viernes 25 de enero de 2008

Low : A Lifetime of Temporary Relief


Diez años de carrera no son fáciles de conseguir, y menos cuando la propuesta musical que se defiende es una de las más singulares que han poblado el panorama musical en la última década. Por este motivo, Alan Sparhawrk, Mimi Parker y Zak Sally celebran este redondo aniversario con una caja formada por tres CDs y un DVD en el que compilan su material más extraño, formado por caras-b y rarezas, así como por aportaciones que los de Duluth han hecho en discos tributo a otros artistas, entre las que habría que mencionar la revisión del clásico de Spacemen 3, "Lord, Can You Hear Me?", muy acorde con el carácter del grupo.

Pero sin duda llaman más la atención la crudeza de las primeras demos del Low grabadas de forma rudimentaria, como la impresionante "Lullaby", o grandes temas olvidados en caras-b, "Because You Stood Still", y ahora recuperados para su disfrute.

A Lifetime Of Temporary Relief se convierte en un valioso documento con el que ponderar la trayectoria de la banda y de paso hacer más corta la espera del advenimiento del nuevo largo de los norteamericanos junto a Dave Fridmann. Hasta entonces, confiamos en Low.


CD1 :
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CD2: http://rapidshare.com/files/86463691/cd2.zip

CD3:
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Mazzy star: Among my Swan


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The Vaselines: The way of The Vaselines


Los VASELINES no causaron en su día el impacto de unos JESUS AND MARY CHAIN ni han tenido la fama de TEENAGE FANCLUB o BELLE AND SEBASTIAN , pero han contribuido junto a ellos y otros muchos a que Escocia sea importante en el mundillo musical. No se puede decir que tuvieran un sonido innovador, aunque si la suficiente personalidad, ni que su influencia haya sido trascendente, pero si podemos decir que sus canciones son muy buenas, buenísimas, y que pocos reunieron un repertorio como el suyo entre el 86 y el 90.

El grupo lo crearon Eugene Kelly y Frances McKee y enseguida se les unieron Charles (batería), hermano de Eugene, y James Seenan (bajo). Dada la escasa repercusión de sus vinilos originales, su disco clásico ha terminado siendo “ The way of The Vaselines :a complete history“ ( Sub Pop, 1992), que reúne los dos singles y el LP que publicaron.

Los dos primeros singles son una bomba. Se reconoce una gran influencia de la VELVET UNDERGROUND y algunos elementos de folk rock y de punk. Sobre todo destacan dos cosas, su capacidad para crear canciones divertidas y pegadizas que no pierden interés por muchas veces que se escuchen, y su falta total de pretensiones y afectación, dando la impresión de que su único objetivo era escapar del aburrimiento y conseguir el mismo efecto en el público. Stephen Pastel fue el productor de esos dos singles que se publicaron en su propia compañía 53 rd &3 rd . Y es que algún elemento compartían con los PASTELS aunque eran mucho más directos, gamberros y festivos.



En el primero de sus singles está “Son of a gun” que es una de sus mejores canciones y todo un clásico del pop construido con cuatro frases mal puestas, una melodía y un estribillo tan simples como buenos y la combinación de las muy efectivas voces de Eugene y Frances (yo en general me quedo con la de él). “Rory rides me raw” es otra gran canción, a pesar de su humor grosero, que abría la vena folky de posteriores composiciones y quizá sea la mejor de todas ellas. “You think you're a man” es la única canción que grabaron no compuesta por Frances y Eugene, se trata de una canción de Divine, personaje que encaja perfectamente con el humor grosero y gamberro de la pareja. Desconozco la original, la de ellos es graciosa aunque se hace pesada por repetitiva al final.

El segundo single es todavía mejor. “Dying for it” y “Teenage superstars” son dos de las mejores muestras de su rock ruidoso y destartalado, la segunda es una debilidad personal que me produce una gran excitación sobre todo cuando gritan al final varias veces la última frase. “Molly's lips” es igualmente divertida, con una graciosa bocina de bicicleta y Frances cantando más que nunca como una inocente colegiala, aunque estos tipos de inocentes no tenían nada. “Jesus wants me for a sunbeam” es mi favorita de los VASELINES. Tiene una viola muy VELVET y es su melodía más triste. ¿Cómo me puede gustar tanto una canción con esta letra (cosa extensible a otras), va en serio o en broma? Pues creo que un poco ambas cosas y por eso no puede dejar de transmitir melancolía.

El LP “ Dum-Dum” (Rough Trade, 1989) puede que no tenga canciones tan impactantes como las de los singles pero es igualmente un gran disco. Me gustan más las canciones festivas y ruidosas, dos gemas pop como “Monsterpussy” y “The day I was a horse” y algunas formidables gamberradas como “Sex sux”, “Oliver twisted” y “Dum Dum”. De entre las más reposadas y folkys destacaría “Slushy”, que puede recordar a unos Sonny and Cher sin ñoñez, y una versión más relajada de “Dying for it” que demuestra que es buena de cualquier forma que la toquen. La única que no me convence es “Lovecraft”.

Cuando salió el LP el grupo ya se había separado. Eugene formó CAPTAIN AMERICAcon los que sacó dos singles. Por problemas legales cambió el nombre por EUGENIUS y con este nombre aparecieron dos discos, “Oomalama” y “Mary Queen of Scots”. Ha sido poco prolífico pero siempre ha escrito buenas canciones, además ha colaborado con THE PASTELS y BMX BANDITS entre otros. Compuso a medias con Evan Dando la joya “If I could talk I'd tell you” que apareció en el irregular “Car Button Cloth” de los LEMONHEADS . Frances formó SUCKLE en el 97 y tras varios singles apareció en el 2000 “Against Nurture” (Chemikal Underground). Los trabajos de ambos son muy recomendables y disfrutables, aunque puedan no ser tan memorables. Recientemente ha aparecido el primer disco de Eugene como solista pero no he tenido oportunidad de escucharlo.



Una última reflexión personal. Las letras del grupo en principio no merecerían mucho comentario, se toman todo a pitorreo, incluso a ellos mismos y sus miserias, pero por lo general no son bromas muy brillantes. En unas pocas canciones el objeto de cachondeo es Jesucristo, nunca me había fijado mucho en esto ni le había dado importancia, pero después de convertirme al cristianismo me he fijado un poco más, lógicamente. A pesar de ello sigo apreciando al grupo igual que de chaval, lo veo sólo como una chiquillada, probablemente fruto de una educación religiosa mal asimilada (o mal enseñada o las dos cosas) y del carácter irreverente de la pareja, nada profundo. Con los buenos disfrutamos todos, ¿no lo hacen los ateos con la Carter Family y Blind Willie Johnson?.



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Bardo Pond /Mogwai : US tour EP


Invitaba el pulso relajado del excelente “Rock Action” a imaginar una velada en reposo, parcialmente distanciada del ultraje noise al que asistimos en su anterior visita barcelonesa. Pero la realidad superó con creces la ficción, nuestra fallida ficción profética. De “Rock Action”, el disco, más bien poco: cuatro temas. De rock action, muchísima: hora y cuarenta en otro mundo. Las sirenas de “Countdown To Armaggedon” y los primeros compases de “Bring The Noise”, Public Enemy siempre en nuestra memoria, avisaron, en forma de intro, de lo que allí estaba a punto de acontecer. La confirmación llegó con el arranque: un “Fear Satan” atiborrado de coherencia y armonía en su dificultosa combinación de ruido, violencia y emoción, pura emoción. Después llegó, sin tiempo para el bajón o el aburrimiento, sin opción al despiste, sin vistazos al reloj, el vendaval, la demostración de que su propuesta está más viva que nunca. Cayó una canción nueva, parte de su primerizo repertorio, las susodichas cuatro canciones de “Rock Action” y, significativa anécdota, sobrevolaron el cancionero de “Come On Die Young”. Derrocharon oleadas de ruido, con los pedales de las guitarras sacando humo, relajaron músculos en los momentos clave (premio gordo para “2 Rights Make 1 Wrong”, con cello incluido) y, repito, armonizaron melodía y agresión, emoción y tensión con tacto de genio. La psicodelia barroca de Bardo Pond, banda telonera del concierto, supo a poco antes de oír las sirenas de Public Enemy; después, con el recuerdo todavía caliente, ardiendo, del concierto de Mogwai, nadie se acordaba de quién les había precedido.

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Love & Rockets : Love & Rockets


Love and Rockets incluye al guitarrista/vocalista Daniel Ash, al bajista/vocalista David J. y al bateria Kevin Haskins, todos miembros de la banda pionera gótica Bauhaus. Sin embargo, la banda no sonaba muy parecida a su primer grupo. Love and Rockets enfatizó los compases de psicodelia y de glam rock que aparecían bajo los oscuros acordes de Bauhaus, agregando elementos de cantautores pop, folk y R&B, así como también letras prepotentes y crípticas. Durante la mayor parte de los últimos años de los 80s, la banda tuvo seguidores de culto, los que resultó en un hit Top Ten en 1989 "So alive". Durante el principio de los 90's la audiencia de la banda comenzó a declinar, aunque todavía conservaban un número de fans leales.
Después de que Bauhaus se separó en 1983, David J. grabó un album solista y colaboró con the Jazz Butcher, mientras Daniel Ash se concentró en un proyecto paralelo, Tones on Tail. Haskins pronto se unió a Tones on Tail, pero la banda fracasó en 1984. Haskins y Ash intentaron entonces reunir a Bauhaus. David J. estuvo de acuerdo con la propuesta, pero el vocalista principal de la banda, Peter Murphy, se negó. En vez de perseguir una reunión incompleta de Bauhaus, Ash, J., y Haskins formaron Love and Rockets, tomaron su nombre del comic underground creado por Jaime y Gilbert Hernandez.
Love and Rockets lanzó su primer álbum, Seventh Dream of Teenage Heaven, en 1985 bajo el mitico sello Beggars Banquet y con "Ball of Consussion" y "The Dog-End of a Day Gone By" como principales temas. El album recibió críticas diversas pero comenzó a construir su vuelta. Express, lanzado el año siguiente, tuvo más éxito, estuvo en los rankings de USA y del Reino Unido con temas como "All in my mind" o "Kundalini Express". En Earth Sun Moon (1987) la banda se lanzó a un territorio musical más atmosférico, con la notable excepción del hit en las radios alternativas universitarias "No New Tale to Tell", que ayudó a aumentar los fans del grupo; además el album icluía otros éxitos como "Earth, Sun, Moon" y "Mirror People". Love and Rockets, lanzado en 1989, lanzó a la banda al conocimiento masivo, gracias al tema Top Ten inspirado en T-Rex, "So alive". El álbum fue casi tan exitoso como el single, y se encaramó en el Top 20 y ganó disco de oro, con otras canciones como " No big deal" o "Motorcycle"






jueves 24 de enero de 2008

Yann Tiersen : Soundtrack Amelie






PARA TERMINAR HOY...FOTOS Y DISCO DEDICADO A MI CAROL ..CON AMOR .SE VIENE EL ANIVERSARIO DE 5 AÑOS JUNTOS
TE AMO¡¡¡¡

TH' Faith Healers : Lido P. 1992





Lei algo sobre ellos en alguna revista alla por los 90s, los comparaban al sonidos de algunas canciones de los Velvet Underground, o de los Amon Duul2, recuerdo que hablaban de un sonido que igual te podia poner a bailar que poner tu mente a viajar, busque su musica en las tiendas de discos, pero en aquellas epocas no era tan facil conseguirla, recuerdo que pedi uno de los discos que habian editado en aquel entonces, el Imaginary Friend, que aun tengo por ahi en cassette, desde entonces la frase Everything, All at Once me acompaña, el grupo nacio a principios de los 90s y editaron poca musica en realidad, unos cuantos eps y unos cuantos lps, su musica vibra como pocas, su sonido bastante unico en la epoca, heredado del sonido Kraut, del post punk y del proto punk, aunque su repercusion comercial fue minima
Fueron una anomalia para la Inglaterra que en esta epoca estaba bastante inmersa en el llamado Shoegaze, quiza los Faith Healers estaban algo empearentados en este movimiento , aunque solo de manera tangencial, de hecho se sentian mas descendientes de grupos como Can o los Neu! y hermanados con grupos como los Stereolab o los Spaceman 3
Conseguir material de ellos estos dias ya es bastante mas sencillo


Fuxa : Accretion


Fuxa es un dúo de Detroit formado por dos personajes llamados Randall Nieman y Ryan Anderson. Suena raro, al escuchar esta música hipnótica y soñadora uno pensaría que se compone sola, que brota del paisaje, como el viento cuando empieza a soplar de golpe. Fuxa es bien descrito como low fi electronic, como psicodelia de juguete. Música de un mundo infinito pero hacia adentro, fractal, orgánica; como esas naves espaciales que imitan el diseño de seres vivientes. Las canciones de Fuxa (¿podemos llamarlas canciones? ¿Alguien tiene otro nombre a mano?) tienden a las formas difusas, sin embargo unos de sus primeros y excelentes discos se llama Very Well Organized; hay organización y no repetición, por eso su música es mucho más un ser viviente que se desarrolla que la repetición de lo mismo del minimalismo. En lugar de repetición se trata de la ligereza del viaje, de las formas que se desarrollan plácidas, gentiles y según sus leyes secretas. Las canciones de Fuxa son mecanismos, dispositivos. Hay belleza en un mundo puramente material, la mente es organización, la espiritualidad es el fenómeno secundario de la materia. Otro disco se llama The Modified Mechanics Of this Device. La música de Fuxa participa del juego, claro, es punk porque la puede hacer cualquiera (mentira). Me recuerda los ensayos y tanteos cuando a los quince años quise formar mi propia banda. En aquella época no confié en mi imaginación incontaminada como si lo hicieron estos dos dementes de Detroit. Música inspirada. Una canción it was you.




Mose Noe: Encierros 2001 . Aires Porteños 2004



Entrevista con Mosé Noé (Realizada el 26-11-2004)

Nuevos Aires

Mucho tiempo pasó desde aquel introspectivo y frágil “Encierros” (2001). Ahora el músico local Mosé Noé, que también se ha hecho conocido por sus incursiones a la cabeza de las bandas Frío Intenso y Nube Sur, está de vuelta con un nuevo disco titulado “Aires Porteños”. Este álbum es sinónimo de mucho trabajo, colaboraciones interesantes y, lo más importante, un nuevo sonido. Para aproximarse mejor a su segunda producción en solitario, Oscar Rosales conversó con él en Jornada Final. Y esto fue lo que pasó:

O.R.: Mosé, quiero partir preguntándote cómo fue el proceso desde la gestación del disco hasta llegar a este momento, o sea, a tenerlo en nuestras manos.

Mosé: El 90% del disco ya estaba compuesto desde mediados del año pasado y debería haber sido grabado durante el mismo período, pero por problemas de tiempo y dinero recién comencé a registrarlo en enero del 2004. Fue un proceso bastante lento, además que me sucedió lo de siempre: Entrar al estudio y darse cuenta de tantas posibilidades disponibles que uno va empezando a agregar cosas a los temas y todo va transformándose en algo más entretenido de lo que se había proyectado inicialmente.

O.R.: Esa sorpresa que te provoca el entrar al estudio de grabación, ¿se debe a que tú no tienes una relación muy constante con ese lugar de trabajo?

Mosé: Claro. En este disco me las doy de productor y en el anterior hice lo mismo, pero podría decirse que es un trabajo a pulso, porque no manejo las técnicas profesionales necesarias para hacerlo de una manera completamente óptima. En todo caso, el resultado me dejó más que conforme.

O.R.: Esta condición de caja de sorpresas del estudio, ¿afectó demasiado las maquetas originales de los temas?

Mosé: Sí, de todas maneras. Eso pasó con la mayoría de los temas. De hecho, por ahí salió una canción entre medio que iba a llevar otro título, derivó en otra cosa y terminó convirtiéndose en un tema de improviso. Si bien hubo mucho de improvisación, todo fue muy fluido y transparente.

O.R.: Pienso que el hecho de que tú hayas sido el productor mantuvo la esencia de las maquetas.

Mosé: Sí. Lo que pasa es que uno entra al estudio, las ideas se van enriqueciendo y todo toma un rumbo más sabroso.

O.R.: ¿Cuál dirías tú que es la principal diferencia entre este “Aires Porteños” y tu anterior trabajo “Encierros?

Mosé: En pocas palabras, que éste es mucho más optimista… aunque igual en el último tema (“Fuegos en Diciembre”) se me salió la melancolía.

O.R.: Imagino que ese cambio se nota también en las letras de las canciones.

Mosé: Justamente. Las letras son ahora más hacia fuera. Es lo que observo, la ciudad, la música que he escuchado y, por ahí, hay también un homenaje a un poeta, a Valparaíso y sus habitantes.

O.R.: ¿Qué nos puedes contar del primer single, “Dulce Devoción”?

Mosé: Es uno de los primeros que compuse para este disco y fue cuando me bajó una onda media espiritualoide (así la llamo yo), a causa de un despertar que tuve este año, algo de índole luminosa. Es algo de corte místico en un formato rock.

O.R.: Luego de escuchar el tema, lo primero que noté es que estás con un sonido mucho más potente. En el disco anterior trabajaste con un formato semi acústico, más pulcro y limpio, y ahora hay guitarras más sucias y sónicas. ¿A qué se debe ese cambio tan drástico?

Mosé: No sé…, yo creo que fue el entusiasmo, la chispa, lo que uno está viviendo… no sé.

O.R.: A ver, tal vez saber qué música estabas escuchando durante la composición del álbum arroje más luz sobre la interrogante. ¿Qué artistas fueron los que más te estuvieron rondando durante el proceso?

Mosé: Oh, mira que irónicamente lo que más oí fue Dakota Suite, Víctor Jara, música de monitos japoneses y harto pop de los ’80. De esto último, tengo gran influencia de bandas como A-HA o Alpha Ville. Lo que pasa es que tengo una influencia más general de la ciudad y cosas que voy agarrando en determinadas circunstancias (como fiestas); más que de ciertas músicas específicas.

O.R.: ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con otros músicos? Te acompañaron Gonzalo Navarro en batería, del grupo Colectivo Lada; Cristián ‘Nara’ Bustamante en guitarra, de Humbría en Kalafate,; Javier Moraga con teclados, de Olor a La Banda y, secundando todo, Carlos Carvajal, de Power Trío. Prácticamente te formaste una ‘Súper Banda’.

Mosé: Ellos aportaron su cuota de ideas. Fue bastante atractivo. La idea es tocar después con ellos en vivo. Teníamos algo de experiencia previa (como con Gonzalo, que habíamos tocado en otras bandas) y el resto fue cosa de ensayar y complementarse en el estudio.

O.R.: Si el trabajo con ellos no fue complicado podría ser porque eran músicos de sesión que te acompañaron en un proyecto predeterminado. Me refiero a que no participaron del proceso de creación de los temas. Me interesa saber sobre la dinámica grupal porque tú has tenido experiencias previas con otras bandas, como Miel Salvaje, Frío Intenso y Nubesur, pero todas han sido bastante efímeras.

Mosé: Lo que me trae más gratos recuerdos es Frío Intenso porque ahí todos aportaban en los temas. En Nubesur yo tenía una idea que fue cambiando demasiado y, como a mí no me gusta ser dictador en las bandas, al final se me fue de las manos.

O.R.: Pero haciendo un autodiagnóstico, ¿por qué no funciona tu trabajo con otros músicos cuando se ve involucrado el proceso creativo?

Mosé: Bueno, como solista me es mucho más difícil trabajar que con una banda. Es más trabajólico hacerlo solo. Pero todo se debe a que en una banda la relación es como un matrimonio y en más de una ocasión coinciden muchas cosas, pero en otras los músicos aportan ideas que no cuajan y salen a relucir aspectos de los cuales uno no tenía ni idea y todo se va para otro lado, hay que transar y se transforma en otra cosa. Al final, sobresalen los egos y todo se desarma. Yo creo que para hacer música hay que ser humilde y no impositivo, si no la cosa no funciona. Con este disco yo les dije a los músicos que tocaran de la manera que mejor les saliera, como se sintieran más cómodos y no los obligué con ninguna pauta definida.

O.R.: Ahora vamos a oír el tema “Una Niña”, ¿qué nos puedes contar sobre él?

Mosé: Nació de una idea que hace tiempo me viene dando vueltas en la cabeza y es el hecho de ser papá. Es para una hija imaginaria. Después salió una niña por ahí que me dijo ‘oye qué bonito el tema, déjamelo para mí’ y yo le dije, ‘bueno, déjatelo para ti’. Esta canción recuerda un poco la onda de “Encierros”.

O.R.: Oye, Mosé, pasando al tema de la promoción, ¿este trabajo contempla presentaciones en vivo?

Mosé: Había algo estipulado para fines de este mes, pero por toda la parafernalia navideña quedó postergado como para finales de enero del 2005. En todo caso, cuando toque en vivo, además de los músicos ya mencionados, voy a incorporar un bajista que tocaba conmigo en Mono de Indias, por lo que se viene groso el asunto.

O.R.: ¿Cómo se puede acceder a tu disco?

Mosé: Hay un e-mail que es infodiscos@yahoo.es donde pueden escribir y solicitar información de este disco y/o del anterior. El álbum tiene un precio de $2.500 la copia original y también hay copias promocionales a precios más módicos. Antes que otros me pirateen, prefiero hacerlo yo mismo.

O.R.: Ahora vamos a escuchar “Bajos Fondos”.

Mosé: Este es el tema más sónico del disco. Aquí participa Gonzalo Navarro que aportó unas percusiones muy entretenidas; todas las guitarras las hice yo. Es una canción a pura guitarra, sin bajo.

O.R.: ¿Y tuviste que visitar los bajos fondos para crearla?

Mosé: Nooo. Es cosa de caminar un poquito por ahí y uno se encuentra con varios bajos fondos.

O.R.: ¿Y qué pasó con el proyecto de canción que le ibas a componer a los quiltros del puerto? Recuerdo que hace mucho tiempo me hablaste de algo así.

Mosé: Bueno, de manera implícita, este álbum está dedicado a todos los perritos que murieron en la matanza de Bellavista.

O.R.: Bueno, ya llega la hora de despedirse. Te estaremos esperando para una futura ocasión y ojalá que para el próximo álbum, inicies la promoción aquí y no nos dejes para el final (Mosé estuvo presentando su disco previamente en las radios Valentín Letelier y Los Placeres)

Mosé: Voy a hacer una promesa seria, de músico, no de político. Se viene un Ep de 6 temas, llamado Euforia, bien cargado a lo sónico, y voy a venir a promocionarlo acá a la Radio Atraxión.

O.R.: Nótese la prolijidad de Mosé: Está lanzando un nuevo disco y ya está anunciando el siguiente.

Mosé: Sí, es que estoy acogotado con música y además del Ep hay dos discos más que debo hacer.

O.R.: Mosé, despidámonos con un último tema. Qué puedes decir de “Bahía de Valparaíso”

Mosé: Es el primer tema que compuse, el primero que se grabó y el que le dio la mayor inspiración al disco. Es una composición con mucho cariño para todos los porteños.






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Frio Intenso.


Mono de Indias : Depresion y Ostracismo p.2001


Nubesur: Elevacion EP




Cloth Entrance : Seda



La banda de un tremendo amigo

Don Cloth

antiguo guitarrista de Mal Corazon





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Low : Secret Name

Contra el grito, el suspiro. Ese es el lema de Low, un grupo formado en Duluth, Minnesota en 1994 por el matrimonio Alan Sparhawk y la batería y cantante Mimi Parker con el bajista John Nichols. Enter sus avales, cuentan con la prducción del prestigioso neoyorquino, Kramer.
Su primer disco -I Could Live in Hope- es el único que grabaron con la formación original, un año después, llegaría su sucesor con un nuevo bajista, Zak Sally, amigo de la pareja, que se mantiene hasta la fecha.
Low son la reacción del rock americano al ruidismo grunge. Aunque uno se los imagina con una estética similar a la de Vedder y Cobain -desaliñados y con camisa de leñador- lo cierto es que el minimalismo de sus guitarras y baterías contrastan enormemente con el sonido Seattle. La música de Low podría funcionar muy bien como banda sonora del gran film de Cohen, Fargo, en el que el color blanco de la nieve tiñe infinidad de hectáreas.
Low pasaron la mayor parte de 1995 y 1996 de gira con grupos como Soul Coughing, Luna y Spectrum, y de esa forma dieron forma a muchos de los temas del disco “The Curtain Hits the Cast”. El disco de 1997 “Songs for a Dead Pilot” muestra un carácter más experimental de la banda, aunque mantienen su capacidad para hacer de la belleza una marca propia. Su single “Xmas” del 97 en el sello Wurlitzer Jukebox vendió inmediatamente las 2500 copias de su edición limitada.
En Mayo de 1998, un nuevo sello inglés, Tugboat Records editó un nuevo single, “Joan of Arc”, junto a una versión del tema de George Harrison “Long Long Long” del White Album de los Beatles. Justo antes de su disco “Secret Name”, Tugboat editó un single de doble cara A: “Inmune/I Remember” en Febrero del 99. “Secret Name”, editado en Mayo de 1999, y producido por Steve Albini, es simplemente uno de los mejores discos de la década.
Low hicieron una extensa gira por los Estados Unidos entre Septiembre y Octubre del 99 previa a una corta gira por Europa entre Octubre y Noviembre. En el mismo mes de Noviembre se editó su “Christmas ep”, en la que la banda hacía versiones de sus canciones navideñas favoritas. El ep obtuvo una gran acogida y fue comparado con el disco de Phil Spector.
“Dinosaur Act”, su nusvo single fue edotado en Octubre del 2000, como adelanto de su nuevo disco “Things that We Lost in the Fire”, también producido por Steve Albini.
En el verano del 2001 tenían que tocar en el Festival Internacional de Benicàssim, pero en último momento cayeron del cartel. Fueron convocados de nuevo para el festival del 2002.


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Low : Last night i dreamt that somebody love me

Hoy les dejo otro cover bastante lindo. Ésta vez se trata de "Last Night I Dreamt that Somebody Loves Me" hecho por Low. Salió en Octubre de 2001 por Chairkickers Music. Lo destaco principalmente, por que la banda lo editó como un single oficial. Es una versión muy al estilo de Low, y justamente este tipo de tema, va con la propuesta de la banda a nivel musical. Incluso hasta me animo a decir que tiene un toque religioso, cuando el tema rompe en coros por momentos eclesiásticos. A mi me gusta bastante, incluyendo la portada. Ojalá les guste a ustedes también. Que lo disfruten!


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Low : I could live in hope

Mucho ha sucedido desde aquel I Could Live In Hope del año 1994. Canciones como “I remember” o “Stay”. Emociones sonoras como ese tema llamado “Over the ocean”. Y ahora, por segunda vez en lo que va de siglo, un nuevo disco de éste trío de Minnesota. Las cosas bien hechas, en las que existe alma, en las que ese aura irrepetible del que hablaba Walter Benjamín es perceptible, están obligadas a perdurar. Quizás la creatividad entendida como evolución visible, como riesgo, como intento de acaparar nuevas cosas no esté dentro de los planes de Zak, Mimi y Alan, y eso muchos lo agradecemos. Ellos siguen creyendo en lo mismo que cuando empezaron. Y por eso cada vez les sale igual de bien. Melancolía, ambientes asfixiantes, guitarras lentas que luego se enfadan, se cabrean porque este mundo es una puta mierda, melodías íntimas, canciones de cuna que hablan sobre niñas dulces. Un disco que no es dócil, que intentará escaparse, pero que si eres listo le camelarás para que se quede. Ecos de voces, alargando la nota final en suaves susurros, en femenino y masculino, Alan y Mimi superponiéndose para crear atmósferas intensas. “Canada” tiene energía, una melodía envidiable, un modo inteligente de repetir estructuras. “Time is the diamond” es como un árido paisaje. Y preciosa. Como el resto. Cierra el disco “Shots y Ladders”, enigmática al límite o como crear la banda sonora del Juicio Final. Trece nuevos temas de Low, espirituales, para sentir dentro. Muy dentro. Puede ser post. O slow. O lo que quieras. Eso ya no importa.


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Quickspace: Precious Falling

Si algo tiene Quickspace es una enorme capacidad de atracción para enamorarnos y hacer que nos adéntrenos en su escucha y por más que se quiera comparar a la banda anterior (Th´Faith Healers) por la que seguramente muchos le llegamos a sus discos, la verdad es que no hay mucha similitud, salvo ocasionales riffs que nos recordaran pasajes como en “Mouse”, aquí Tom Cullinan y su guitarra mantienen un encanto preciosista y habilidoso buen manejo de canciones pop, lo suficientemente sostenidas para no aburrirte, recomiendo ”Take Away” una canción emotiva y enganchadora.

Carissa's Wierd : Songs about Leaving


Carissa's Wierd : I Before E


Los tres discos que publicaron son verdaderas maravillas, me cuesta mucho, de verdad mucho decidirme por cual es mejor, pero creo que éste es el indicado. El sonio que emiten bien puede ser catalogado como un híbrido entre folk con tonadas pop, injertos de violín y líricas melancólicas a tope. Me llama la atención lo poco comparables que pueden llegar a ser, me llama la atención la originalidad al nombrar sus temas, me llama la atención que me quedo sin palabras para describir lo bien que suenan, y eso normalmente pasa cuando te topas con un disco, una banda, de esta magnitud.
RECOMENDADO SI TE GUSTA : Low , Galaxie 500 , Codeine, etc (SLOWCORE )

Gang Gang Dance : God's Money




Gang gang dance o bang bang dance, que más da, cuando hacen música disparan, cuando la escuchas se te queda dentro y cuando quieres expulsarla no puedes, el disco que Björk haría si tuviera diecisiete años y se hubiera empapado de música experimental, del Tim Burton menos oscuro/más juguetón y de cómics de serie b en la que los personajes son los miembros de gang gang dance caracterizados como anti-héroes que se revuelven en la cama preguntándose que hubiera pasado si le hubieran dicho esto o aquello a esa chica en la parada de autobús y deciden encerrarse a tocar maquinitas y efectos de sonido en su "guarida" exteriorizando así su falta de decisión ("Egowar", "Before My Voice Fails"), construyendo piezas de estilo libre, punk al fin y al cabo, sin estructuras ni reglas ("Glory In Itself Pt.1"), mientras suenan de fondo los boredoms, excepter o animall collective formando piruetas musicales que saltan al suelo desde el casette medio roto, ese que nadie se decide a arreglar ("God´s Money IV", "God´s Money V")...oh, pequeños perdedores (¿ganadores?), niños en el fondo que no quieren hacer daño, que no quieren que se lo hagan, que no se atreven a hablar ni a hacer preguntas por aquello de la timidez galopante, que solo hacen música desquiciada y ya está ("God´s Money VI", "God´s Money VII", "God´s Money IIX"), para que más explicaciones. En la última página del cómic ("God´s Money IX") se quejan de ser tan hiper-sensibles, pero para bien o para mal, los niños-chicos también lloran.




domingo 13 de enero de 2008

Britta Phillips & Dean Wareham: Sonic souvenirs



Dean Wareham finiquitó Galaxie 500 para dar paso a trece exitosos años de Luna, hasta que, en 2004, la banda se despidiera con el trabajo «Rendez Vous» y una gira que los trajo también por Bilbo. Para entonces Dean se encontraba en pleno proceso de preparación de su nuevo proyecto junto a su esposa, la bajista de Luna Britta Phillips. La pareja neoyorquina debutó el mismo año de la disolución de Luna con «L'aventura», al que que dio continuidad «Back Numbers», ambos producidos por Tony Visconti. Antes habían publicado un Ep llamado «Sonic Souvenirs» y, entre un largo y otro, el también Ep «Words You Used To Say».
El exquisito nuevo álbum presentaba a Matt Johnson a la batería, quien lo grabó todo en dos únicos días, a Sean McCaul al vibráfono y a Sonic Boom para los sintetizadores. En él se incluía una versión de los Troggs, «Our Love Will Still be There», y «White Horses», de Jackie Lee, y también presentaba el viejo tema «You Turned My Head Around», que habla de un ménage a trois cantado en su día por Ann Margret. Pareja musical hasta entonces, Britta y Dean se casaron en medio de la intensísima grabación del disco lounge, agradable y preciosista, en una sencilla ceremonia oficiada por el juez Richard Owen, famoso porque determinó como plagio «My Sweet Lord», de George Harrison, guitarrista de los «fab. four» de Liverpool.
En sus citas vascas, los ex Luna estarán acompañados por dos bandas locales, Lauroba y Smile. En Donostia actuará Lauroba, cuarteto creado por los hermanos Lauroba, Iker y Haritz; junto a Alain Urkola e Iraitz Montalban, que canta en euskara. La banda ganó el año pasado el concurso pop rock de Donostia, lo que les ha permitido grabar su estreno con Gp. En Bilbo «sonreirá» Smile, la banda de Getxo, formada hace ya diez años al juntarse John Franks con Daniel Merino, Perdy Breton al bajo y Javi González, ex componentes de Gravestones y Little Fish. Cantando en inglés, acostumbran a trabajar en formato acústico y acaban de publicar «Painting the Sun One Colour».

Built To Spill : You in reverse


Declarados fanáticos de otras bandas eclécticas (Mudhoney, Sonic Youth, Pixies, The Cure), hacen una música fácil de escuchar, pero difícil de encontrar (el disco original no lo encontré nunca y bajarlo fue todo un tema). No hay un gran grado de complejidad en sus composiciones, las mantienen simples y eso es lo que los hace chéveres.
Si no saben que quieren escuchar, si no se pueden decidir entre los discos que ya se cansaron de dar vueltas en sus reproductores, computadoras, o en lo que sea que escuchen música, les recomiendo poner Built To Spill y conviertan su día “guacala” en un día chévere, y cambien las cosas para que puedan disfrutar de un día en el que las decisiones van a pasar a un segundo plano.

The Low Lows : Fire on the Bright Sky

Después de la separación, tanto musical como sentimental, relatada en el último disco de Parker & Lilly, sintomáticamente llamado “The Low Lows” (Houston Party, 05), Parker Noon mantiene la banda con la que firmó aquel disco, con excepción de su antigua pareja (que aún colabora en un tema), y sigue practicando los paisajes comatosos e hipnóticos que sublimó en aquel magnífico álbum.Los resultados vuelven a ser notables, pero esta vez la concreción emocional queda algo más dispersa, y las melodías se pierden entre neblinas y reverberaciones, lo cual repercute en que los niveles de emoción estén algo más lejos de los habituales. De todos modos, temas como “Velvet” y “Sara Jane” dejan buena marca de su querencia por la vaporosidad de los años cincuenta, explotando al máximo la melancolía de bandas como The Everly Brothers o Sam Cooke. Disfrutable

Third Eye Foundation: You guys kill me

Matt Elliott siempre ha sido un visionario con especial debilidad por los rincones más oscuros de la psique humana, un camino sin retorno que ya comenzó a recorrer con Flying Saucer Attack y The Third Eye Foundation. Ahora, despojado del sadismo deliberado y formidable de aquellos proyectos, Matt Elliott ha abandonado toda autoindulgencia y está finalmente dispuesto a tocar fondo. Su música tiene mucho de crueldad nietzscheana, aunque también el aire decadente de los himnos soviéticos y el romanticismo solemne de los coros de borrachos. Sin embargo, trasciende la torpe dicotomía alegría/tristeza porque nace de un abismo mucho más profundo, del abismo donde habita lo innombrable, usando la terminología de Lovecraft.
Desde la sobrecogedora elegía de "The Kursk" hasta la monstruosa mutación drum & bass de "The Maid We Messed", la actuación de Matt Elliott fue una perturbadora letanía ancestral, un desfile de muertos cantando a los vivos o de vivos cantando a los muertos. Reconstruyendo las canciones mediante la superposición infinita de loops grabados en tiempo real, con la ayuda de Chris Cole al cello y a la batería, Matt Elliott logró recrear una atmósfera de otro mundo, simultáneamente fascinante y repulsiva. Y, ciertamente, había algo de sobrenatural en la manera en la que manipulaba su propia voz para convertirla progresivamente en un escalofriante coro espectral que esparcía cientos de lamentos por toda la sala. O en el modo en el que las hipnóticas melodías de guitarra, aparentemente familiares, comenzaban a enrarecerse de manera casi imperceptible.

A pesar de la cadencia solemne y de los extensos desarrollos de sus canciones, la actuación mantuvo en todo momento un nivel de tensión casi doloroso e indescriptiblemente lúcido, finalizando con los más de 20 minutos de profanación ruidista de “The Maid We Messed”, un epílogo abrumador y forzoso para un viaje insondable.

Antes de participar en el descenso a los infiernos de Elliott, Chris Cole (a.k.a. Many Fingers) ofreció un bienintencionado aunque en última instancia inofensivo ejercicio de clicks & cuts, minimalismo y electrónica deconstruida, con algunas interesantes texturas de inspiración jazzística. Una mera anécdota, en cualquier caso, frente a la increíble magnitud de la obra por llegar.


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Animal Collective : Strawberry Jam


Su sonido tribal rapido ha marcado una distancia de muchos de esos parámetros. En sus discos anteriores predominan los elementos orgánicos, más desnudos, más folk, que dan ganas como de hacer un rito o bailes extraños. Mientras que ahora que debutan con Domino Records, la onda es un poco más electronica como de laptop, ruidos texturizados entre cánticos no tan tribales si no un tanto más pop y de repente los gritos un poco más desgarradores. Pero por alguna razón no me acaba de atrapar la primera mitad, tanto “Peacebone”, “Unsolved Misteries” y “Reverend Green” tienen una estructura vocal y un aire más convencional que mucho de lo que les conocía antes. Exceptuando talvez la segunda mitad de “Chores”: when there’s no one watching.
Pero sigue siendo un chido disco imaginativo como para viajar un rato, alegre y coreable. Creo que aspectos como el ritmo de “Fireworks” si invitan a un montón de nuevos escuchas a moverse y divertirse un poco. Aunque tras repetidas escuchas, me es inevitable ver un algunos a los últimos cuatro tracks como algo separado. Digamos que a partir de “#1” (así se llama el séptimo track) podría ser el inicio de un gran EP de 4 rolas. Quizás en estos tiempos de tecnología digital y MP3s al alcance de todos, la idea de este Strawberry Jam es que uno lo acomode a su gusto y al menos para mi es un mucho mejor punto de partida con una escala en loop viajando en ciclo y palabras rondando la mente.
En esta última parte, “Winter Wonder Land” regresa el pop pero de una forma sarcástica repitiendo constantemente la frase ‘don’t believe in happiness’ en menos de tres minutos. Dando pie a “Cuckoo Cuckoo”, por mucho mi favorita del disco, con una base de piano melancólica, sonidos obscuros que crecen y finalmente explosiones agresivas. La última rola “Derek” tiene una textura también bastante diferente al resto del disco y la letra es como una increible fábula existencial.
Como disco, creo que me quedo con el solista Person Pitch de Panda Bear que sacó poco antes. Para viajar y para bailar, solo por gusto y opinión personal. ¿Será este el jam más fresa del Animal Collective? Talvez si, yo disfruto más plenamente algunos tracks que todo el disco de principio a fin. Pero el hecho de que este no sea mi favorito, no quita que se mantengan como una fina banda, con un estilo particular y propuesta colorida dentro del mar de monotonía. Y en cierta forma el disco invita a acomodarlo como tu quieras y encontrarle sus mejores propiedades a tu manera.


viernes 11 de enero de 2008

The Pastels:Truckload of Trouble (1986-1993)


Si hay alguna banda de los 80s que influyese decisivamente en el devenir de la escena indie escocesa, esos fueron The Pastels. Además de abanderar el movimiento bautizado con el nombre de “anorak pop”, con su sello 53rd and 3rd ayudaron en su camino al estrellato a bandas como The Jesus and Mary Chain, The Soup Dragons o The Shop Assistants.
Nunca ambiciosos y más centrados en sus estudios que en su carrera musical, las huestes lideradas por el guitarrista Stephen “Pastel” McRobbie peregrinaron por multitud de pequeños sellos entre 1982 y 1987 para publicar un puñado de singles memorables como “Something’s Going On” (1984), A Million Tears” (1984), “Truck Train Tractor” (1986) o “Crawl Babies” (1986).
Antes de que sus miembros originales abandonasen el grupo publicaron los seminales álbumes “Up A Bit With The Pastels (1987), “Suck On The Pastels” (1988) y “Sittin’ Pretty” (1989).
The Pastels fueron y siguen siendo una banda de culto y con la perspectiva que da el paso del tiempo resplandecen como la piedra angular del indie–pop escocés de los 80s


Seefeel:Polyfusia

Corría el año 1992 cuando se formó el grupo londinense Seefeel. Al guitarrista Mark Clifford y al baterista Justin Fletcher se sumaron la vocalista Sarah Peacock y el bajista Darren Seymour. Su formación de banda y sus trabajos previos inclinaban la balanza hacia una sonoridad deudora del post-punk melódico (Cocteau Twins) y sónico (My Bloody Valentine), cruzados por el eclecticismo de la electrónica entre el techno de principios de los noventa y un terreno en ciernes: el ambient. Quique, su álbum debut en 1993, fusionaría sus referentes y personalidades en un personaje virtual, quimérico, futurista y de gran profundidad de campo.
Conocí Seefeel dos años atrás. Mi pieza era oscura, sin ventanas. En ese espacio clausurado, los loops y todos los tracks de Quique se convertían en una sola gran canción, uniforme, absolutamente pegada, a ratos helicoidal o sólo circular. Mi habitación levitaba cual nave espacial, donde flotaba la conciencia anulando todo pensamiento, aunque la escucha no era muy prolongada.
A raíz de la reedición de este álbum el presente año, con un segundo disco de remasterizaciones y mezclas alternativas, vuelvo a descubrir estas canciones. Las escucho con más calma, las llevo a la calle. Y quizá, sólo ahora, puedo apreciar la rica gama de matices que quedaron registrados con tanta pulcritud y exactitud catorce años atrás. Lo más genial de Quique es lo bien que envejece, lo avanzado que resultó para su época, lo fresco que suena para nuestros oídos. Seefeel comprendió que el trabajo delicado de beats y percusiones, cobijadas en loops adustos, tan funcionales como el pulso cotidiano del corazón, integradas en perfecta ecualización con sustain de guitarras, voces etéreas y fantasmales más un bajo explícitamente dub, darían vida a un género tan frío y tan cálido-orgánico, minimalista, diríamos hoy- que permitiría múltiples relecturas y nuevos géneros durante los noventa (Boards of Canada, Massive Attack), inclusive posándose como superestrato de proyectos actuales como The Field o los híbridos The Knife.
Si sigues tirando del hilo, quedarás boquiabierto con Polyfusia, recopilación publicada 1994 de sus trabajos previos a Quique (vale decir, More Like Space y Pure & Impure). Esta primera época es mucho más bruta, más entretenida y llena de ganchos, si se prefiere, pero queda claro que la madurez conceptual de su proyecto, y también la personalidad más autóctona, se daría sólo en Quique. Trabajando con el misterio referencial de la electrónica en los títulos, nombres de canciones como ‘Polyfusia’, ‘Imperial’, ‘Plainsong’ dan cuenta de su formalismo sintético y ‘Charlotte’s mouth’ dejan entrever lo sensual que puede ser la repetición en función de la nostalgia. Seefeel lanzaría otros discos más tarde, pero el sutil desplazamiento de emociones tiradas al vacío, en el momento justo, silencioso, sideral, sólo se halla en un disco ufano, clave y tranquilo como Global Communication. El segundo cedé de mezclas y tomas alternativas de esta versión redux, con crucial respeto, apenas retoca el trazado primario.

The Boo Radleys : Everything's Alright Forever


martes 8 de enero de 2008

The Durruti Column : Keep Breathing

El nombre lo toman de un comic publicado, empapelado, en los muros de la universidad de Estrasburgo a mediados de los sesenta por la Internacional Situacionista titulado “La retour de la Colonne Durruti” en referencia a la milicia comandada por el anarquista Buenaventura Durruti en la guerra civil española. Sería también el título del primer disco, cuya cubierta en la edición original se hizo en papel de lija copiando la idea de un libro de Guy Debord, miembro del citado colectivo, que pretendía destruir así todos los demás libros de la estantería. En The Durutti Column había una intención similar, para Vini Reilly hacer música tranquila en 1979 era un gesto igual de corrosivo y de hecho en la imagen de la izquierda parece la antítesis su generación, encogido sobre sus guitarras y aislado del mundo exterior para producir una música ajena al tiempo y el espacio con melodías que despliegan interminables capas de guitarras entre sutiles arreglos electrónicos. Una música propicia como pocas para diarreas de sustantivos absurdos como textura, y adjetivos aún peores así vamos a intentar no meternos en cenagales. Sólo informarles, porque estas cosas hay que saberlas, que fue Vini Reilly a quien Morrissey acudió tras perder a Johnny Marr, y que es él quien está detrás de Viva Hate, lo que es decir Suedehead o Everyday is like Sunday. Por tanto compren, materialicen en sus reproductores cualquiera de sus discos, pero si necesitan un comienzo acepten nuestra selección resurrectora, el primero, The return of the Durutti Column, donde la presencia de Martin Hannet y sus sintetizadores cabalísticos resultan en una aleación única de genios en la cima de su talento que les dará el argumento definitivo para continuar con LC, Another setting, recorrer toda la producción intermitente que se extiende hasta el mes pasado con una colección de rarezas, caras B y autoversiones titulado Sporadic Tree, y estar tiesos como clavos el sábado 2 de junio a las 19:30.

The Durruti column : Idiot Savants


My Bloody valentine : Geek


Swans : Children of God


Sugar : Cooper


The Triffids: Born Sandy Devotional


R.E.M.: Cronic town


The Sonics :!!!Here are the Sonics¡¡¡


The Cure : p.2004


The Cure : Galore


Me encontraba mirando un poco de TV para matar el tiempo y por esas cosas de la vida puse Mtv y hablaban de The Cure y principalmente de su disco Disintegration y me recordaba que discazo que es y que hay pocas bandas que han influenciado de forma tan sobrenatural a la gente y sin duda si te pones a recordar bandas buenas en los 80's son pocas y claramente una de las más importantes es The Cure y pense en subir Disintegration pero despues me dije mejor subo el Galore, que es un LP compilatorio de 4 discos de los Cure Kiss Me Kiss Me Kiss Me, Disintegration, Wish y Wild Mood Swings y que es mas bueno que un Terremoto (Ferne + Pipeño + Helado) temon tras temon y no es broma tienes que te alegran el dia como el gran Just Like Heaven que te dejan pensando como Pictures Of You, que te pones romanticon como Lovesong y podria estar hablando de todos los temas y apuesto que me diran lo msimo que pienso yo, sin duda es un gran disco que recorre estos 4 discos en una decada (1987 - 1997) y es increible la cantidad de buenos temas que tiene, canciones con uan carga emocional y con un nivel melodico que son de la muertes sin duda The Cure es una gran banda y este disco lo disfrutaran entero, quien más que Robert Smith, el unico que supo pintarse en los 80's y sin duda es un icono para la musica desde el mas Pop al más Rockero, ojo capaz que se demoren en descargar el disco porque viene en una calidad increible pesa un poco más de lo normal.Altamente Recomendado

http://www.4shared.com/file/23313471/b43965e8/Galo_re_-_01a06.html

The Cure : Standing on the beach


Hoy, otro de los grupos más grandes para mi gusto, con un gran recopilatorio que resume su primera época, recogiendo los singles publicados hasta 1986.
The Cure es uno de los mejores grupos surgidos en la Inglaterra de finales de los años 70, con una estética peculiar y un sonido que, en sus inicios, estaba entre la new wave y el post-punk británico, aunque fue tendiendo cada vez más hacia el movimiento “Gótico”, composiciones pop, de tono oscuro y atmósfera un tanto enfermiza.
Robert Smith el alma mater del grupo, formó el grupo Easy Cure en 1976, cuando se unió con el bajista Michael Dempsey, el guitarrista Porl Thompson y el batería Lol Tolhurst. La banda comenzó a actuar en locales y a componer sus primeros temas. Tras el abandono de Thompson, el terceto restante, que recortó su nombre a The Cure, llamó la atención de Chris Parry, quien trabajaba en Polydor Records, que les firma su primer contrato discográfico para grabar el sencillo “Killing An Arab”.
Posteriormente, y ya para la grabación de su segundo LP, se les unió el fantástico bajista Simon Gallup, responsable en buena parte del sonido del grupo.
Este recopilatorio, titulado en su reedición en CD “Staring at the Sea”, marcará el paso de grupo de culto a grupo “mainstream”, la primera llegada del grupo al gran público, catapultándolos a los primeros puestos en las listas de ventas y entrando por primera vez en el Top 50 en los USA, cerrando una primera etapa, la que más me gusta del grupo.En la segunda etapa conseguirían todavía más éxito, pero ya hablaremos de ello en otra ocasión.
En "Standing on a Beach" se recogen los singles de los primeros años de la banda, desde el primero, "Killing an Arab" publicado en 1979 hasta “Close to Me”, de 1986.
El disco es bueno para repasar los inicios de la banda, más cercanos al pop nuevaolero que a los sonidos más oscuros por los que les conoce la mayoría del público, aunque de todo hay, y en el podemos encontrar magníficas canciones como "Boys Don't Cry", “Play for Today”, “A forest”, "Close to Me", “The Lovecats”, “In Between Days”, etc.
Un disco ideal para introducir a aquellos que no tengan ningún disco de esta primera época del grupo, para mi gusto, la más recomendable, aunque a mí, de The Cure, prácticamente me gustan todos los discos que han grabado.



lunes 7 de enero de 2008

Mice parade p.2007

¿Se acuerdan de la película Microcosmos? En todo caso era una especie de ensayo, la vida vista desde un microscopio o el mundo según las moscas. Pensé en aquel maravilloso documental sobre la vida de los insectos mientras escuchaba a Obrigado Saudade de Mice Parade. Hasta tengo ganas de terminar acá: si te gustó aquella película te va a gustar este disco (periodismo caprichoso). ¿Pero hay algo en común más allá de las asociaciones libres de un cerebro algo saturado? Y bué…hay una arquitectura abstracta, hay una sensación constante de universo único, hay una ingenuidad de mirada primera. Mice Parade es un grupo esencialmente instrumental a pesar de la presencia espectral de voces aquí y allá, y el universo de los insectos aunque lleno de sonidos extraños es también esencialmente un universo sin voz. También Mice Parade es una criatura delicada que corre el riesgo de ser devorada a picotazos o aplastada bajo el zapato opresor de la sociedad que vivimos (jajajaja). Mice Parade pertenece a un género que me encanta que sería algo así como de música experimental melódica (o simplemente pop experimental o experimentación sin disonancias graves o, según malas lenguas, pop para irse a dormir tranquilo). De instrumentación más vale clásica y acústica hay quién los llamaría Tortoise lindo. Ciertos toques orientalistas lo aconsejarían para casas de té y estoy dando una idea gratis a un rubro que todavía no explotó Palermo Hollywood. Altamente recomendado a personas delicadas o que se reponen de una fuerte jaqueca.
En pocas palabras: canciones folk para la vida después de la muerte. Recomendado si te gusta: Tristeza, Papa M, Japan Cakes, Mogwai (¡todos estos amigos nuestros!), Polmo Polpo, Do Make Say Think (otros recomendados para descubrir).Para escuchar: en un fumadero de opio.

viernes 4 de enero de 2008

Low : Long division


Low : The Curtain hits the cast


Low : Songs for a dead pilot


martes 1 de enero de 2008

Shogun : Alma


Vincent Gallo: When


Beirut : Gulag orkestra


The Wedding present: George Best


SCIANspheric: RGB


Scianspheric :Theres always someplace youd rather be


Burial : Untrue


Pass:ervalaelectronic.blogspot.com

The Magnetic Fields: Distorsion p.2008


http://rapidshare.com/files/78092239/mafie.rar