusion Is Sex (Neutral, 1983)
Sonic Death (Ecstatic Peace, 1984)
Bad Moon Rising (Homestead, 1985)
EVOL (SST, 1986)
Sister (SST, 1987)
The Whitey Album (Enigma/Blast First, 1988, como Ciccone Youth,
con Mike Watt, J Mascis y Suzanne Sasic)
Daydream Nation (Enigma/Blast First, 1988)
Goo (DGC, 1990)
Dirty (DGC, 1992)
Experimental Jet Set, Trash and No Star (DGC, 1994)
Washing Machine (DGC, 1995)
A Thousand Leaves (DGC, 1998)
SYR4: Goodbye 20th Century (SYR, 1999)
NYC Ghosts & Flowers (DGC, 2000)
Murray Street (DGC, 2002)
Sonic Nurse (DGC, 2004)
Rather Ripped (DGC, 2006)

Directos y recopilaciones [editar]Sonic Death (Directo, Ecstatic Peace, 1984)
Hold That Tiger (Directo, Goofin', 1991)
Live at the Continental Club (Directo, Sonic Death, 1992)
Live in Venlo (Directo, Sonic Death, 1995)
Screaming Fields of Sonic Love (Recopilatorio, DGC, 1995)
Made in USA (Banda sonora, Rhino, 1995)
The Destroyed Room: B-sides and Rarities (Recopilatorio, 2006
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sONIC yOUTH : NYC Ghosts and Flowers


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sONIC yOUTH ;:nURSE


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Sonic Youth : SYR4 Goodbye 20th Century


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Sonic Youth : Dirty


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Sonic Youth : Dirty Boots Ep


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Sonic Youth : Experimental Jet Set Trash and no Star


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Free Kitten : Unboxen 1994


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Sonic Youth : Goo


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domingo 10 de febrero de 2008

Thuston_Moore: Psychic_Hearts


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Sonic Youth:wASHING Machine


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Sonic Youth : Sonic Death


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sONIC yOUTH : SIster


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Sonic Youth : Made in USA


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Lee Ranaldo: Form here to Infinity


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Sonic Youth: Evol


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Sonic Youth :Daydream Nation


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Sonic Youth: Confusion is sex


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CIccone Youth: The Whitey Album


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Sonic Youth: Bad Moon Rising


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Sonic Youth : 1st LP


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PANICO:RAYO AL OJO


Pánico comienza en Francia, donde se conocen Carolina y Eduardo. Luego de pasar por bandas como La Meta al Cielo y Bolero Boys, se vienen a Chile y reclutan a Esteban "Juanito Zapatillas" y a Sebastian "Tatán Cavernícola" para armar el nuevo proyecto PÁNICO.

Desde un comienzo marcaron una importante presencia en el medio chileno, con una puesta de escena muy lúdica y entretenida que poco a poco fue ganando fanáticos, conocidos como chicos y chicas pánico y, además, por la independencia, un punto muy importante en el desarrollo de la banda y un ejemplo para las demás.

El primer disco que editan es el ya mítico Bruce Lee, que deja clásicos como Fútbol, Yendo al Hipermercado y No me Digas Que No, Si Quieres Decir Que Si. También marcaron un hito sus presentaciones, donde el punk rock y la irreverencia eran parte de un cóctel intenso, en que hasta el público era invitado a participar.

Tras editar el disco Canciones para aprender a cantar -colección de sonidos low fi y canciones que se transformarían en clásicos, como Las Cosas Van Más Lento o El Choclo- viene la etapa EMI. En 1995, EMI decidió reclutar varias bandas del circuito local (como Santos Dumont, Lucybell, Christianes, etc) para mover el mercado de bandas nacionales a punta de promoción, recitales, vídeo clips, etc. Este es el momento en que se edita el disco que -para muchos- es la pieza maestra de los Pánico o, simplemente, su disco favorito. Nos referimos a Pornostar.

Fue con Pornostar que más personas pudieron conocer a los Pánico y su sonido, emparentado claramente con las melodías de Ramones y los bostonianos Pixies. Este disco es casi una ópera rock, con un arte entretenido y con mucha onda, pero lamentablemente no satisfizo las espectativas de EMI. Así, Pánico tuvo que volver a la independencia, no sin antes despacharse un EP de colección: Surfin' Maremoto.


1997 [editar]Ya en completa libertad, la banda se aleja de las tocatas y se nota una mejora progresiva en el sonido en vivo. En esos tiempos Pánico preparaba la placa sólida Rayo Al Ojo, que reúne algunas cosas antiguas y nuevo material mas rockero combinado con el uso de teclados (chow cables).

En esos días, Edi y Carolina se dedicaron a su sello Combo Discos y comienzan a editar otros proyectos musicales, como Mambo Taxi y Holden de Francia, que sin lugar a dudas se ha transformado en un banda de culto. También en este tiempo se edita Pánico Remixes, compuesto nada menos que por versiones de Rayo Al Ojo.


1999 [editar]El 18 de septiembre de 1999, la radio Rock and Pop presenta el nuevo sonido de Pánico, con "Electro Tropical Destroy", toda una apuesta de los siempre vanguardistas Pánico que dejó a sus fans totalmente sorprendidos. Positivamente para la banda, con el pesar de los fans, esto marca el principio del fin de Pánico en tierras chilenas


2001 [editar]Tras firmar contrato con Sony Francia, Pánico realiza un par de tocatas en Santiago, con la fiesta The Clinic Año Nuevo en la cárcel, y se despide de Chile para emigrar a Francia. Desde allí edita Telepatic Sonora, una placa de lujo con invitados de primera línea y un sonido espectacular. Las tocatas siguen en Francia. Hace poco (?????) se editó Ice Cream EP en vinilo y la figura de la banda ha ganado popularidad y respeto en varios sectores.


2005 [editar]Subliminal Kill es lo nuevo de Pánico, disco que ha recibido muy buenas críticas, tanto así que lograron figuración en las mejores revistas musicales y contacto con bandas de la talla de Franz Ferdinand, quienes se consideran Chicos Pánico.

Pánico recorre europa con bastante éxito y se presenta en Benicàssim, uno de los festivales internacionales más importantes.


2006 [editar]2006 marca el regreso de Pánico a Chile, con llenos totales en cada una de sus presentaciones. Editados en Chile por el sello La Oreja, actúan tras una larga espera de los fans "old school", cumpliendo además el sueño de muchos nuevos fans que dejaron atónitos a los músicos ya que se sabían cada una de las canciones. El show más importante fue sin dudas en realizado el 29 de marzo en el Teatro Teletón. Pero el más sólido y emocionante fue el de valparaiso, donde Pánico desplegó todo su poderío, deleitando a los casi 3 mil asistentes que repletaron el "Huevo".


1. mambo shsngai
2. hermanos brothers
3. centro de la menta
4. cosas al reves
5. bate en la mano
6. las cosas van mas lentos
7. rayo directo al ojo
8. viaje al centro de la mente 2
9. bate en la mano
10. no digas cosas al reves
11. bate en la mano
12. bate en la mano 2
13. ramuntcho matta



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domingo 3 de febrero de 2008

Hope Sandoval & the Warm inventions: Bavarian fruit Bread




Hope Sandoval tiene la voz más deliciosa y sensual que haya podido escuchar nunca, y encima escribe canciones buenas, buenísimas, como las de éste "Bavarian Fruit Bread", disco que se ha convertido en los últimos tiempos en uno de mis sedantes favoritos.

Desde luego no sedante en el sentido despectivo de la palabra, sino en el sentido que puede tomar el estado en el que me quedo cada vez que acudo a este disco, totalmente sedado, fascinado, y locamente enamorado de esa voz tras la que asoma una mujer que ha tomado las riendas de su propia banda, eso sí, parece que sin aparcar del todo a los infravalorados Mazzy Star, para demostrar que no es solo eso, una voz bonita. Canciones de folk-pop narcótico, como las maravillosas "Charlotte" (incluida ya en su ep de debut) "Drop", la deliciosa nana acústica "Butterfly Mornings" o cualquiera de los doce temas que componen éste maravilloso "Bavarian Fruit Bread".

Violines y pianos que acompañan a Hope Sandoval mientras no arrulla en su regazo ,mientras nos dice que todo irá bien, que no debemos temer a nada ni a nadie, por lo menos mientras ella esté a nuestro lado susurrándonos este tranquilizante en forma de disco que resulta "Bavarian Fruit Bread", una delicia que pasa sin que apenas te des cuenta, solo recordarás lo mal que estabas antes y lo bien que te sientes ahora que has pasado un rato en compañía de Mrs Sandoval. Una delicia que no causará el más mínimo revuelo mediático pero que para ti sera como un bálsamo milagroso, doce canciones para una misma sensación, placidez.


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Jessica Bailiff: Hour of the Trace


(Kranky, 1999)

Crush es pura emoción shoegaze, con esos teclados suspendidos en el aire. Toska la primera gran canción con la guitarra acústica cómo elemento principal y la voz empezando a sonar más clara, al igual que en Warren y Across the Miles. Aunque siguen dominando los paisajes plagados de capas de ruido (Ater Hours), opresivos (Amnesia) y los experimentos (How our perception...) Jessica demuestra que puede escribir grandes y hermosas canciones.


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Jessica Bailiff :Even in Silence


(Kranky, 1998)

Su disco de debut grabado en el estudio de Low, con Alan cómo productor y la banda al completo colaborando. Todavía hoy es una delicia escuchar la fusión entre las texturas de My Bloody Valentine, el ruido atmosférico de Flying Saucer Attack y las melodías oscuras al ralentí de Low. Overcast, Failing Yesterday y Trust destacan sobre las demás y nos hacían esperar grandes cosas para el futuro.


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Joy Division: the Peel Sessions


El 14 de febrero de 1979 Joy Division toco en la BBC, donde grabaron varios temas para el conocido programa de John Peel -posteriormente sería conocido (y editado) como The 1st Peel Session. Esto les dio bastante publicidad y en marzo de ese mismo año tocaron como teloneros de The Cure en el Marquee de Londres. En abril de 1979 graban Unknown Pleasures, la producción fue de Martin Hannett y el diseño de la tapa lo realizó Peter Saville. Ambos continuarían trabajando con Joy Division y, posteriormente, con New Order. El disco tuvo muy buenas críticas y vendió bien. A pesar del éxito y las ofertas de sellos grandes, Joy Division decidió quedarse en Factory para poder tener control sobre su música. En noviembre de 1979 la Warner Bros. americana les ofreció un millón de dólares para distribuir su disco en Estados Unidos y hacer algunos videos. Nunca respondieron. Su actitud sería similar cuando en mayo de 1980 se repitió la oferta en términos más favorables para la banda.

El 31 de agosto de 1979 reunieron a 1200 personas en el Electric Ballroom, Londres. La mayor audiencia que tuvo la banda. El 15 de septiembre aparecieron en la televisión en el programa Something Else de la BBC -antes habían aparecido un par de veces en Granada TV-. Los violentos movimientos del cantante durante Transmission y She's lost Control impresionaron a la audiencia. Pronto llamarían la atención por otras razones. Curtis sufría de epilepsia y con frecuencia tenía convulsiones, espamos y hasta pérdida del conocimiento. El 26 de noviembre grabaron por segunda vez con John Peel -The 2nd Peel Session-. Una de las canciones era Love will tear us apart que pronto se convirtió en un clásico de la banda y una de las más conocidas canciones "no grabadas" de Inglaterra: hasta el 10 de abril de 1980 en que fue editada como single, solo era posible oírla en los conciertos.

En diciembre iniciaron un breve tour por Europa que se prolongó hasta enero y durante el cual terminó el affaire de Ian con Annick Honore que había empezado un par de meses antes. De este tour es famoso el show en el club Paradiso de Amsterdam. No sólo porque en el tocaron dos sets consecutivos con un total de 17 canciones, sino también por ser otro de los bootlegs más famosos de la banda. En marzo del '80 la revista Sordine Sentimental editó un disco de siete pulgadas llamado Licht Und Blindheit, se editaron 1578 discos numerados sin silencios entre las canciones. Fue una producción de Martin Hannett que incluyó Dead Souls y Atmosphere -otro clásico- que Joy Division había grabado en octubre del año anterior.





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Warsaw : 1977



Inspirados por la presentación de los Sex Pistols en el Manchester Lesser Free Trade Hall, el 20 de julio de 1976, Bernard Sumner (también conocido como Bernard Dicken, Bernard Albrecht y Bernard Albrecht-Dicken) y Peter Hook formaron un grupo junto a su amigo Terry Mason. Sumner compró una guitarra, Hook compró un bajo y Mason un equipo de batería. El grupo puso un anuncio en una tienda de discos de Manchester, reclutando así a Maxi Koch y a Joakin Hail, quienes grababan las voces, y a Ian Curtis como cantante. Treinta meses después formarían una banda llamada The Dadas, la que tendría gran repercusión en toda Europa. Curtis conocía a Sumner, Hook y Mason de presentaciones previas, ya que también estuvo esa noche en el público del concierto de los Sex Pistols junto a esposa, Deborah. Richard Boon y Pete Shelley del grupo Buzzcocks sugirieron el nombre Stiff Kittens para el grupo. Aunque el nombre "Stiff Kittens" apareció en algunos panfletos de presentaciones, al grupo nunca le agradó ni lo aceptó oficialmente.


1977 [editar]Debido a que carecía de confianza en sus capacidades como batería, Mason abandonó el grupo el día anterior a la primera presentación en el Electric Circus, para transformarse en el representante del grupo. Para la ocasión, fue reemplazado por Tony Tabac. Momentos antes de aquella presentación junto a Buzzcocks y a Penetration, el 29 de mayo de 1977, el grupo cambió su nombre a Warsaw. Cinco semanas después, tras seis presentaciones, Tabac fue reemplazado por el batería del grupo punk Panik, Steve Brotherdale. Grabaron The Warsaw Demo el 18 de julio de 1977, cinta que contenía cinco crudas canciones de punk.

Después del demo, Brotherdale fue despedido de una extraña manera: mientras todo el grupo iba en una camioneta, le pidieron que bajara a revisar los neumáticos de las llantas porque se sentían bajas. Al bajar a revisar, el auto aceleró y se fue sin el. Stephen Morris fue contratado como reemplazante de Brotherdale, tras ver un anuncio en la ventana de una tienda de música. Fue contratado en primera instancia puesto que Curtis recordaba haber asistido al mismo colegio que Morris. Curtis era dos años mayor que Morris. En comparación con los baterías anteriores, Morris encajó bien con los tres miembros restantes.

A comienzos de 1978, para evitar la confusión con el grupo de punk de Londres Warsaw Pakt, Warsaw cambió su nombre a Joy Division. Este nombre hace referencia al grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis, representadas en la novela de 1955 de Ka-Tzetnik 135633. Aunque la elección del nombre fue de una manera más reflexiva, que una forma de luchar contra los tabúes, esta elección, junto con la adopción por parte de Sumner del apellido Albrecht acumularon en el grupo una serie de críticas de perceptible insensibilidad. Incluso fueron perseguidos por acusaciones de neonazismo, acusaciones que negaron vigorosamente.

La música y el género musical del grupo se empezó a definir por este periodo. Las sesiones grabadas en diciembre de 1977 comenzaron a sonar de manera considerablemente distinta al sonido producido en The Warsaw Demo.



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Pram: Helium


Cuarteto de Birmingham formado a comienzos de los 90', una de esas extrañas bandas que trastocaron los conceptos del rock independiente (Stereolab, Disco Inferno, Seefeel, Insides, Laika, etc). Dueños de un sonido esquizoide y marciano, usaban teclados moog, percusiones exóticas, ritmos inspirados en el krautrock y una voz alienígena a cargo de Rosie Cukstom. De su dilatada discografía hemos elegido "Helium", uno de sus discos más logrados.
Circo lisérgico.

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viernes 1 de febrero de 2008

The House of Love : Christine EP


Hay retornos que se reciben con cierto temor. Con una mezcla de alegría, expectación y prudencia pones en el reproductor el nuevo disco de alguien a quien habías admirado y que ahora regresa bajo la tradicional incógnita de si cualquier tiempo pasado fue mejor.
THE HOUSE OF LOVE son uno de los grupos más importantes de mi vida; con tal afirmación puedes imaginarte lo molesto que me sentí cuando nos abandonaron hace casi cuatro años. De la misma forma, puedes imaginarte la alegría que tuve al conocer la noticia de que Guy Chadwick, el que fuera principal compositor y voz del grupo británico, reaparecía por fin tras habernos dejado dos veces con la miel en los labios esperando los discos de sus teóricos nuevos proyectos THE MADONNAS y EYEDREAMS, que no cuajaron.
Escribo este artículo tras haber escuchado únicamente su primer CD-Single en solitario, pero cuando tengas este fanzine en tus manos es probable que ya puedas conseguir su primer LP "Lazy, soft and slow". No sé que opinaré cuando escuche este disco, pero de momento el temor se ha desvanecido parcialmente al comprobar que Guy Chadwick parece mantener intacta su capacidad para componer buenas canciones, cosa que queda clara con Wasted in Song la estupenda segunda canción del single que sigue a la no menos destacable This Strength. Eso sí, se percibe un futuro menos eléctrico, con más de Blind que de I Don´t Know Why I Love You; con más de Loneliness in a Gun que de Shine On, un futuro en el que difícilmente encontraremos más Christines, aunque la verdad es que de éstas últimas pocas había ya en los álbumes de THE HOUSE OF LOVE.
Nuestro protagonista, nacido en Hanover en el seno de una familia de militares, pasó su juventud en Londres, ciudad a la que llegó seguramente coincidiendo con la explosión punk. Guy en el 77 tenía unos 21 años, por lo que no es de extrañar que su primer grupo REVERB & BARBED, en el que también estaba Pete Evans (más tarde batería de HOL) tuviera cierto grado punk, un estigma que de alguna forma impregnaría su futura carrera, principalmente en los primeros singles de HOL. La segunda oportunidad en el mundo de la música la gastó con THE KINGDOMS "unos DURAN DURAN sin éxito"; la verdad es que mucho éxito no tuvieron, aunque parece ser que publicaron un single.
Los ochenta son ricos en cambios estilísticos y modas. Los hermanos Reid afilaban sus guitarras y empezaban a cortar con ellas muchos de los mandamientos del pop cuando Guy Chadwick decide formar THE HOUSE OF LOVE junto a su viejo amigo Pete Evans y tres de los músicos que contestaron al anuncio que Guy publicó en el Melody Maker: Chris Groothuizen (bajo), Terry Bickers (guitarra) y Andrea Heukamp (guitarra y voz). Esta es la formación que grabó en el año 1986 las primeras maquetas del grupo que sirvieron para que Alan McGee los fichara para su sello Creation, que en esos momentos daba sus primeros pasos sin imaginarse que pocos años después encontraría un bonito y rico Oasis en su camino. Con Shine On, una de sus mejores canciones e indiscutiblemente de las más pegadizas, se estrenaron en el sello independiente. Tras su siguiente single, el más duro "Real Animal", HOL sorprendieron a público y crítica con Christine, una canción muy "noise" que se acompañaba es éste su tercer single por otras dos maravillas como eran la acústica e inolvidable Loneliness is a Gun y la rítmica The Hill, en la que Andrea aporta su bonita voz en la que es su última aparición como miembro del grupo. Con las cortantes guitarras y la estremecedora llamada a una anónima Christine, un nombre que "simplemente les sonó bien", enamoraron a la independencia musical y a los grandes medios de difusión musical británicos que los definieron como el mejor grupo debutante de 1988. Con Christine HOL se acercaron bastante a otro joven grupo ya mencionado anteriormente, THE JESUS & MARY CHAIN, pero no iría por ahí la cosa en el futuro.
Su primer Lp "The House Of Love" (Creation, 1988) llegó a ser número uno en las listas independientes británicas por lo que no tardaron en ser atrapados por las redes de la multinacional FONTANA, dejando como despedida en el sello que les vio nacer el magnífico y singularmente potente single Destroy the Heart. De todas maneras su salida del mundo independiente no era ninguna renuncia a nada, eran consientes de que su objetivo, como el de todo grupo rock que se precie, era llegar a el máximo número de gente ("aspiramos a ser un grupo rock como los STONES") y una multinacional podía colmar su sed de éxito.
Ya para Fontana publicaron el magnífico álbum llamado "de la mariposa" ya que no tiene título, pero sí una bonita mariposa dibujada en la portada (en algunos lugares aparece como LP "Fontana"). Este disco, que incluye una nueva versión más pop de Shine On, es mi favorito; menos hiriente que el primero, muy regular y con un buen equilibrio entre canciones acústicas como Blind y eléctricas como I Don´t Know Why I Love You. Es un álbum que admite toda esa gama de adjetivos que se han utilizado para definirlos y que van desde potentes a tristes pasando por sensibles o agridulces. Evidentemente son temas llenos de contradicciones entre el amor y la melancolía, entre la cara alegre de la vida y su lado más gris. Me hizo gracia que en una ocasión Guy dijera que HOL gustaba a gente de "personalidad un poco extrema"; creo que tenía cierta razón, que sus admiradores solían ser gente a quien gusta "meterse" en las canciones, y no sólo por las letras "...las letras son muy importantes para mí, puesto que las he compuesto, pero no creo que lo sean para la banda, ni creo que deban serlo para la audiencia (...) mi voz y las letras no hacen más que acompañar a la música". Y es que HOL tuvieron la capacidad de hacer con la típica base de guitarra/bajo/batería un sonido bastante personal con una inteligente búsqueda de acordes y de melodías para transmitir distintas sensaciones, que hacen difícil permanecer indiferente ante la escucha de unos discos repletos de emotivas canciones tanto de ácidos efectos como de relajantes susurros acústicos.
Con el éxito llegaron también los problemas con los guitarristas. Guy graba casi todas las guitarras en los discos, pero dice sentirse inseguro sobre el escenario y necesitar un buen guitarra sobre él; además sus canciones no son tan simples como para tocarse en directo con una sola guitarra. Los problemas con los guitarristas fueron constantes, hasta su último Lp que, como tampoco tuvo gira promocional, no causó conflictos.
"The Spy in the House of Love" (Fontana, 1990) es en mi opinión su disco más flojo, aunque no dejan de ser destacables canciones como Safe, Phone o Love IV, éste último un magnífico tema instrumental que firma Chris Groothuizen en una de las pocas oportunidades que Guy da al resto del grupo para lucirse.
"Babe Rainbow" es su siguiente Lp, otro álbum imprescindible, con temas como Feel o Crush Me que no podrían quedar fuera de un buen recopilatorio del grupo (por cierto, en preparación). La discografía de HOL se cierra con "Audience With the Mind" (Fontana,1993) un disco infravalorado que contiene canciones como la pegadiza Shining On y varias curiosidades: por un lado nos encontramos con una nueva versión mucho más "standard" del Into the Tunnel, un antiguo tema que ya habían grabado de forma sorprendentemente ruidosa y destructiva en una sesión para la BBC publicada en un Maxi que se pudo conseguir en una de sus actuaciones en directo. Por otro lado encontramos también las explosivas aportaciones del bajista Chris Groothuizen que firma dos impetuosos temas algo alejados del típico sonido HOL. Finalmente, este álbum incluye también el tema Call Me, que aparece en la banda sonora original de la película "Faraway so Close" de Wim Wenders. Este disco, del que apenas aparecieron unos singles promocionales en USA, selló la despedida de THE HOUSE OF LOVE.
De pintoresca se podría definir la posterior carrera musical de Chadwick tras la disolución de HOL. Las primeras noticias nos hablaban de un nuevo grupo llamado THE MADONNAS, que hizo su primer concierto en Londres en septiembre de 1994 y que tocó como telonero de un grupo que años antes había hecho lo propio para THE HOUSE OF LOVE, los ahora famosos THE CRANBERRIES. Pero de THE MADONNAS poco más se supo. De pronto un día Guy aparece en Bélgica, donde al parecer tiene familia, con un nuevo proyecto llamado THE EYEDREAMS con el que hace un concierto en Bruselas y promete un disco; pero lo único que graba es una sesión acústica para una radio belga en la que presenta un prometedor tema nuevo titulado también Eyedreams. Pero cuando los que soñábamos éramos nosotros, en este álbum, el proyecto desaparece de nuevo entre la niebla... Y de entre la niebla de Londres vuelve a surgir Guy Chadwick, donde el responsable del magnífico sello independiente Setanta lo convence para que se decida por fin a grabar nuevo material, en esta ocasión en solitario, que parece ser la manera ideal para que las cosas funcionen. De momento tenemos un maxi, con el que nos hemos reencontrado con las fotografías de Suzie Gibbons y con uno de los personajes más importantes del pop británico; y en perspectiva un Lp que incluirá once temas nuevos y una versión del Fall In Love With Me de Iggy Pop, tema que curiosamente y bajo la firma de THE HOUSE OF LOVE aparecía el en recopilarorio "Punkadelia" publicado por el Colectivo Karma para celebrar el 20 aniversario del Punk. Si es que ya te digo que Guy es un personaje curioso; un antiguo punk que sueña con ser un Stone y al que le encanta la calidez de los temas acústicos.



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Polvo : Exploded drawing


Como grupo referente del contrapunto de guitarra, para la historia siempre quedará Television, para mí siempre lo hará Polvo. Sus tres primeros discos forman un ascendente complejo de Rock avanzado y creativo, que comienza en 1992 con el (más que) prometedor “Cro Crane Secret”, ve aumentada la consistencia cualitativa en el arrollador “Today Active Lifestyles” del 93 y termina el ciclo con “Exploded Drawing”. Tres discos de inhumana interacción guitarrera, actitud experimental, y retorcidas e inverosímilmente memorables estrofas en voz de un cantante único y distinguido en su simplicidad.

En “Exploded Drawing” se amplían las texturas de las guitarras, añadiendo otros instrumentos para dar variados toques orientales, y se mantiene la conjunción colectiva, la creatividad detallista y la cualidad de hacer canciones imprevisibles, que pueden dar un giro en cualquier momento.
El miembro de Shellac Bob Weston produce el disco dando claridad a cada detalle, como enseñando con un microscopio cada intrincado sonoro del grupo.
Casi todas canciones del disco son excepcionales y se pueden añadir al exigente canon de lo mejor de Polvo, pero sobresalen “Feathers of Forgiveness”, por ejemplificar la dinámica discontinua del grupo, “In This Life” por ser una introducción llana a su estilo de canción y “When Will You Die for the last Time in My Dreams”, épico cierre de once minutos con un estribillo gritado hasta el éxtasis.

Recomendado: si te gusta Dinosaur Jr , Sonic Youth , etc


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American Music Club : California


Mark Eitzel formó en San Francisco el Club de la Música Americana (o yanqui si os dan reparo las sinécdoques imperialistas) a mediados de los ochenta. Entonces gobernaba en la Casa Blanca Ronald Reagan (antes de los dos Bush y de Clinton), y al bueno de Mark no se le ocurría otra cosa que celebrar los éxitos de la política exterior, los milagros de la economía y el Día de la Patria saboreando la amargura de los licores de alta graduación y la amargura de escribir canciones. Vamos, un exiliado en su país. Entonces lo que se cocía musicalmente en los Estados Unidos entre las clases medias blancas menos patriotas era el sonido duro del hardcore punk, o el garaje punk, o el noise (incluso Mark Eitzel tenía su banda: The Naked Skinnies), que se repartían en sellos independientes como SST (Black Flag, Bad Brains, Hüsker Dü, Sonic Youth, Dinosaur Jr., Descendents, Meat Puppets, Minutemen...), Dischord (Minor Threat y Fugazi), Epitaph (Bad Religion, Circle Jerks...), Touch and Go (Big Black, Jesus Lizard...) o Alternative Tentacles (la casa de Dead Kennedys... como os decía eran poco patriotas)... luego vendrían sellos como Sub Pop, pero eso es otra historia. Junto a estas bandas de hardcore, empezó a desarrollarse otra escena con las miras más puestas en la música popular norteamericana: el folk, el country-rock... lo que en los medios de comunicación se llamó Nuevo Rock Americano. Es en este sonido más Americano (aunque por ello no menos crítico) donde se entiende el nacimiento de American Music Club.


"Lo que intento es contar historias que nadie ha contado, hablar de una américa que la propia América no conoce o no le interesa"


La música de Mark Eitzel sería como la música de unos R.E.M. o unos 10000 Maniacs menos redentores (política o artísticamente los primeros, religiosamente los segundos), o de unos Lemon Heads si Evan Dando fuese calvo, feo y cejijunto, que no lo es, al menos no las tres cosas.

Es decir, intimismo folk y sensibilidad pop (o Neil Young en la cama con John Lennon por ejemplo). Si los chicos furiosos tenían una intención más independiente, divertida, quizá más comprometida... los chicos menos furiosos eran más intimistas, exploraban las turbias relaciones humanas, las del sexo y otros exilios. Los primeros iban más en la línea punk de la autoedición (muchos no, claro), sus portadas eran más divertidas, coloristas, con influencias del cómic más underground, los segundos eran más oscuros, con portadas más artísticas, ya sea con pinturas o con fotografías de paisajes desiertos, desolados, o retratos muy realistas. Si los primeros escupían en la cara del conformismo social con letras muy directas, sonidos sucios, rápidos, distorsiones... los segundos mostraban los residuos de la sociedad enferma a través de radiografías más personales. Podemos explorar junto a Mark Eitzel esa relación negativa con su país, y con nuestro mundo. Sus canciones reflejan el reverso de América, la otra historia como diría Howard Zinn, un espejo oscuro donde reflejarse.


"Canto sobre ser un hombre, sobre grandeza. Intento cantar sobre salvación..."


¿Y quién es Mark Eitzel, pues? ¿Qué es lo que ha hecho este hombre feo, aparte de cantar al alcohol y al desamor, y a nuestras regiones oscuras del alma de la que hablan los poetas y los locos? Pues, este hombre ha hecho un disco (ha hecho más, pero yo quiero hablar de éste) llamado California, grabado en 1988, y con algunas canciones formidables (como "Blue and the Grey Shirt", que narra la historia de un amigo muerto de SIDA, 0 "Western Sky", o "Last Harbor", o "Jenny"), que a mi juicio son más difíciles de encontrar en sus siguientes discos (están "Why Won't You Stay", la que abre el Everclear de 1990, o "Fearless" que abre su disco San Francisco, de 1994... y algunas joyas más repartidas en su discografía en solitario y con American Music Club). ¿Y por qué adoro a Mark Eitzel? Por algunas razones: Porque sabe hablarnos sobre el difícil equilibrio de aceptar la miseria y la grandeza de los seres humanos, porque sabe reírse de sí mismo sin caer en la autocompasión, porque conoce sus límites (artísticos, humanos...) pero esa humildad no le impide ser exigente, y por su amor incondicional hacia la música, tanto la que hacen los demás como la suya propia (ese afán por oír discos y canciones escritas por los demás es algo que valoro entre los que se dedican al oficio de escribir canciones: encontrar su alimento moviéndose en los vertederos del arte, en los pasillos de los prostíbulos por los que transitan los artistas pobres y los hambrientos de arte, en esa zona intermedia de la que se excluyen los engreídos y los serviles imitadores).



No tengo tanta idea de la música pop (en sentido amplio). Bueno, un poco sí, pero no demasiado. Yo creo que hay canciones que duelen hasta hacerte sangrar, que se quedan adheridas al estómago, en las vísceras (eso es Blues, como Billie Holiday, como Camarón, como algunas canciones de Thalia Zedek), hay canciones hechas para que se libere el alma, se libere de nuestra cárcel, ya sea cantando a Dios o al Demonio, al amor o al dolor (eso es Soul, como Marvin Gaye, Nusrat Fateh Ali Khan, como Duke Ellington). Y hay canciones que, en vez de mudanzas del alma, reflejan más bien estaciones. Son anticiclones, más que borracas. Los veranos soleados del pop (como Burt Bacarach, Hüsker Dü, Wilco, Khaled), o los inviernos fríos y crudos del rock; o el hedonismo de mucha música electrónica; o la furia del punk, etc. Lo más difícil de clasificar son esas canciones que reflejan las variaciones del alma. A veces, nuestra alma se nos escapa a oleadas, otras veces descarga aguaceros, o una ligera niebla fugaz, o de días grises o la melancolía de la lluvia de otoño. Y hay días donde el sol no calienta demasiado, donde hace frío, pero estamos abrigados de las miserias del otoño, de los caprichos del alma. Eso es American Music Club.





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The Beatles:Sgt.Pepper's Lonely Hearts club band


No se trata de mi disco favorito de los Beatles y menos está entre mis 5 de todos los tiempos, pero algo hay que reconocerle al Sargento Pimienta. Y es que a pesar de que hayan pasado 40 años no ha perdido nada de vigencia. Es más, me atrevo a decir que podrán pasar 40 más y se seguirá hablando de él.


Quizá mi papá podría escribir un post más sentido sobre este disco. Quizá podría decir lo que sintió la primera vez que lo escuchó y podría contar anécdotas sobre los personajes que aparecen en la carátula. En fin. Creo que mi papá lo podría hacer mejor.

Lamentablemente él ni sabe que existe este blog y ya desde hace mucho ha dejado de escuchar a los Beatles y de vestirse con pantalones campana. Ni siquiera sé si escribe algo (por ahí hasta tiene blog). El lado bueno es que sus vinilos de la época han pasado a mi propiedad. Y parece que nos lo extraña.

Disco concepto. Primer disco moderno. Portada más famosa. Si uno revisa hoy las web podrá toparse con mil adjetivos para el Sargent Pepper. Yo sólo puedo decir que me gusta muchísimo la portada (aunque de niño más). Y que las canciones forman parte ya de mi vida, como aquella música que siempre ha sonado de fondo en una película. Me imagino que a varios les debe pasar eso. Es decir, no me sorprende pero me emociona. Quizá de chico disfrutaba más con Within without you, por aquellos sonidos de la India. Y de más grande con Lucy in the Sky with Diamonds por aquella referencia al LSD.



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The Beatles : Magical Mystery Tour 1967


Let's all get up and dance to a song
That was a hit before your mother was born.
Though she was born a long, long time ago
Your mother should know (Your mother should...)
Your mother should know (...know.)
Sing it again.
Let's all get up and dance to a song
That was a hit before your mother was born.
Though she was born a long, long time ago
Your mother should know (Your mother should...)
Your mother should know (...know.)
Lift up your hearts and sing me a song
That was a hit before your mother was born.
Though she was born a long, long time ago
Your mother should know (Your mother should...)
Your mother should know (Aaaah.)
Your mother should know (Your mother should...)
Your mother should know (Aaaah.)
Sing it again.
Da-da-da-da...
Though she was born a long, long time ago
Your mother should know (Your mother should...)
Your mother should know (Yeah.)
Your mother should know (Your mother should...)
Your mother should know (Yeah.)
Your mother should know (Your mother should...)
Your mother should know (Yeah )

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