sábado 29 de septiembre de 2007

PiXies PiXies Pixies¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡




















Tomaron su nombre artístico al azar de entre las páginas de un diccionario y, sin duda alguna, han sido el grupo americano más influyente de los años 80, dado que su éxito sirvió para que la pericia musical pasara a mejor vida y que cualquier muchacho con ideas y atrevimiento pudiese montar su propio grupo, subirse al escenario, grabar su música y, sobre todo, triunfar. En una palabra, los Pixies son los Santos Pontífices del movimiento indie. Seguramente, sin ellos, Nirvana no hubieran existido. El grupo fue creado en 1986 por Charles Thompson y Joey Santiago estudiantes de la Universidad de Boston. A través de anuncios reclutaron a la bajista Kim Deal que, por su parte, les recomendó a David Lovering. Charles adoptó el nombre artístico de Black Francis y Kim el de Mrs. John Murphey (que posteriormente abandonaría). Una maqueta del cuarteto, “The Purple Tape” (editada en 2002 bajo el título de “Pixies), llegó a las manos de Ivo Watts que les contrató para su sello 4AD. Su originalidad y su actitud les valieron la aclamación de los ambientes alternativos, primero europeos y posteriormente estadounidenses. Quizá no fuera un grupo de virtuosos, pero su sonido era inconfundible y sus letras resultaban tan atractivas como enigmáticas. Su música, plagada de estribillos juguetones, se convirtió poco a poco en éxito a pesar de sus dificultades para obtener el apoyo de las radios comerciales y de la MTV. En 1992, recorrieron los Estados Unidos en olor de multitudes como teloneros de U2 en su Zoo TV. Dentro del grupo, sin embargo, las cosas no funcionaban como debían. Kim estaba frustrada porque Francis se negaba a permitirle componer para el grupo y cada vez aparecían menos canciones suyas en los discos. En varias ocasiones, los Pixies se tomaron largos períodos sabáticos y finalmente, Francis comunicó a sus compañeros a través de un fax que había disuelto el grupo. Era 1993, un año todavía llorado por los fans de grupo. Mientras Frank Black y Kim Deal siguieron carreras en solitario (el primero bajo su propio nombre y Kim con las bandas The Breeders y The Amps), los demás componentes han estado casi totalmente apartados de la música hasta ahora. Pasados los años y superadas las tensiones, los Pixies se han vuelto a poner en marcha, y, por lo visto, están en plena forma. La excitación causada en la escena independiente por la noticia ha sido enorme. PIXIES reunidos de nuevo y en gira. La banda que se separo en el 93 volvera a los escenarios de nuevo en el Coachella festival en California el dia 1 de mayo de 2004 y luego en diferentes festivales europeos durante el verano entre los que destaca Festimad y Primavera Sound (V Festival, T In The Park y Glastonbury ademas de acompañar en su gira a Red Hot Chili Peppers. Este año aparecera 'best of' album y DVD con los videos de Pixies un concierto de 1988 grabado en Londresy el documental 'Gouge', en la que figuran entrevistas con Thom Yorke, David Bowie y Bono.
Discografia "Come on Pilgrim Ep"(1987) "Surfer Rosa"(1988) "Doolittle"(1989) "Bossanova"(1990) "Trompe le Monde"(1991) "Death to the Pixies 1987-1991"[Recopilatorio](1997) "Pixies at the BBC-Live"[Directo](1998) "Complete B-Sides"[Caras B y rarezas](2001) "Pixies"[Recopilatorio](2002)
Frank Black Rock alternativo y New Wave son etiquetas que siempre han rodeado la obra de Frank Black. Famoso por ser el líder de los míticos Pixies (1986 a 1992), una de las mejores y mas influyentes bandas de rock de su era, donde fue conocido con el nombre de Black Francis. The Pixies salieron de la escena underground para regalar al mundo toda una serie de álbumes que ahora resultan indispensables en cualquier fonoteca pop. "Sufer Rosa", "Doolitle" y "Bossanova" contenían temas como "Here Comes Your Man", "Gigantic" o "Wave Of Mutilation", que se convirtieron en himnos generacionales. Las influencias de The Pixies en una infinidad de bandas es innegable. A partir de su legado nació una hornada de nuevos valores, Nirvana sin ir más lejos. Kurt Cobain y Eddie Vedder, entre otros, afirmaron ser fervientes admiradores del grupo. En 1993, tras sonadas disputas con Kim Deal, la otra voz de los Pixies, el grupo desapareció subitamente, y comenzó su carrera como solista bajo nombre de Frank Black. Mientras ella mostraba su poderío en The Breeders, él demostró que el talento creativo de su anterior etapa seguía vivo con "Frank Black" y "Teenager Of The Year". Son dos de sus discos más celebrados, y resultaron una inmejorable carta de presentación para esta leyenda viva del rock alternativo. Destaca por norma general en sus trabajos la inteligente mezcla de pop, rock surf, y la presencia de unos acordes de guitarra y líneas de bajo que tienden a mantener el sello inconfundible de este prolífico autor. En los últimos trabajos, "Honeycomb" (2005) "Fastman Raiderman" (2006), ha recurrido de manera insistente en sonidos de corte country-rock y folk, y a toques de blues, jazz y soul, sin perder nunca de vista la sensibilidad pop que le ha caracterizado desde sus inicios. Recuerda a los trabajos más sosegados de Neil Young o las pautas de Van Morrison, sin olvidar a Tom Petty, Bob Dylan, Leonard Cohen, e incluso Tom Waits. Recientemente ha anunciado un nuevo lanzamiento para Septiembre. El disco se llamará Bluefinger y será editado por Cooking Vinyl. Para dicho álbum, Frank recuperará el nombre escénico Black Francis, el mismo que ya usaba durante los inicios de The Pixies. Según él mismo cuenta, el álbum ha sido inspirado en la obra del pintor holandés Herman Brood y ya se puede escuchar en internet su primer single, titulado Threshold Apprehension. Además de todo esto, en breve publicará un recopilatorio de grandes éxitos titulado Best of Frank Black 93 - 03, cuyo lanzamiento está previsto para mediados de Junio, y que incluirá 23 temas pertenecientes a los diferentes proyectos en los que tomó parte durante la década como músico solista, fuera de los míticos The Pixies





















Th'Faith hEalers: Imaginary Friend p.1994


Your invitation to Suicide:Tribute to Suicide


Slowdive Slowdive Slowdive¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡
















Banda nacida en Reading (Reino Unido) a finales de los ochenta a la que el pobre apoyo de la prensa británica, unida a la nefasta gestión de su discográfica (SBK) se conjugaron para hacer de ellos un grupo más conocido por el boca a boca que por su repercusión en los medios.El peculiar nombre de la banda, Slowdive, viene de un sueño que tuvo Nick Chaplin y no del single homónimo de Siouxie and the Banshees.
La banda la forman originalmente es Rachel Goswell (voces y guitarra), Neil Halstead (voces y guitarra), Ian McCutcheon (batería) que sustituyó a Simon Scott a las baquetas, Nick Chaplin (bajo)y Christian Savill (guitarra).
Por aquel entonces, los grupos que salían de Inglaterra estaban influenciadas por el punk, pero Slowdive, junto con otro montón de grupos, directamente ignoraron esta música para hacer otra cosa. Otra cosa influenciada por grupos desde The Byrds hasta My Bloody Valentine.
La prensa especializada no tardó en ver que muchas bandas tenían la misma concepción musical, y pronto se dieron cuenta de que todos asistieran a los conciertos de todos y compartieran cervezas, risas y bailoteos nocturnos. Había que bautizarlos y así hicieron: “La tendencia que se aplaude a sí misma” (the scene that celebrates itself). Un poco confusa pero indiscutiblemente acertada si se conoce la razón de ser. Dentro de esta tendencia se encontraban bandas como Lush, Moose, Swervedriver, Curve o incluso Blur. De todas formas la etiqueta les hizo un flaco favory tan pronto como los medios los habían subido a los cielos, los dejaron caer a plomo. Además, el Brit-pop estaba al caer. Ese fue el pisotón definitivo para quedar semiolvidados. Los que perduraron tuvieron que decidir entre un bando u otro si querían seguir grabando discos.
Cuando Slowdive lanza su disco “Just for a Day” (1991 – SBK), la prensa especializada decide (para bien o para mal) que la vida del shoegaze ha llegado a su fin, y con él Slowdive, aunque se situaran entre los diez primeros de la lista independiente británica. El segundo disco fue publicado en 1993. Entonces el sonido de la banda se hizo más serio, se centró en cómo querían sonar y así apareció “Souvlaki” (nombre tomado de una actuación de Jerky Boys) que se publicó a mediados de 1993 y contaba con la colaboración de Brian Eno en un par de temas. En este disco se aprecia la mejora comparándolo con el material anterior. Las canciones sonaban más estructuradas pero sin sacrificar su atmósfera desconcertante que había caracterizado al grupo con su anterior disco.
El tercer y último album de la banda se publicó en 1995 con el sello Creation: “Pygmalion”. Se trataba de un arriesgado disco básicamente ambiental tras el que Creation les dio de lado como había hecho SBK, por lo que del grupo quedaron tan sólo Neil Halstead, Ian McCutcheon y Rachel Goswell, quienes compartiendo inquietudes y aires de cambio, decidieron emprender una nueva aventura con Mojave 3, firmando con la discográfica 4AD y con el que siguen en activo en 2007.
Sobre el Souvlaki
Desde el principio me cautivó la atmósfera que crean durante todo el disco y, sobre todo, la forma de rematarlo introduciendo bases electrónicas dejando de lado lo anterior, que me hicieron pensar si no se habrían colado canciones de otro artista en la carpeta de mi ordenador donde lo había guardado. Son las tres últimas canciones: “Good day sunshine” “Missing you” y “Country rain” a las que me refiero, aunque hay un aperitivo en el corte seis “Souvlaki Space Station”; probablemente son los temas en los que se aprecia la colaboración de Brian Eno. Hasta ahí el disco utiliza los instrumentos clásicos y efectos.
Sin embargo, antes hay que pasar por canciones como “Allison”, que puedes escuchar una y otra vez sin apenas darte cuenta. De repente despiertas de un letargo inducido por el embriagador eco de guitarras y canciones llevadas a un tempo más lento del tipificado para la perfecta canción pop y alcanzas “Souvlaki Space Station”.
Si bien después de escuchar “Souvlaki Space Station” persiste cierta confusión, apenas hay descanso pues empieza “When the sun hits”, presentada desde el inicio por el riff de guitarra que va a hacer que esa canción no se te olvide. El bajo toma tal protagonismo que, escuchada con el suficiente volumen, tan sólo hay que cerrar los ojos y disfrutarla. Todo un temazo.A partir de ahí baja el ritmo y continúas escuchando sin mayor pretensión que saborear los temas restantes, que aunque ninguno de ellos me ha impactado especialmente, no sobran del repertorio de Souvlaki.


Discografia:
-------------------








The Radio Dpte: pet grief


viernes 7 de septiembre de 2007

Jesu: Conqueror p. 2007


Jesu: Heartache Ep


Jesu: SUn down/ sun rise EP


Password: nodatta.blogspot.com

Crime & the City solution: Room of lights





Tributo a The Cure: Canciones de los chicos imaginarios



Tracklist

DISCO 1

01 Rasca Y Pica - A forest

02 Soylent Green (feat. Denise Lee) - Saturday night

03 Sr. Chinarro - The figurehead

04 Niños Mutantes - No llorar (Boys don't cry)

05 Madee - Charlotte sometimes

06 The Obligations - In between days

07 Hedtrip - A night like this

08 Bloomington - Push

09 Lukestar - Jumping someone's else train

10 Jet Lag - Friday I'm in love

11 Noise Box - Play for today

12 Moksha - The haunting garden


DISCO 2

01 Digital 21 - Just say yes

02 Tadeo (feat. Ocho) - Late

03 Migala - Plainsong

04 Dwomo - Killing an arab

05 Buzzo - Lullaby

06 Superlemonade - How beautiful you are

07 Half Foot Outside - Why can't I be you?

08 ExtraÑos En El ParaÍso - One hundred years

09 El Agente Naranja - Trust

10 Kidsgofree - A letter to Elise

11 Orders Of Ellington - Kyoto song

12 Sitar M - Boys don't cry

13 Space Rock Revolution - Friday I'm in love (sitar & jungle remix)




A means to an End: A tribute to Joy Division




Summoning of the Muse: A tribute to Dead Can Dance



The Violent Hour: A tribute to Sister of Mercy


Tracklist

01. Lithium - Ribbons

02. One - More

03. Crudeness - Logic

04. On the floor - Floorshow

05. Still Patient? - First and last and always

06. Malaise - Heartland

07. The House of Usher - Valentine

08. Gothic Sex - Lucretia my reflection

09. Morbid Poetry - Poison door

10. This Vale of tears - Anaconda

11. Whispers in the Shadow - Fix

12. Beyond the wall of sleep - Kiss the Carpet

13. Reptyle - Giving Ground

14. The Elizabeth Dane - Some kind of stranger

15. Burning Gates - Train16. Lizard Smile - Neverland



Bauhaus: Bela Lugosi's dead


Einsturzende Neubaten: 2 EP'S






Mazzy Star: So Tonight that i might see



Mazzy Star son David Roback y Hope Sandoval. Una ex-pareja sentimental de cuya relación ha brotado una música de contornos sinuosos que abraza la psicodelia más clásica y el folk-pop. Canciones de acompañamiento para lluviosos días de otoño, pero también para descensos hasta los infiernos interiores.
La sucesión de los temas en sus tres celebrados discos parece que nos lleva desde los abismos de la pesadilla al despertar luminoso, de la desesperación al arrullo materno. Las melodías de Mazzy Star abrazan y reconfortan, sí: son el perfecto acompañamiento en la depresión invernal y la placentera sintonía de despertares estivales. Esa dualidad característica del sonido del grupo de David Roback y Hope Sandoval se ha mantenido en toda su trayectoria musical, dejándose abrazar por el espíritu de la Velvet Underground y Nico y, también, por qué no, de los Doors en la recreación de esos temas con final de apocalipsis de órgano y guitarras (Umbilical, So Tonight that i might see, Mary of silence).
La anterior trayectoria musical de sus líderes explica esta querencia por los sonidos más psicodélicos y las nanas eléctricas. David Roback, compositor de las músicas y líder en la sombra (cuyo viaje por la psicodelia de los ochenta como líder de Rain Parade, Opal o Clay Allison delimitó una de las carreras más interesantes de los últimos veinte años), es un tipo peculiar. Una persona que al frente de Rain Parade fue capaz de pergueñar el considerado principal álbum del rock psicodélico de los ochenta, "Emergency Third Rail Power Trip" (1983), dejar el grupo al poco tiempo en manos de su hermano Steven y, junto la también disidente, en este caso, de Dream Syndicate, y ex-pareja, Kendra Smith, formar Opal. Tras facturar dos estupendos Lps entre lo mágico y lo etéreo como son los discos "Happy nightmare baby" (1987) y "Early Recordings" (1989), el abandono sentimental y musical de Kendra deja a Roback huérfano en el aspecto musical.
Por suerte, una fanática de las andanzas de David, Hope Sandoval, que había grabado unas maquetas de su grupo folk, Going Home, se las mandó para su escucha. El flechazo musical y afectivo fue todo uno, y como parece habitual en Roback, el resultado de todo ello derivó en la formación de un grupo con su pareja sentimental. La cópula entre los mensajes desde otra dimensión del rock liségico de David y la enigmática dulzura del tono de los recitados de Hope Sandoval daba lugar a Mazzy Star. Hasta ahora es el proyecto que más tiempo le ha durado a David Roback quien, coherente con su concepción del negocio musical, no tiene prisa por editar discos. Como si ese ansia por la perfección formal de su otra vocación (es arquitecto) se manifestara en su labor musical, los discos de Mazzy Star aúnan el clasicismo y la perfección en el acabado. Ello ha conllevado que en doce años sólo hayan facturado tres Lps. Tres discos que no presentan aristas, cuyas canciones son perfectamente intercambiables, como si fueran un todo común. Son el reflejo de un trayectoria al margen de las modas, en busca de la forja de un fórmula musical heredada de la Velvet Underground (de ahí, su clasicismo) que tiene a Mazzy Star como alumnos magistrales.
Si bien cantidad de bandas sobresalientes, basan su sonido en la herencia de la banda de Nueva York, seguramente la Velvet hoy sonaría como Mazzy Star. Neil Young o Richard Thompson también afloran en los acordes de las canciones de la banda de San Francisco. El tema que abría el primer disco de Mazzy Star "She hangs brightly (1990)", la preciosa, Halah mostraba bien a las claras por qué parámetros se iba a mover el nuevo grupo de David Roback. El tañido de la guitarra acústica, salpicado por los paisajes de slide, completa las ensoñaciones sugeridas por la voz de Hope Sandoval, quien ya se acompañaba por su inseparable pandereta. A continuación de Halah, la otra vertiente, la oscura (Blue Flower), con unas crispadas guitarras raspando el cansino recitar de Hope, hasta culminar en ese crescendo característico de los Mazzy Star más eléctricos. Y vuelta al principio: con Ride it on volvemos a sentirnos reconfortados por el arrullo de la voz de Hope y la sutileza del crepitar de las guitarras acústicas y, cómo no, la pandereta. La oscuridad y el viaje misterioso volverá con “She hangs brightly”, que funde sus atmósferas con la herencia de los Doors (ese órgano...). Este primer disco sorprendió por la claridad de propuesta musical en un tiempo en que la indefinición era moneda corriente. Sin complejos hasta la plenitud musical. Galaxie 500 o Cowboy Junkies transitaban por esa época por caminos similares.
Tras tres años de espera llega "So tonight that I might see" (1993). Y... por supuesto, más de lo mismo. Melodías electroacústicas con sabor folk y paisajes psicodélicos buscando el infinito, aderezados todos por el peculiar cántico de la musa Hope. En esta obra maestra están presentes algunas de las perlas de la discografía de la banda de San Francisco: la emocionante Blue Light, el single Fade into you y la escalofriante canción que da título al disco, un auténtico viaje al apocalipsis. Mención aparte para la versión de Five String Serenade de Love: la sutileza hecha belleza con un violín, una guitarra y una pandereta. Esta canción es una buena metáfora de la consideración de Mazzy Star como grupo hermético y tímido, sin ganas de salir en los media, centrados únicamente en su música.
En ese sentido siempre lo han tenido claro: ellos están enamorados de su música y se manifiestan por medio de ella; no tienen más que decir. Para desgracia de sus seguidores, este hermetismo conlleva una escasa presencia en directo del grupo. Justo las giras de los discos y poco más. Desde luego, no se trata de un directo para saltar, pero el clímax alcanzado en ellos puede derivar en auténticas ceremonias espectrales con unos Mazzy Star (David Roback y acompañantes) transmutados en la Velvet de Sister Ray o en los Doors. Mientras, Hope ejerce con su presencia la labor de gran maestra de ceremonias que invita al público al viaje a otra dimensión. El último trabajo de Mazzy Star sigue surcando las mismas cristalinas aguas. Efectivamente, "Among my swan" (1996) es el paradigma de la "no-evolución".Lógico: el sonido de Mazzy Star no es de este mundo, es un sonido del más allá, un sonido de misterio (la reformulación en coordenadas pop-rock del sonido que escucha el bebé en el vientre materno, quizás?). El halo enigmático, por tanto, continúa en su tercera obra.
Sin rastro de una deriva hacia sonidos más actuales, más clásicos que nunca, David Roback y Hope Sandoval mantienen el nivel creativo de sus trabajos precedentes. Incluso, lo superan. Desde la melodía crepuscular Flowers in December al lamento de Still Cold, de la frescura de Ive been let down al bajón espiritual de Umbilical o Roseblood. Es más, Bertolucci utiliza la preciosa Rhymes of an hour como fondo musical del despertar sexual adolescente de la turbadora Liv Tyler en la injustamente vilipendiada "Belleza Robada". No es casualidad que David Roback afirmara hace unos años que sólo le interesaban del pop-rock de entonces grupos como Red House Painters o Jesus & Mary Chain, además de seguir emocionándose con la Velvet. Normal: esos dos grupos eran el reflejo de esas dos vertientes que conviven en el seno de Mazzy Star y, por supuesto, la Velvet Underground (significativamente, Roback destaca la labor de John Cale) constituía el nexo que les emparenta con el clasicismo.
Después, un largo e interminable intervalo de silencio. Ha dado tiempo para que se haya especulado con la desaparición del grupo y el abandono de Hope Sandoval del mismo. Pero no. Tras la ruptura sentimental entre los dos componentes de la banda y diferentes colaboraciones (Jesus & Mary Chain, Chemical Brothers), la musa de Mazzy Star ha decidido publicar un disco, el balsámico "Bavarian fruit bread" (2001) en el que la jefa de los mandos sea ella. Hope Sandoval & The Warm Inventions han facturado otra obra en las mismas coordenadas en las que se mueve la banda matriz, si bien se constata un sonido más ecléctico. Un trabajo más que notable, preludio del que parece va a ser, sí, por fin, el cuarto trabajo de Mazzy Star. Durante todos estos años Roback ha compuesto nuevas canciones para su grupo y al parecer ya le ha comunicado a Hope la necesidad de grabarlas. Tras seis años de espera va a ser difícil que puedan satisfacer las ansias de los seguidores del grupo. El listón, además, no puede estar más alto.
Tendrá Mazzy Star que hacer record del mundo para lograr contentar con su sonido clásico y aparentemente monótono a sus fieles? Seguro que no. El romanticismo místico que jalona las levitas oscuras de David Roback no se puede permitir decepciones creativas. Y la mayoría de sus fieles, tampoco.. Todo lo que ha pasado por su tamiz ha quedado prendado de un halo a la vez misterioso y acogedor. Como ese oscuro paraguas abierto y protector de la contraportada de "Among My Swan", que porta, escondida tras él su musa Hope. Será ella quien lo lleva? El enigma siempre oscuro de Mazzy Star.

Mazzy Star : Among my Swan




Mazzy Star:She Hangs brightly



Estambul , Estambul¡¡¡¡¡¡




Pronto

Slowdive: 5 EP'S y Remixes




Aún recuerdo mi primer contacto con este género y en particular, con Slowdive, el grupo que más me impactó. La primera canción que pude escuchar de estos genios fue "Catch the breeze", la cual conservo hasta ahora en un viejo cassette Sony "Walkman Type II" de 100 minutos. Después de eso vino lo mejor: conseguí una copia del "Souvlaki", el album que apenas un año antes (1993) había lanzado Slowdive. La copia la tenía en un Sony Type III (metal). Nunca podré olvidar las primeras líneas de la mejor canción del disco, "When the sun hits":"Sweet thingI watch youBurn so fast it scares me"Esta canción es sencillamente increíble. O hay que ser insensible o hay que tener un pésimo gusto musical para no dejarse atrapar por esta gema. Esta canción debería esta en la colección de todos, y no exagero cuando digo que es la canción perfecta; perfecta para un momento romántico, perfecta para un momento de ira, para lo que sea. Una cosa más: estoy seguro que nunca la han pasado en ningún medio de comunicacion . Ya en otro artículo les comenté lo que pienso de la mayoría de música que suelen pasar en las radios.Slowdive fue (digo "fue" pues se desintegró en 1995) una banda que se formó a fines de los 80's en la ciudad inglesa de Reading. Inicialmente con Neil Halstead (primera guitarra) y la bellísima Rachel Goswell (voces), Slowdive incorporó poco a poco a talentosos músicos, entre los que destacaban nítidamente el ex-Eternal Christian Saville (segunda guitarra) y el ex-Charlottes, Simon Scott (batería); junto a ellos estaba el bajista Nick Chaplin.Menos de una década necesitó Slowdive para convertirse en una leyenda. El primer EP, titulado con el nombre del grupo, contiene a la épica "Avalyn", una canción hipnótica en la que se aprecian cambios constantes en la melodía generada por la batería. Aunque no estoy seguro de esto, me parece que Christian Saville no estaba en este Slowdive, y recién se incorporó en la segunda producción, el Morningrise EP (1991). Aquí se puede apreciar ya el sello del sonido Slowdive, marcado probablemente por Christial Saville con el clásico sonido agudo y punzante (no puedo describirlo de otra forma) de su guitarra en todas las canciones. Luego de esto vino un tercer EP, el "Holding Our Breath", que contenía uno de los clásicos de la banda, "Catch the breeze". Ese mismo año (1991) Slowdive lanzaba su primer álbum, "Just for a day", que contiene una de las mejores canciones de su discografía, "Primal", además de otras como "Waves", la instrumental "Erik's song" o la misma "Catch the breeze". Pasaron dos años para que Slowdive lance su segundo album, el "Souvlaki". Quizás éste sea el mejor album de la banda, y la razón es bastante simple: está plagado de bellas canciones. A diferencia de su predecesor "Just for a day" (más calmado, más oscuro, más frío, con más fuerza en la aplicación de distorsión en los efectos), este "Souvlaki" no utiliza tanta fuerza, sino que por el contrario, utilizan los elementos necesarios para producir un paisaje más etéreo aproximado al "pop de ensueño".Las canciones perdidasCabe destacar un hecho importante aquí. Entre el "Just for a Day" y "Souvlaki" Slowdive estuvo trabajando en una serie de canciones que iban a servir para éste disco, sin embargo muchas de ellas quedaron en simples demos, es decir, jamás vieron la luz!. Estas canciones son conocidas en el círculo de fanáticos de la banda como "The Lost Album" (el álbum perdido) o simplemente "Souvlaki Demos" y fueron compartidas por uno de los miembros de Slowdive a un fan, quien a su vez los distribuyó a muchas otras personas, lo que hace posible que hoy pueda ponerles la siguiente relación (***):

Slowdive: Blue day


Slowdive: Morningrise


Slowdive:Holding Our Breath (1991)


Slowdive: EP 1990


Dif Juz: Out of the trees


Dif Juz: Extractions




Dif Juz: Who says so



Killing Joke: Love like Blood


This Mortal Coil: Filigree & Shadow



Hay un grupo olvidado en los trasfondos de la década (prodigiosa) de los ochenta que ha elaborado discos de una magnitud tal que no tienen nada que envidiarle a un "The Wall" de Pink Floyd, "Serpents Egg" de Dead Can Dance, "A Deeper Kind of Slumber" de Tiamat o Disintegration de The Cure en cuanto a álbumes-concepto se refiere. Ese grupo se llama This Mortal Coil (TMC) y puede ser visto como un breve pero hermoso hálito musical venido de otro mundo, de uno más puro quizás, o más oscuro, pero eso sí: ajeno al que conocemos.Con tan sólo tres álbumes en su discografía, este nombre refiere en realidad a un dream team de la vanguardia post-punk nor-europea en lugar de un conjunto fijo de músicos. En realidad, lo que unifica a TMC es únicamente el concepto o, más aún, el aura de la estética que baña esta maravillosa aventura musical. En resumidas cuentas podemos decir que TMC es el experimento de un productor llamado Ivo Watts Russell, presidente y co-fundador de la (no tan) famosa compañía de discos 4AD. La propuesta de esta institución se caracteriza por una búsqueda de lirismo, poesía y densidad simbólica que aparecían escasos en el movimiento punk y post-punk tan en boga allá por inicios de los ochenta. Grupos como Dead Can Dance o Cocteau Twins son paradigmas de esta derivación introduciendo sonidos angelicales, exóticos y esotéricos, no ya como acompañamiento ambiental (o de transición), sino como contenido principal de la propuesta musical. TMC lleva esta experimentación al extremo y en total libertad creativa: Watts Russell se encarga de combinar a los músicos de su sello naciente para crear discos concepto con las más altas exigencias musicales y no así comerciales. Así, en 1984 aparece en las disqueras underground "It will end in tears”, en 1986 “Filigree and shadow” y en 1990 “Blood”. Decir si el primero o el segundo de los álbumes mentados es el “mejor” de TMC es a patear oxigeno, lo indudable es que “Blood”, a pesar de tener grandes momentos, es inferior a los dos anteriores. La discografía contiene participaciones de miembros de grandes grupos de la corriente como ser Cocteau Twins, Dead Can Dance, Cindytalk, English Speaking y Dif Juz (entre otros).¿Qué es lo que tiene de especial este curioso proyecto? Quizás se puede resumir la respuesta con este oxímoron: la belleza de la melancolía o la melancolía de la belleza. Sí, estos dos elementos en apariencia opuestos están incondicionalmente ligados en las notas espectrales que infunde, no sin generar escalofríos, este grupo de músicos tocados, sin duda, por la más mágica de las varitas conocida como inspiración. TMC representa la persistencia del espíritu romántico, trascendiendo épocas y estéticas (en referencia al movimiento artístico puntual del siglo XIX conocido como romanticismo), jamás mejor encarnado que por el joven Werther, paradigmático héroe romántico goethiano. ¿En qué aspecto se puede leer en la propuesta musical de TMC vestigios de aquel gran movimiento del siglo XIX? El romanticismo es, ante todo, un manifiesto de nostalgia que había de nacer con la fría racionalización y objetivación del mundo que implica la revolución industrial y la ilustración. Sí, nostalgia es la palabra clave: nostalgia de la comunidad, de la naturaleza y la animalidad, nostalgia de la niñez, de la acción afectiva y del misterio de la muerte antes de la esclerótica visión “iluminada” del pensamiento científico. Lo interesante y desafiante de este movimiento es que prefiere sufrir la melancolía del paraíso perdido pre-moderno antes de buscar su reestablecimiento, como sospechando que ese “lugar” nunca existió en los hechos objetivos sino en un mundo ideal, estético, poseedor de una belleza impalpable en nuestra baja realidad. La manera de aproximarse a esa realidad es a través de la exaltación de los sentimientos, de la nostalgia que en los casos extremos deviene melancolía. El héroe romántico transita y explora los estados emocionales, desde la algarabía loca de vivir hasta las ganas implacables de morir, transfigurándolos en símbolos bellos, el héroe romántico figura la belleza y la inocencia perdidas para siempre ¿A caso esta tarea es posible sin entrar en un estado de profunda tristeza? El ser de un espíritu romántico está preso en un constante dilema entre la nostálgica evasión en el colorido y apaciguante mundo imaginal (al que se llega por vía de la inspiración) y la opaca existencia en un mundo de máquinas humanas y humanos maquinizados. Y si mencionamos la evasión como concepto clave del romanticismo, hay una que es mayor que todas las otras y esta es la muerte; este monstruo despiadado, temido y expulsado por la ideología moderna se transfigura ante los ojos de estos artistas y se convierte en benigno, maternal: en el romanticismo la muerte deviene una añoranza: he ahí el gusto por los paisajes lúgubres, por los edificios en ruina o los ambientes nocturnos.

This Mortal Coil: IT 'll end in tears



This Mortal Coil:Song to the Siren EP


This Mortal Coil: Blood




Space: Greatest Hits & Unheared Bits


Disco pedido por Brunomilan de argentina

The Glove: Blue Sunshine


Mercury Rev: The Essential


Mercury Rev: Boces


Lucybell: LP 1998


Estos tres discos de lucybell dedicados a mi Carol.

Lucybell. Viajar


Lucybell: Peces


Blonde Redhead. Elephant woman EP


OST: Marie Antoniette


Morrissey: Kill uncle


Gepe: Hungria


Mogwai: Zidane a Portrait of


Mogwai : Mr .Beast


Mogwai :Ep + 6


lunes 3 de septiembre de 2007

Yo la tengo: Live







Llevo unos días, semanas ya, escuchando "Prisoners of love", el último disco de Yo la tengo, un doble recopilatorio. Además, por motivos personales, normalmente lo escucho mientras conduzco. Llega a ser excitante concentrarme en las líneas de la carretera mientras escucho este disco. Cada vez me doy más cuenta de que la música que más me emociona es la que consigue sumergirme en un proceso de Hipnosis ;).
Debo aclarar que compré (lo juro, señor comisario) la edición especial que incluye un tercer cedé de rarezas y descartes ("A smattering of outtakes and rarities"). Es este último cedé el que me ha convencido de que Yo la tengo merece estar en el selecto grupo de Imprescindibles de va-web. Y es que parece mentira la enorme cantidad de talento que destilan ese puñado de temas que Yo la tengo había descartado para sus discos de estudio. Descubrí a Yo la tengo en la universidad. Charly Faber era mi compañero de clase y ya entonces era la enciclopedia musical que de lunes a jueves abre en el sateli-3 de Radio 3.
Cada vez que íbamos a su casa nos sorprendía con sonidos muy especiales y grupos que nadie conocía. Cuando alguno me gustaba le pedía que me los grabase. Días después aparecía por la facultad con una casete (hace tanto tiempo, ¿verdad?). Al llegar a casa la ponía y la ponía hasta rayarla. Después, hablábamos de ella. Y de cine. Y de muchas más cosas.
Un día me trajo una casete de 90 minutos. La puse en casa. La oí. Y al hablar de ella le dije que el grupo que contenía la cara A me fascinaba, pero que el de la cara B me levantaba dolor de cabeza. Charly insistió en que era el mismo grupo, "unos americanos que se llaman Yo la tengo". No me lo podía creer. Solo me convenció cuando me enseñó los créditos del disco. A partir de entonces Yo la tengo pasaron a ser mi grupo de cabecera, entre otras cosas porque me fascinaba que un grupo capaz de construir un tema tan dulce como "Griselda", pudiese también distorsionar tanto como en "Can't forget", por ejemplo. Con el paso del tiempo resulta que ahora me gustan más los temas psicodélicos que los de inspiración folkie. Pero dejemos de hablar de mí, ya cuento batallitas como el abuelo cebolleta. Y hablemos de lo que importa. De música.
Yo la tengo viven en Hoboken, New Jersey, aunque, a veces cuando hablan de "volver a casa" se refieren a Brooklin, New York. Sus componentes son Georgia Hubley (batería y voz) e Ira Kaplan (guitarras y voz), esposos y músicos, que se han dedicado a explorar el lado cotidiano, amable y a la vez frágil de la vida y han creado un mundo personal de amor y experimentación musical.
Georgia Hubley es la hija de uno de los creadores de Mr. Magoo (sí, el cómic) y, como su padre, estudió arte e ilustración, llegando a realizar pequeños proyectos de animación mientras tocaba en bandas locales de influencia country.
Ira Kaplan era un eventual crítico de rock en innumerables fanzines y revistas como el New York Rocker mientras aporreaba su guitarra y quemaba amplificadores con feedbacks a lo Velvet. Ira aporta al sonido de Yo la tengo la dureza, el feedback, la experimentación. Mientras, Georgia es la melodía, el minimalismo, el hallazgo pop: melodías con pocos acordes, con un sentimiento más lírico. Otra aportación de Georgia es la psicodelia vía Syd Barrett y Rocky Erickson (dos de sus músicos favoritos).
A partir del Painful (1993) Georgia e Ira encuentran al compañero perfecto: James McNew, su bajista definitivo (antes pasaron por la formación Dave Rick, Gene Holder y Stephan Wichnewski). Gordito, simpático y lentudo presume de ser un fanático de Prince y de "Purple Rain" (su película favorita de todos los tiempos).
En sus comienzos el sonido de Yo la tengo se dividía en canciones a modo de revisión del folkie-rock y otros temas de experimentación con influencias de la Velvet Underground. Pero evolucionó, y ahora mismo mezclan ambas influencias en todos los temas logrando un sonido muy particular basado en una dinámica de contrapuestos: melodía/ruido, femenino/masculino, psicodelia/punk… Justo, a partir del Electr-o-pura.
Discografía básica.-
THE RIVER OF WATER (1985) primer single editado para el sello Egon. El tema de la cara B era "A house is not a motel".
RIDE THE TIGER (1986) primer LP con la firma del sello Coyote bajo la producción de Clint Conley, bajista de Mission of Burma. A destacar una versión del "Big Sky" de Ray Davies (Kinks).
NEW WAVE HOT DOGS (1987) con canciones tan memorables como "Did I tell you" o "Lewis", un homenaje a America (el grupo). A destacar también una versión del tema "It´s alright (The way that you live)", de Lou Reed.
PRESIDENT YO LA TENGO (1989) incluye temas como "Barnaby Hardly Working" o "The evil man can do", esta última en dos versiones, una al estilo spaghetti-western y otra con un feedback de casi diez minutos.
FAKEBOOK (1990) editado por Bar None Records y producido por Gene Holder, la mayoría de las canciones son versiones de gente como Gene Clark, Rex Garvin & the Mighty Cravers, The Escoras, The Flamin' groovies, The scene is now, The Kinks… y de espíritu básicamente folkie.
MAY I SING WITH ME (1991) editado para el sello Alias Records y grabado en los estudios Fort Apache de Boston incluye canciones tan melódicas y enérgicas a la vez como "Detouring America with horns", "Upside-Down", "Nowhere near" y "The whole of the law".
SHAKER (1993) single que supone su debut en el sello Matador. Incluía en la cara B el tema "For shame of doing wrong".
PAINFUL (1993) grabado en los estudios Water Music en Hoboken junto al productor Roger Moutenot, debe ser el disco ruidoso más suave que se haya hecho en la historia con una presencia muy importante del órgano al que arrancan sonidos muy psicodélicos. A destacar los temas "I heard you looking", "Big day coming" o "From a motel 6"
ELECTRO-PURA (1995), quizás el disco más ambicioso de Yo La Tengo y en el cual las fronteras entre el folkie y la electrónica, la experimentación y el pop se vuelven irrelevantes.
GENIUS + LOVE = YO LA TENGO (1996) bajo este título tan presuntuoso recogen una colección de rarezas desperdigadas en ediciones de fanzines, tributos y caras B que incluye un segundo disco de instrumentales en el que encontramos la maravillosa "Sunsquashed", una alucinante jam de veinticuatro minutos.
I CAN HEAR THE HEART BEATING AS ONE (1997) concebido en su edición de vinilo como un disco doble, es probablemente el disco más melancólico de Yo la tengo. Georgia toca el órgano con tanta energía como Ira tocaba antes los feedbacks y la voz de Ira se ha vuelto tan frágil y delicada que ya no se sabe cuando está cantando él o la Hubley. Temas como "Sugarcube" o "Shadows" les enlazan con su discografía anterior, no obstante otros temas como "Moby Octopad" o "Autumn Sweater" marcan una nueva evolución en su sonido.
LITTLE HONDA (1998) es otra recopilación de versiones como "How Much I Lied" de Gram Parsons o "No Return", de los Kinks.
AND THEN NOTHING TURNED ITSELF INSIDE-OUT (2000) mezcla sin pudor dub, folk, electrónica, rock experimental, jazz… en canciones como "Our Way To Fall" (I remember your old guitar / I remember it looked around your neck, and I remember the day it broke), "Last Days of Disco", "You Can Have It All" o "Everyday". El tema que cierra el disco es "Night Falls on Hoboken" de trece minutos de duración que incluye una guitarra soberbia.
THE SOUNDS OF THE SOUNDS OF SCIENCIE (2001) es la banda sonora original (completamente instrumental) de una serie de ocho documentales dirigidos por Jean Painleve. Todos los temas son muy largos y en ellos podemos encontrar dos constantes: el sonido hawaiano en temas como "Sea urchins" o la influencia del free-jazz como en "Shrimp stories".
SUMMER SUN (2003) disco fundamentalmente ecléctico, que se aparta del rock de guitarras, aún manteniendo sus habituales melodías de pop hipnótico, pero acercándoles aún más al free-jazz para construir un disco intimista. Destacan temas como "Beach party tonight", "Tiny birds", "Don't have to be so sad", "Season of the shark", "Nothing but you and me", "How to make a baby elephant float", "Moonrock Mambo" o "Let's Be Still". La herencia velvetiana se aprecia en "Little eyes" y "Today is the day". Casi he incluido todos los temas del disco, aunque he dejado para el final mi favorito y el que cierra el cedé: "Take Care".
Como curiosidad, Yo la tengo figura en las bandas sonoras de "Amateur", "Two days in the valley", "Kids in tha hall" y "I shot Andy Warhol". En esta última película aparecen haciendo de la banda de la casa, algo así como una imitación de la Velvet, aunque, por razones legales, no aparecen como Yo la tengo.
Pero bueno, vamos a ceñirnos a Electr-o-pura. El disco que yo considero imprescindible de Yo la tengo. Fue grabado en Alex The Great, Nashville, Tennessee y fue producido por Roger Moutenot.Se abre con "Decora", un tema de construcción muy sencilla que consta de una base rítmica de bajo y batería a las que Ira añade las texturas psicodélicas con su guitarra pero que resulta embriagadora. El disco de rarezas y descartes "A smattering of outtakes and rarities" incluye una versión acústica que pone los pelos de punta.
Seguimos con "Flying lesson (hot chicken #1)" el tema más cercano a Sonic Youth de toda la discografía de Yo la tengo. La aportación personal es la voz susurrante y el crescendo en la distorsión de las guitarras.
"The hour grows late" es una suave balada en la que el tratamiento de las voces les acerca al du-duá.
El cuarto corte, "Tom Courtenay", se editó como single antes que el disco con el tema "Bad politics" en la cara B. Es quizá el tema más accesible (pop) de todo el disco. Habla de la actriz británica Julie Christie. El estribillo basado en el "papapa papapararara" es tan irresistible y pegadizo que una vez que lo hayas escuchado no pararás de repetirlo.
"False ending" dura menos de un minuto. Se trata de un tema muy acelerado que casi invita a mover los pies.
"Pablo and Andrea" es la típica balada "romántica" de influencia folkie en la que sobresale la voz de Georgia en un tono conmovedor. Impresionante el solo de guitarra por el enorme sentimiento que transmite.
El siguiente tema, "Paul is dead" tiene unos coros dulces y voz cavernosa. Por el tratamiento musical parece un tema acústico.
Seguimos con "False alarm", que se basa en incansables ritmos repetitivos con los diferentes instrumentos que se van solapando. Ira canta y toca las maracas. Los sonidos se van agudizando hasta acabar convertidos en chirridos… pero sin perder nunca la armonía y, lo que es más importante, la emoción.
"The ballad of Red Buckets" es una balada épica de influencia country.
Continua con "Don't say a word (hot chicken #2)", que en nada se parece a "Flying lesson (hot chicken #1)", aunque su título suponga una relación. Es suave e hipnótica, con la voz de Georgia guiándote por el mundo de colores.
"(Straight down to the) Bitter end" es una canción de amor, aunque alejada del canon de las baladas. Las guitarras se entremezclan en varias pistas sin fin, a cada cual más experimental. Rock contundente y alternativo, supongo que para aprovechar la energía que el público demandaba a partir del grunge.
La distorsión armoniosa que impera en el sonido de Yo la tengo domina "My heart's reflection". La voz es dulce, aunque otra vez indescifrable, a base de susurros.
Sin solución de continuidad llegamos a "Attack on love", un tema caótico, puro ruido.
Se cierra el disco con "Blue line swinger". Los créditos indican que dura 03:42, aunque en realidad supera los once minutos, de hecho en algunos reproductores te marca esa duración, pero no es un defecto. El tema es un ejemplo de la dimensión épica de la música de Yo la tengo.

Yo la Tengo: I can't hear the heart beating as one


Yo la Tengo: Painful


Yo la Tengo: Today is the day EP


Mogwai: No education, no future EP


pass: nodatta.blogspot.com

Blonde redhead: Misery is a buterfly


pass: saboramusica

Daft Punk: Homework


Elastica: Lp1995


Mum: Yesterday was dramatic, today is Ok


Mum: Finally we are no one


Mum: Summer make good


Javiera Mena: 2001 Demo


domingo 2 de septiembre de 2007

Deerhunter: Cryptograms


Curioso trabajo. Cryptograms se divide en dos partes bien definidas, y eso produce el extrañamiento. Y lo provoca porque no es normal en un disco de estas características algo que no sea la uniformidad: Deerhunter se inscriben en ese amplio abanico de bandas que licúan guitarras en un magma de sonido, un fluído de ruido a soto voce, templado y ambiental, en la estela de los momentos más narcóticos de Spacemen 3 o como unos Galaxy 500 más electrificados, y siempre bajo la sombra del Loveless (cambiando sus muros infinitos por suaves tapices, por explicarlo con una imagen... vamos, que Deerhunter no atruenan como el venenoso caramelo de Shields y amigos).Por supuesto que estas referencias aún quedan lejos a los de Atlanta, pero se nota que están en ello, buscando su propio camino (planeador). Por eso el Lp se grabó en dos sesiones distintas, y por eso hay, casi, hasta tres registros distintos. En su primera mitad, siete temas que darían para un Ep generoso de una media hora, contraponen paisajes ambientales entre el tecno abstracto, el dub y las guitarras flotantes, con temas de rock árido, distorsionado y de interpretación urgente, asfixiada. Curioso pero fallido.La segunda mitad ofrece cinco temas donde ambos mundos se mixturan y enfatizan el elemento melódico, sin renunciar al paisajismo evocador pero en canciones más sólidas. Mejor así, advertimos a la banda más centrada, y más acertada.En definitiva, un grupo a seguir, si eres de los que se embelesan con el space rock y el shoegazing. Supongamos, siempre positivos, que su tercer disco, cuando venga, sea un paso adelante.

Low : Things we lost in fire


The Devastations:yes, u


Sigur Ros:takk


La banda se formó en 1994 y toma el nombre de la hermana menor de Jónsi, vocalista y líder, quien nació el mismo día de la reunión de los miembros de la agrupación. Desde que fueron un grupo en ciernes se destacaron por aquella ‘mediática independencia’ que los convierten en artistas de culto, poco observados por las grandes maquinarias musicales, pero con una vasta cantidad de seguidores y una crítica que le otorga bien merecidos elogios."Leit ad lifi"Su primer disco titulado "Von" (Hope/Esperanza) fue poco entendido por su sonido profundamente experimental y su calidad de disco-concepto. No fue sino hasta noviembre de 1999, terminando el milenio, que lanzaron su famoso disco “Ágætis Byrjun”(A good beginning/Un buen comienzo) y los catapultó a la fama mundial, tanto así que muchos lo proclamaron uno de los mejores álbumes de la década. Es quizá el trabajo que mejor refleja las características de la banda, su minimalismo y sonidos etéreos que los hacen inconfudibles."Olsen olsen"Tres años después sale a la luz el disco sencillamente titulado “( )”, cuyas canciones carecían de títulos y las letras eran cantadas en Hopelandic, una lengua inventada por el grupo que solo consiste en la voz usada como un instrumento más. La historia de este disco es extensa y curiosa por lo que no la citaré acá y razón por la cual dejo los enlaces a la reseña de cada disco."Untitled #4" (Njósnavélin)Su cuarto álbum, “Takk” (Thanks/Gracias), publicado en 2004 presenta un sonido más rockero, con guitarras ligeramente más corrosivas, se convirtió en su disco más vendido, gracias a la popularidad que ya habían adquirido con sus precedentes trabajos."Hoppípolla"Sigur Rós se ha ganado el respeto de artistas del calibre de David Bowie, Radiohead, Brian Molko de Placebo, Björk, Moby, Meg White, Metallica, Silverchair y una infinidad de seguidores conscientes de la maestría de los escandinavos. Además, suelen acompañar su excelencia musical con una consecuente calidad y minuciosidad en la realización de videoclips que plasman aquella nostalgia de estos modernos bonzos de la profundidad lírica.

Sigur Ros:( )


Pass: www.chilewarez.org

Sigur Rós :Ágætis byrjun


Soda Stereo: Dynamo


password:www.pinchala.cl

Nick Cave and the Bad Seeds : No More Shall We Part


Password: majorbonobo

SPACEMEN 3 : THE SOUND OF CONFUSION (1986)








Cuando el grupo británico Spacemen 3 se desintegró en 1991, sus líderes Sonic Boom (Peter Kember) y Jason Pierce (ahora J. Spacemen) decidieron cada uno por su lado formar su propia banda. Boom dio vida a Spectrum y, poco después como un proyecto paralelo, a Experimental Audio Research, mientras que Pierce conformó a Spiritualized.
La desaparición de Spacemen 3 pareció, en aquel momento, una tragedia. Esta banda, "cuya influencia y base de fanáticos excedieron por mucho el pequeño reconocimiento comercial que recibió durante su tiempo real de existencia", grabó cinco discos: Sound Of Confusion, Perfect Precription, Playing With Fire, Performance y Recurring, todos convertidos ahora en clásicos del sector alternativo del rock. Más tarde llegaron las reediciones y los discos pirata que aparecieron inclusive desde antes de que el grupo grabara su primer álbum, y estuvieron encabezados por Taking Drugs To Make Music To Take Drugs To, cuyo título ofrece una idea clara de la ideología y estilo musical de la banda.
A poco más de seis años de la desaparición de Spacemen 3, uno piensa que quizás fue lo mejor que pudo ocurrir, ya que ahora son dos bandas más muy creativas las que recorren el sector alterno del escenario del rock. Spiritualized, quien en 1997 sacó ya su tercera grabación, Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space (Dedicated-Arista, 1997) y Spectrum, quien también en este año concluyó su tercer álbum, Forever Alien (Space Age-Reprise, 1997).
El nuevo disco de la banda encabezada por Jason Pierce bien podría ser una nueva y mejorada versión de aquella grabación no oficial aparecida a mediados de los ochenta titulada Taking Drugs To Make Music To Take Drugs To. La diferencia es que con Ladies And Gentlemen el público ya no necesita tomar drogas pues la música es suficiente para ponerse en órbita. Empacado en una atractiva caja de pastillas medicinales, Floating In Space está hecho con psicodelia, soul, gospel, así como altas cantidades de sonidos narcóticos, y sus 12 rolas remiten irremediablemente a la obra de Spacemen 3. Por ejemplo, las enérgicas "Come Together" y "Electricity" y las melancólicas "Stay With Me" y "Broken Heart" de Spiritualized, son tan sublimes como "Walking With Jesus", "Take Me To The Other Side", "Lord Can You Hear Me?" y "Come Down Softly To My Soul", de Spacemen 3. La misma armonía que es posible encontrar en los primeros dos discos de Spiritualized (Lazer Guided Melodies y Pure Phase) est integrada en Floating In Space.
El nuevo trabajo de Spectrum incluye lenguaje explícito de Spacemen 3. De esta manera, en "The Stars Are So Far (How Does It Feel?)" Sonic Boom integró letras de, claro, "How Does It Feel?", canción del lbum Playing With Fire. Sin duda es un álbum diferente a los que lo antecedieron, Spectrum y Soul Kiss (Glide Divine), pero los sonidos espaciales y las melodías minimalistas continúan presentes. Forever Alien ofrece también varios cortes integrados en el EP Songs For Owsley, lo cual lo hace m s atractivo sin considerar varias otras rolas excelentes que fueron grabadas casi en su mayor parte sólo con "un pequeño ejército de sintietizadores análogos antiguos".
Si bien Spiritualized ofrece melodías y letras de fácil asimilación, Floating In Space no es un disco sencillo comenzando por su duración de casi 70 minutos. El caso de Forever Alien es algo más complicado porque aunque dura 54 minutos sus sonidos repetitivos pueden saturar a quien lo escucha. Lanzarse sobre ambos discos de golpe y sin tener un entrenamiento previo equivale a autorecetarse una sobredosis de... medicamentos. Por esto, la recomendación es comenzar con (la) Perfect Prescription, Sound Of Confusion y Playing With Fire de Spacemen 3. Después, con mucha precaución y bajo estricta supervisión médica, recurra a Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space y Forever Alien, sin olvidar mantenerlos fuera del alcance de los niños

PJ HARVEY :JUNGLE QUEEN (1996)


CHARLOTTE GAINSBOURG : 5:55




Lemon incest¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

FUJIYA & MIYAGI : Transparent Things


STEREOLAB & THE HIGH LLAMAS :"Turn On"


the Magnetic Fields : 69 love songs




BRIAN ENO / DAVID BYRNE : My life in the bush of ghosts (1981)


Suede Lp.1993


THE BRIAN JONESTOWN MASSACRE : Thank God for Mental Illness (1996)


THROBBING GRISTLE :"D.O.A. The Third and Final Annual Report" (1978)


The Stooges:LP 1969


sábado 1 de septiembre de 2007

The Smiths are dead: A tribute to the Smiths



Incluye versiones a cargo de The Boo Radleys, The High Llamas, The Trash-Can Sinatras, Placebo, Supergrass, The Divine Comedy

Various Artists : MONSIEUR GAINSBOURG REVISITED


Throwing muses: real ramona


Stereolab: Emperor tomato ketchup




Este grupo cuyo núcleo lo forman el matrimonio formado por Tim Gane y Laetitia Sadier se formó a principios de los 90 y durante la primera parte de la década se convirtió en un grupo de culto para la cultura underground inglesa. Posteriormente su éxito lo ha hecho accesible para el resto de los mortales, lo que nos ha permitido disfrutar de la atrevida apuesta de Stereolab, quizá uno de los grupos más prolíficos de los últimos tiempos. Canciones melódicas, casi hipnotizantes, aliñadas con sintetizadores analógicos y cantadas en Francés o en Inglés con cierto toque retro. Todo ello configura canciones que evocan siempre felicidad sin límites (son únicos a la hora de poner banda sonora a los momentos de placer) esto contrasta con la marcada ideología Marxista del grupo, que no pierde la ocasión de recordarnos las injusticias de nuestra sociedad

Mogwai: BBC sessions


Death in Vegas: the Contino sessions


Serena Maneesh: lp 2005


Gastr del Sol: Camouflage


A primera vista, un disco heterogéneo, quizás hasta irregular. Heterodoxo para la heterodoxia del post-rock. Irreverente al apelar por lo acústico en medio de una marea electrónica. Calmando a la fiera de los medios tecnológicos con pasajes de complejas convenciones. De cualquier forma, un disco entero, conciso, sin hincarse ante nada y ante nadie, seguro de sus melodías y de sus antimelódicos. Un precioso mutante, un gitano de rasgos celtas, una cabina rural, ciudadana del mundo.Suena a todo, y en él suena todo. Piezas como “Black horse” son el cruce de dos procesiones: de un lado, un matrimonio gitano en Bulgaria; del otro, un cortejo fúnebre en New Orleans (o si lo prefieren, una parada jazz en Mardi Gras, y un lamento gitano de camino al cementerio). Y sí, a amor y muerte se escucha este disco. A caballo entre el cortejo fúnebre y el amoroso.Si bien saltan a la vista sus rasgos de indie pop americano, se guarda lo mejor para un sonido cautivante, expresivo, sumamente genuino y acertado. Esto quizás, por el hecho de que, entre las filas de Gastr del Sol, se encuentre ese genio indiscutible de la otra escena norteamericana: Jim O’Rourke. Tan camaleónico como ubicuo, con una capacidad de trabajo que abrumaría a un corredor de bolsa, O’Rourke es el músico más versátil que podamos encontrar entre los múltiples hallazgos que ya tenemos para los 90s.En este disco, se luce con una producción sin prejuicios de ningún tipo. Si se tiene que echar mano de los medios electrónicos más rigurosos, se echa. Si se tiene que apelar por loe estrictamente acústico, se apela. Si se tienen que poner a convivir elementos electrónicos y elementos acústico, se hace sin pecar de arrogancia electro-acústica.Total, un disco de lo posible y lo imposible. Una joya que se venía tallando desde los albores de Gastr. La más absoluta liberación de avant-garde. ¿Por qué? Porque logra incluso, liberarse de sí mismo, de sus razones y sin razones, de sus juicios y principios, de sus imperativos categóricos, de sus mandamientos. A cualquiera podemos decirle que “Camoufleur” es un disco de “avanzada”, sin los intragables cerebrales del avant-garde. Cualquiera puede acceder a él, y es eso lo que lo convierte en un disco de conmovedora complejidad. No apela a las tradiciones –no es tradicional. Sin embargo, no omite la historia, y se zambulle en ella para retomar los cabos sueltos de los géneros más antípodas al post-rock. Un punto de orden en medio de la cháchara vanguardista.